cineticamente

"Linda Linda Linda", Nobuhiro Yamashita

2012-01-27T12:47:00.000-08:00

27/01/12

Por una parte tengo la sensación de que llegué a esta película por recomendación de alguien, porque no suele ser el tipo de películas que captan mi atención directamente. Pero la otra posibilidad es que pasara todo lo demás por alto ante la sola presencia de Doona Bae, y en Japón. Era difícil dejarlo pasar.

"No es un error esperar un milagro. No permitiremos que los días de instituto sean sólo un recuerdo"

Entre lo de drama cómico juvenil y musical, sonaba al tipo de películas para acercarse con precaución en caso de que sean o demasiado melosas, o tópicas o exageradas. Pero en realidad el tono general de la película, mucho más cercano a un realismo relativamente neutral, queda bastante claro desde el inicio.

Un grupo de música conformado por amigas que van juntas a la escuela se desintegra ante una pelea entre dos de ellas. Entre que se va una o se va la otra el grupo se queda sin vocalista, justo cuando se habían comprometido a tocar para un festival escolar. Tras una infructífera búsqueda deciden que le pedirán que sea vocalista a la primera persona que pase justo frente al pasillo donde se encuentran sentadas al final de un día. Y dicha persona resulta ser Son, una joven coreana que está de intercambio en la escuela, que no habla demasiado bien el japonés y que no tiene muchos amigos. Pero la decisión está tomada.

Primero tengo que decir que Doona Bae tenía ya unos 26 años cuando grabó esta película haciendo de una joven de preparatoria. Y es totalmente convincente, se ve pequeña y adorable. Creo que la amo.

Ajam. La película seguirá todo el proceso de integrar a alguien a un grupo en todos los aspectos. Primero porque Son no canta particularmente bien, no digamos ya que hable japonés. Encima que tiene que comenzar la dinámica con un grupo que ya ha ensayado junto y cuyas chicas se conocen de varios años antes. Ahí también involucra el proceso de adaptación a una nueva cultura, que al no ser abordado de manera explícita (queda claro que Son es foránea pero la trama no cae en enfatizar constantemente las diferencias culturales o cualquier problemática al respecto), consigue darle un toque más sincero al personaje que ayuda bastante con el ritmo de la película.

También, al tiempo que aborda otros temas como la amistad, las relaciones, lo que cada persona busca en un momento determinado de su vida, todo ello se muestra sin resultar empalagoso, consiguiendo un desarrollo fresco, divertido y con un buen soundtrack. De hecho hay un par de secuencias musicales que sencillamente me encantaron.

La película me pareció encantadora y tierna, tanto como bien lograda y de lo más entretenida. Además que despertó mi interés por un par de las otras protagonistas de quienes tal vez busque más cosas (especialmente de Yuu Kashii, quien me cautivó). Ha conseguido también que le pierda un poco el miedo a las películas de adolescentes, pero por el momento creo que se limitará a las japonesas, oh.

¿Película favorita sobre un grupo musical juvenil?

"Tomie: Replay", Tomijiro Mitsuishi

2012-01-26T14:31:00.001-08:00

26/01/12

Y continuamos con una pieza más de la saga de "Tomie", porque nunca sé cuándo detenerme en sagas de terror, ya no digamos japonesas. Y en vista de que nada parecía haber funcionado antes, decidieron conseguirse a un director sacado de la nada a ver qué se podía hacer al respecto.

"Tengo que librarme de ella antes de que se apodere de mi cabeza. Monstruo, monstruo, monstruo, monstruo"

Siendo ésta ya la tercera película de la saga, uno se pregunta por qué los productores o lo que sea no han optado por obviar las historias más típicas del comic y buscar alguna un poco más experimental, en vista de que no nos van a contar nada nuevo, ni explicarnos nada, y las dos películas anteriores tampoco fueron particularmente buenas. Pero Japón debe saberlo mejor que yo, y por si no fuese suficiente, en esta nueva entrega nos encontramos con la trama todavía más innecesariamente complicada.

Yumi Morita es una adolescente cuyo padre, un importante médico, desaparece en condiciones sospechosas al igual que otros doctores del mismo hospital. La policía no sabe muy bien por dónde ir de modo que ella va siguiendo algunas pistas por el sitio, encontrándose con un cuaderno de notas que llevaba su padre y que para dar a entender que poco tiempo antes de la desaparición comenzó a volverse loco a partir de una extraña operación que realizó a una paciente muy joven. Al mismo tiempo una joven de la que no se sabe nada escapa del hospital, y fuera de que no se sabe de ella podría no resultar nada particular sino fuera porque su nombre es lo último que su padre escribió en su cuaderno: Tomie.

Si la película tiene un gran mérito en particular es recrear exactamente algunas viñetas bastante representativas de la saga. Que, además, conforman de manera independiente unas imágenes bellísimas. También porque debe ser que en particular la historia de la que son sacadas es una que me gusta mucho, "Sótano". Ahora, el resto de la trama tiene muy poco que ver con la historia original y en realidad todo el asunto detectivesco me parece un poco fuera de lugar. Pero si le quitamos eso el punto al que regresamos es el mismo: protagonista femenina que tiene que enfrentarse con Tomie ante el temor de que ésta le arrebate todo lo que es querido para ella.

Para contrarrestar el anterior punto altamente positivo, hay un factor negativo bastante señalable. Ya antes he hablado sobre las actrices que lucen o no apropiadas para encarnar a Tomie, tomando en cuenta que todo el punto del personaje es ser bella y encantadora. Todo el punto. Ahora bien, si la elección de Mai Hosho podría ser debatible (ella en realidad es una actriz bonita aunque no salga especialmente favorecida con los arreglos para el papel), es inevitable darse cuando que la protagonista, Yumi Morita, es encarnada por Sayaka Yamaguchi, quien luce notablemente mucho más bella casi toda la película. Y dado que el elemento principal de la película no es una relación amorosa sino una padre e hija, en realidad el personaje de Tomie se vuelve algo así como una encarnación del mal arbitraria. Y no queda más, todos los demás elementos que podrían atribuirse a ella se pierden bastante entre los movimientos innecesarios de la trama y los extraños vínculos que se establece entre los dos personajes.

Si la vemos en relación a la saga no es tan terriblemente mala como la primera, pero tampoco tiene ningún punto a favor en su perspectiva de la historia como "Another face", la segunda. Es mínimamente entretenida, para lo que es, pero se pierde muy fácil entre no ofrecer nada más allá de un par de tomas bien logradas. Que todavía si hubieran sido un poco más, tomando al por mayor ejemplos exactos de la historia, quizá hubiese podido rescatar un poco el resto de su elaboración. Pero ni eso.

Y yo sé que debería renunciar pero nada, en un futuro seguiremos hablando de otras entregas de la saga.

¿Película favorita sobre la búsqueda de alguien desaparecido en extrañas condiciones?

"Jodaeiye Nader az Simin", Asghar Farhadi

2012-01-25T03:47:00.000-08:00

25/01/12

Unos días atrás se reveló la lista de los nominados al óscar de este año, y como todos los años la verdad es que yo suelo fijarme mayormente en una sola categoría: la de mejor película de habla no inglesa. Una grata sorpresa fue encontrar ahí nominada a "Bullhead", representando a Bélgica, película con la que inauguramos mis reseñas del Sitges pasado. Y aprovechando una de las grandes favoritas, es momento de hablar de "Nader y Simin, una separación".

"What is wrong is wrong, no matter who said it or where it's written"

Ya varias cosas había escuchado hablar de la película, aunque generalmente aclamaciones por encima que no dejaban demasiado claro hacia qué punto se dirigían. Siendo así dudé un poco, porque lo cierto es que a veces temo que esta clase de temáticas puedan prestarse a apreciaciones dramática de cuán diferente es una cultura de la nuestra y pasar por alto otros detalles más objetivos. No es la primera película que aborda el tema del divorcio en países de Medio Oriente donde todos sabemos las cosas ciertamente se manejan de manera diferente.

Nader y Simin, como el título bien nos lo indica, están comenzando el proceso de divorcio. La película abre con la audiencia donde tienen que explicar los motivos y ellos dejan en claro sus diferentes perspectivas: Simin ha conseguido permisos para que vayan ambos junto con su hija a vivir a un país europeo y Nader se niega dado que vive con su padre anciano, quien padece alzheimer y no piensa abandonarlo. La cuestión cultural espinosa de la que hablaba sienta ya precedente cuando el juez, entre extrañado y juicioso, le dice a Simin si sólo por eso quería divorciarse, que es mejor decir si él le pega o la maltrata o no la deja salir a la calle. Pero ella reclama que no, que su esposo es un excelente hombre pero que ella necesita que la apoye en esta decisión y él no lo está haciendo.

El asunto es así, la pareja no está definitivamente separada sino en proceso de. Y es este proceso el que seguimos a lo largo de la película, pasando entre los puntos de vista de ambos personajes, el compromiso en que los pone a ambos las decisiones que la hija tome en relación a la situación, y sobre todo el modo en que se desarrollan como individuos y como pareja ante las situaciones que se van presentando ante el panorama no tan ideal (ante la vista islámica, al menos) de vivir como una pareja separa. Para ello entra en conflicto la presencia de una tercera persona, una mujer que entra a trabajar como enfermera para asistir al padre enfermo, y quien sí representará de manera clara los conflictos religiosos y jurídicos que la ideología musulmana presenta.

Y este es el momento donde entra el halago fácil y tengo que admitir, sencillamente, que es una película fascinante. No sólo por el modo en que consigue condensar una serie de conflictos de identidad y culturales sin que resulten un recurso fácil, sino por manejar un drama tan íntimo de una manera majestuosa y con un excelente reparto. Me parece que absolutamente todo en la película está colocado de manera perfecta y que la fuerza que va consiguiendo una trama que al principio se muestra como un retrato de familia más (aunque con sus condiciones particulares), es increíble. Y sobre todo, vuelvo a destacar, que juega muy bien con ese factor de ser una película de denuncia y no, que lo que denuncia no es un régimen, no es un modo de vida, sino, precisamente, la vida. Y esa disección de lo cotidiano va a las raíces mismas del individuo, de su comportamiento y de su modo de desarrollarse en pareja o en congruencia con su religión o sus creencias sociales. Y en ello las idas y venidas de la trama no harán sino mantenernos en flote, entre la salvación y el naufragio, al igual que la vida de los propios personajes.

Maravillosa. Consigue posicionar de nuevo al cine iraní en la mirada internacional, y con justa razón. Por ello ha cosechado premios al por mayor hasta ahora, siendo la primera película en la historia en llevarse tres premios principales en el Festival de Berlín (mejor película, mejor actor para sus dos protagónicos y mejor actriz para sus tres protagónicas), y la primera película iraní en ganarse un globo de oro en la reciente entrega. Y un montón más. Por el momento también suena como la favorita para llevarse el óscar correspondiente pero también es sabido que el óscar tiene una tendencia a evitar de último momento a las favoritas, así que tendrá que verse.

Esperemos que antes de que sea la gala de los óscares podamos reseñar por aquí las otras tres nominadas: "Footnote" compitiendo por Israel, "In darkness" por Polonia y "Monsieur Lazhar" por Canadá.

¿Película favorita sobre un proceso de divorcio?

"Genkai jinkô keisû", Yoshihiro Nishimura

2012-01-23T12:37:00.001-08:00

23/01/12

Yo en algún momento me propuse ver toda la filmografía de Nishimura y aunque no lo cumplí al pie de la letra, pues el esfuerzo se hizo. Y "Anatomia extinction" fue la primera producción en que apareció como director, por mediados de los 90.

"Wow! That's a fuckin 'A'. Yet still not enough. Until we cut japanese population down to 1/3, we can't stop. Can we?"

Se trata en realidad de un mediometraje, durando apenas unos 50 minutos, con una producción bastante casera pero donde uno claramente puede reconocer varios elementos que luego se volverían básicos en las tramas del director. Eso sí, todo retratado con una estética mucho más oscura y mórbida de la que podríamos encontrar posteriormente. Básicamente es como si a "Tokyo gore police" le quitáramos la luminosidad y la candidez mórbida de sus hipérboles. Y nos quedáramos con una trama de sangre al por mayor y mutantes desmembrados por doquier.

Todo eso tomado al pie de la letra, de hecho es a partir de esta pieza que se desarrolla posteriormente "Tokyo gore police", a modo de remake libremente reinterpretado. De modo que aunque la trama en sí pueda ser distinta, el universo en que se concibe es el mismo e incluso algunas escenas son calcas exactas de las que nos encontramos aquí.

De nuestro protagónico no sabemos nada, más que es un hombre más ahogándose entre el mar de gente de un Tokio que ha perdido las dimensiones de su realidad. Vive agobiado sin saber bien por qué y observa de forma distante los sucesos cotidianos como la privatización de la policía, los crímenes escandalosos que acontecen y demás. Aunque a veces esta distancia se ve permeada por irrupciones que podrían parecer esquizoides. Todo normal (tan normal como suelen ser las cosas en un Tokio distópico) hasta que un día se ve perseguido sin razón aparente en el metro y posteriormente se entera de qué va todo el asunto de los 'ingenieros'. Que todos recordarán mucho más explicado en "Tokyo gore police", claro.

Y no tengo que decir nada más.

De entrada, me parece interesante percibir el nivel de correspondencias claras entre una pieza y la otra. "Anatomia extinction", como pieza corta y autoconcluyente, le debe mucho en su concepción a la presentación y estructura de "Tetsuo", aún cuando los deseos del director van claramente en otra dirección. Por otro lado el estilo que utiliza viene del uso que otros directores dieron a las pequeñas piezas de video, en donde podríamos referirnos a Naoyuki Tomomatsu y su "Eat the schoolgirl" (unos años después ambos directores llegarían a trabajar juntos). Pero sobre todo está el hecho de que partiendo de ello el director haya conseguido, finalmente, dar una dirección distinta a su estilo, acercándose más a lo que estaba haciendo Noboru Iguchi, y aún así conservando su toque personal.

Además de ello la pieza por sí misma me parece disfrutable, extraña, pero con suficiente fuerza como para darle cuenta que ahí hay algo más, algo que obviamente después se aprovecharía para ser explotado. Incluso yo creo que sirve de manera excelente como extra para la mencionada película como estudio de caso de un ingeniero antes de su transformación y visto de manera aislada, aunque el estilo pueda resultar visualmente tan distinto.

Al parecer o no gustó mucho en su momento o no llamó especialmente la atención porque Nishimura se tardó casi diez años para volver a dirigir algo (otros cortometrajes que tampoco parecen haber brillado demasiado) y en total 13 años antes de su verdadero debut que vino, suenan fanfarrias, con "Tokyo gore police".

Que tampoco es que me queje, ya que me gusta su producción actual, pero resultaría interesante ver cómo saldría una película con sus presupuestos actuales pero el estilo mucho más oscuro que manejó en "Anatomia extinction".

¿Corto favorito que haya inspirado después un largometraje?

"Oasis", Chang-dong Lee

2012-01-22T12:19:00.000-08:00

22/01/12

Un género del que veo más bien muy poco es de los dramas románticos. Porque la gran mayoría de las veces me desesperan y me convencen muy poco. Pero en un intento de darle una oportunidad a películas que de otro modo no hubiera visto, pues me voy por la vertiente asiática. Así que, un drama romántico coreano, pues.

"¿Te puedo hacer una pregunta? ¿Por qué me trajiste flores?"

"Oasis" tiene absolutamente todos los elementos que la pondrían en esa categoría de hiper melodramas que se suelen llevar todos los premios. Si fuera estadounidense, claro. Y eso lo hace que uno comience a verla con cierto recelo, sospechando de la lágrima fácil y las situaciones edulcoradas de más.

Jong-du acaba de salir de la cárcel tras pasar algunos años cumpliendo condena por homicidio imprudencial. Su familia no parece particularmente feliz de verlo y no es difícil adivinar por qué: el joven es sencillamente un caos. No sólo por sus antecedentes criminales sino porque parece por completo ajeno a cualquier norma de conducta básica. Mientras trata de ocupar algún lugar (cualquier lugar) en el orden social, una de las primeras cosas que hace es ir a visitar a la familia del hombre cuya muerte causó. La familia se niega a verlo, a nadie le sorprende, pero en su fugaz visita se da cuenta de que una de las hijas del hombre, Gong-ju, vive sola a pesar de tener parálisis cerebral. Lo que originalmente comienza como un plan para volver a sus andadas no muy legales, termina por convertirse en una extraña amistad entre los dos personajes, exiliados sociales cada uno a su modo.

¿Ven lo que quiero decir? Por un lado no sólo tenemos a un hombre cuyas condiciones lo han vuelto un paria social, encima lo tenemos en relación con una joven que sufre de alguna discapacidad intelectual. Esta es una ecuación que debería garantizar lágrimas por montones a los pocos minutos de película.

Extrañamente no es así, y no porque la trama no sea melodramática, que lo es, sino porque la situación se retrata con todo el cuidado de ser un reflejo social exacto pero que evita la compasión y la lágrima fácil. Especialmente porque de entrada los dos personajes protagónicos son difíciles de enfrentar. Jong-du no tiene nada del encanto que los personajes inadaptados suelen tener en otro tipo de películas, de hecho durante gran parte de la película es bastante odioso y resulta antipático aún en los momentos en que sabemos que está haciendo las cosas bien o está guiado por un sentimiento sincero. Él, sencillamente, es una persona problemática y que no parece preocuparse mucho más por ser aceptado por la sociedad (ni por los espectadores). Por otra parte, las cuestiones alrededor de la condición de Gong-ju también son difíciles de ver. En algún artículo leía como, en el esquema de las grandes películas hollywoodenses, se suele representar a las discapacidades con ese punto tierno o cómico que hacen que el espectador no se comprometa demasiado con la cruel realidad de las mismas (se hablaba de eso en razón de por qué Sean Penn no se llevó el óscar por "I am Sam" a pesar de tener una actuación brutal). Lo mismo sucede con Gong-ju y es que creo que jamás había visto a alguien representar tan bien a una persona con parálisis cerebral. Al igual que tantas enfermedades es una muy poco estética y mientras que en la película se habla de cómo la sociedad prefiere no ver a estas personas, nosotros mismos como público tenemos que hacer frente a lo terriblemente triste que es ver las condiciones de vida de la joven, increíblemente bien encarnada por So-ri Moon (yo todavía no puedo comenzar siquiera a imaginarme cómo debió entrenarse para ese papel).

Partiendo de esto, la película habla mucho (sin resultar nunca explícita ni moralista) sobre dos problemáticas sociales coreanas. La primera es la obsesión por un orden social que no acepta excepciones: cómo se debe ser el mejor alumno, el mejor miembro de la familia, el mejor trabajador, el mejor ciudadano. Y cómo la fijación por estas normas inflexibles puede resultar contraproducente en muchas ocasiones. La otra es, claro, las condiciones de vida que enfrentan las personas con cualquier tipo de discapacidad, que si bien no es un tema exclusivo de Corea del Sur sí me inclino a pensar que hay alguna contextualización culturalmente particular que estoy pasando por alto ya que en otras piezas, como en "If you were me", también se reflexiona sobre la vida diaria de personas con parálisis cerebral.

Lo cierto es que fue una sorpresa más que grata, ya que aunque explota los argumentos usuales de este tipo de géneros lo hace no sólo desde una perspectiva bastante particular sino que logra hacerlo con una maestría envidiable donde cada cosa ocupa su sitio del modo más que adecuado. Además que si bien es obviamente un drama devastador, no recurre jamás a las sobredosis de glucosa que suelen infestar este tipo de historias.

Veré más de Chang-dong Lee, eso es seguro.

¿Película favorita sobre una pareja en que una de las partes padece alguna discapacidad?

"Los muertos", Lisandro Alonso

2012-01-20T10:35:00.000-08:00

20/01/12

Si siguiera el orden correcto creo que terminaría hablando de esta película en el 2013. Pero le he dicho varias veces a /trincheras que la vería pronto y espero que no piense que le estoy mintiendo descaradamente. Además que ya me tocaba ver algo de Lisandro Alonso, la verdad.

"Siempre hay un tropezón en la vida"

El aire pacífico del día de Vargas tarda en hacernos ver que sus paseos no salen jamás de los límites de una cárcel, y que además es el último día que pasará en ella. Parece vivir ese último día como otro de tantos más durante los últimos años, pero a la mañana siguiente ya está libre. A partir de ese momento emprende el camino para ir al encuentro de la hija que hace tantos años que no ve.

La trama, presentada de manera general, es una declaración engañosa. Vista así uno podría pensar que trata de una historia más o menos tópica del hombre que habiendo estado encarcelado tanto tiempo se encuentra de pronto con el mundo real y trata de rearmar lo que perdió al entrar en la cárcel. Pero "Los muertos" está lejos no sólo de ese sentimentalismo fácil sino también de cualquier juicio evidente sobre lo que se esté presentando. Vargas es un vacío semántico, un hombre del que no podemos estar del todo seguros qué es lo que piensa, por qué hace lo que hace, y se desenvuelve con una hiper realidad brutal, sencilla, aparentemente desprovista de significados. Sus acciones en extremo cotidianas no nos remiten a la noción de lo que deberíamos ver como su primer día libre, tampoco lo encadenan a un pasado que sólo se enuncia fugazmente sin explicarse. Es una historia que lo único que delata es que nada sabemos de ella.

Lo que importa es el viaje.

Cuando comenzaba ese lento peregrinar por la Argentina rural yo temí un poco que se tratara de una de tantas películas que se aprovechan de las tramas demasiado realistas y demasiado lentas para compensar la falta de ideas. Que es algo que podría también parecer un poco ante una historia tan general. Pero si bien en cuestión de acciones hay poco que se pueda enunciar de manera relevante, todo el seguimiento que hacemos a lo largo de los distintos momentos de su camino están llenos de símbolos, sugerencias constantes al espectador que nos remiten, además, a nociones contradictorias que convierten la ambientación (donde podría haberle limitado a la fotografía bonita de la naturaleza) en una sensación constante de duda, de incomodidad. Ese viaje puede verse por momentos bajo la luz de la búsqueda de redención (que corresponde a la idea más general de la trama) pero también como un descenso a los infiernos. Los tensos personajes con los que se encuentra Vargas en su recorrido pueden justificar su actuación por una elección de 'actores no profesionales' pero también por una representación hiper realista de la propia realidad que le confiera algo de sentido del absurdo. Y Vargas mismo es todos los símbolos y ninguno, los más evidentes y los más confusos.

Y llegado a ese punto de revelación sin revelación la pregunta esencial es la que de inicio podría habernos parecido menos relevante, por obvia: ¿Quiénes son los muertos?

Sin duda se trata de una película denso, con un diálogo mínimo, con muchas escenas aparentemente triviales y donde está en uno suponer y poner en duda todo lo que se está viendo. Pero al mismo tiempo consigue cautivar de una manera extraña sin que uno sepa muy bien a qué se debe, sólo queda la sensación de haber caído en una trampa sin entender del todo en qué consiste dicha trampa. Lo cierto es que por un lado tiene un gran número de elementos que yo suelo odiar en otras películas (y que me parecen muy representativos de directores cuya obra no suelo disfrutar) y que sin embargo me parecieron maravillosamente orquestados en una pieza que, irónicamente, en su vaguedad resulta a la vez de lo más sólida.

No tengo que decir que pronto estaré a la caza de las otras películas que conforman la filmografía del director, ¿verdad?

¿Película favorita de Lisandro Alonso?

"Sexykiller, morirás por ella", Miguel Martí

2012-01-19T13:34:00.000-08:00

19/01/12

Continuando con 'películas a las que ¿cómo llegaste a ellas?'.

"Debéis estar flipando, ¿no? Pensabais que ésta es una de esas películas de terror en las que el asesino persigue tías en pelotas. Pues no, aquí la que corta el bacalao soy yo"

Podría tratar de justificarme en vano con excusas vagas sobre por qué habría conseguido "Sexykiller" (encima caigo apenas con eso del subtítulo medio innecesario), como que salía Macarena Gómez, o que cuando vi el trailer no me pareció tan terrible como la idea podría hacer suponer, o que justo ahora caigo en la cuenta de que el guionista es Paco Cabezas. Pero lo cierto es que si le di una oportunidad fue por Paco León. Y ya, fue la única razón por la que se me ocurrió que el conjunto podría resultar rescatable.

Y bueno.

Es bastante claro por dónde va la película, ¿no? Una especie de tributo satírico a las películas slasher pero donde el asesino es mujer y encima es la prototípica mujer bonita y superficial y que en principio sólo debería esperar a que se aparezca su príncipe azul (en este caso un médico idílico) a rescatarla. No sé si soy la única que se pregunta cómo entra exactamente Macarena Gómez en todo eso pero ajá. Comienza a haber una serie de asesinatos en la universidad y, bueno, básicamente seguimos una trama de la que ya conocemos al menos la parte más aparente de la resolución.

En el camino se cruzan varios gags no demasiado afortunados de todo tipo de película de terror de asesinos, aunque no necesariamente slasher, que van desde imágenes concretas hasta personajes, ideas, lo que sea. Siguiendo un poco la idea elemental de las 'Scary movie' pero centrándose sólo en el cine de asesinos. Como dije encima de todo pues ya a la primera secuencia sabemos claramente quién es el asesino (si es que el título no nos lo había indicado) y más bien lo que tenemos que seguir es si esa historia tiene algún sentido de ser contada. De lo cual no puedo decir mucho más.

Ahí entramos claramente en la eterna discusión sobre que yo, de entrada, no soy buena para la comedia. Me cuesta conectar y en este caso la gran parte de los chistes están metidos de la manera más simple y sin gracia, para hacer reír con las pretensiones más fáciles, y a menos que uno tenga debilidad por ese tipo de humor creo que será difícil que pegue. Los guiños a distintos tipos de película tampoco me parecen especialmente afortunados dado que suelen ser ideas bastante generales que tampoco requieren pensarse mucho más, de modo que no dejan ni siquiera la mínima gratificación personal de haberlos entendido y pueden pasar fácilmente por un pegote a la mala de todas las películas del género que vienen a la mente. Lo mínimo que hay que seguir particular de la trama no es mucho más interesante y dado que yo de por sí encontré insoportable el personaje protagónico de Bárbara, pues poco más se podía hacer.

Es cierto que la película tampoco busca ser más que un divertimento en extremo simple y que ateniéndose a ello tampoco es terriblemente mala, si eso es consuelo de algo. En aras de tratar de rescatarla un poco yo diría que habría funcionado mejor como un corto con un ritmo más rápido donde se aprovecharan los gags y luego se huyera antes de que la gente notara lo que pasó. Porque encima cae en ese eterno grupo de películas donde los pocos chistes salvables se muestran ya en el trailer entonces, como si necesitaras más, lo poco que podría haber hecho más sobrellevable la experiencia, ya lo habías visto. Es difícil abordarla por ninguna parte.

Yo podría defender los breves minutos de Paco León porque su sola presencia ya me parece graciosa, y supongo que ver a la niña Medeiros haciendo de zombie pero ahora de traje y corbata fue al menos curioso. Pero de resto me parece una película totalmente predecible y que resultará mínimemente efectiva para pocas personas que puedan separarse de todos los prejuicios externos y tratar de divertirse por el sólo hecho de divertirse. Y que conecten con ese tipo de humor, además.

Yo es que no aprendo con el humor. Debería saber que o los Marxs o nada.

¿Película favorita de comedia de asesinos?

"Paranômaru akutibiti: Dai-2-shô - Tokyo Night", Toshikazu Nagae

2012-01-16T10:01:00.000-08:00

16/01/12

Que Japón decida por una vez vengarse de todos los títulos que hollywood les remakea sin pudor y hacer ellos una secuela-remake de una película americana tiene que ser al menos anecdótico. Tampoco es impensable que los japoneses se inspiren de tramas estadounidenses pero "Paranormal Activity 2: Tokyo night" no tiene nada de sutileza. Y por más mal que pintara yo no iba a perdérmela.

"Something that can't be seen with the naked eye"

En el trailer y algunas sinopsis se advierte que la película comienza 'justo donde terminó la anterior' en un intento desesperado por hilarlas, porque junto con la casi nula explicación de qué relación tienen, difícilmente se puede hablar de una secuela en forma.

Haruka regresa de su viaje de Estados Unidos habiendo sufrido de regreso un accidente que le rompió ambas piernas. Su hermano Koichi se queda en casa para ayudarla a sobrellevarlo y graba todo porque sí. Para hacer más llevadero los momentos de ocios entre hermanos aparece un espíritu que mueve cosas en el cuarto de Haruka. Como los japoneses están muy habituados a espíritus les parece divertida la idea de grabarlo todo. Y ¿todo esto les suena a algo?

Como podrán suceder la película intenta hacer exactamente lo mismo que "Actividad paranormal" pero cambiando el contexto y quitándole toda posible explicación. Nada de 'ha sido así toda mi vida', Haruka un día despertó y, muchas gracias, un espíritu la perseguía (cosa que tampoco debería sorprendernos porque sabemos es usual en Japón). Su hermano no tiene nada que hacer y lo graba. El único posible plus interesante que es que esté en silla de ruedas y no pueda huir del horror cuando se le presente no se aprovecha en absoluto. Y básicamente eso es mucho más de lo que se puede decir de la trama.

Los problemas esenciales son dos. Uno es que dado que todo lo que se nos muestra casi paso por paso lo hemos visto ya, nos queda únicamente los detalles del retrato cotidiano de una familia japonesa, cosa que no resulta particularmente interesante. Luego está el asunto de que si bien Estados Unidos no parece saber adaptar bien el horror sutil de Japón, la operación inversa demuestra un poco que Japón tampoco sabe adaptar el horror de sustos al momento que tanto ha conquistado hollywood. Todas las escenas en que 'Actividad Paranormal' consiguió (o trató al menos) de asustarnos con el hecho exacto en el momento exacto aquí pierden mucha fuerza al incorporarse a una trama con un ritmo distinto. Llegado un punto hasta quisiéramos que apareciera el prototípico fantasma de cabellos telarañosos y arregle la situación pero nada, difícilmente puedo imaginar alguien que se haya asustado mínimamente en algún momento de la película.

¿Y qué nos queda de "Actividad Paranormal" sin los sustitos justos? El aburrimiento de ver a una pareja cuyo acercamiento a una crisis sentimental se debe a un demonio que les jala las sábanas por la noche. Pero sin el demonio, me entienden.

Y todo esto añadiendo que a mí sí que me gustó "Actividad Paranormal", pero también creo que es una experiencia única que difícilmente podría volver a conseguir el éxito de su primer visionado y, sobre todo, en las consiguientes secuelas (todas las cuales seguro veré en algún momento de desesperación terrorífica).

Oh, un detalle que me gusta de las películas asiáticas es que la presencia del equivalente de sacerdotes o ritos (ya dependiendo de si se trata de monjes budistas, chamanes, o gente con dones paranormales) generalmente suele efectiva pero se interrumpe porque las personas involucradas no cumplen la totalidad del pacto. No como la poca efectividad que los ritos católicos (cristianos, judíos y similares) han demostrado en casi la totalidad de las veces que los retrata hollywood. Aquí tiene lugar una secuencia por el estilo pero tampoco alcanza mayor relevancia, igual podrían haber explotado ese aspecto exótico al menos.

Por cierto, en América Latina la distribución de la película fue todavía más engañosa y se llamaba "Actividad Paranormal 0: El origen". Puedo imaginarme a la gente yendo al cine para encontrarse con japoneses que se enteraban todavía menos que ellos de la situación.

¿Película favorita que sea un remake extranjero de una película estadounidense?

"Amanece que no es poco", José Luis Cuerda

2012-01-15T07:06:00.001-08:00

15/01/12

Jose me llevó un día la película preguntándome si la había visto. La había despojado incluso de su cajita y sólo se mantenía el título con el nombre. Le dije que no y me advirtió de hacerlo sin buscar nada respecto a ella, sin leer sinopsis ni esperar nada, tal cual. Mordiendo un poco la lengua y mirándola cual caja de Pandora acepté un poco el reto.

"No sé, chico, no sé, pero yo no le veo más que ventajas a esto de ser intelectual"

Si hay películas a las que se debe enfrentar sin tener nada en mente, sin duda "Amanece que no es poco" es una de las más grandes expresiones al respecto. He visto en un par de sitios un intento de darle una sinopsis mínimamente lógica pero cuando van más allá de la generalidad de una serie de circunstancias inusuales que convergen en un pequeño pueblo español, entonces todo intento de orden termina por ir en contra de los principios de la película y necesariamente confundir o revelar algún momento concreto. Y no es el caso. Uno puede tomar la película como un excelente ejemplo de narrativa caótica que representa escenas con un significado concreto (aunque muchas veces se nos pueda escapar) y de tal modo es perfectamente disfrutable. No se necesita más.

De tal modo es difícil decir mucho más al respecto. Se trata sin duda de una película fantástica, terriblemente surreal, hilarante a más no poder, y con elementos increíblemente bien conseguidos que ocupan su lugar con una naturalidad total. No es de extrañar que con el paso de los años se haya vuelto una película de culto e incluso existan reuniones cada cierto tiempo de fanáticos de la misma (o de las motos con sidecar) que termina en una de las ciudades donde se grabó y que ahora tiene un museo conmemorativo. A ese nivel, y totalmente merecido.

Además el nivel de lecturas ayuda mucho, se podría analizar muchas de las escenas de manera aislada y rastrear posibles orígenes o interpretaciones de su transformadísima metáfora. Y eso sirve y no, ya que es posible ver la película en ambos modos, o incluso volver a verla sintiendo que una parte se ha entendido de un modo diferente. Al hablar al respecto con Jose y otros amigos explicaban como muchos de esos momentos podían relacionarse con la historia de España, pero incluso desconociéndola por completo y viendo la película como una serie de momentos irreales unidos por una tenue línea narrativa, funcionaría. Porque esos momentos son increíblemente fuertes por sí mismos y uno puede rendirse a ellos sin esperar mucho más. Yo disfruté viéndola una vez, recomendándola y volviéndola a ver, y regresando a escenas concretas que se quedaron conmigo cuando fuese necesario. Sencillamente fantástica.

Pensaba que se trataba de la primera película de José Luis Cuerda que veía pero revisando su filmografía me doy cuenta que hace varios años vi "La educación de las hadas", aunque por el momento me cuesta un poco relacionar ambas películas. Sin duda me quedan algunas cosas por mirar del director.

¿Película favorita de José Luis Cuerda?

"Zebraman", Takashi Miike

2012-01-13T07:09:00.000-08:00

13/01/12

Ey, y por si ya extrañaban a Miike (como yo, claro) pues regresamos por él. Y por otro de sus pendientes en la cada vez más corta lista de cosas que le faltan por hacer: películas de superhéroes. Y siendo Miike no podíamos esperar un superhéroe muy normal, ¿no?

"Striping evil!"

'Zebraman' era una serie de televisión vieja que fue cancelada después de apenas seis episodios, probablemente por lo mucho que le gustaba al público ver a alguien vestido como cebra. Pero Shin'ichi Ichikawa sí que la recuerda, y mientras todo en su vida real se desmorona, la idea gloriosa del superhéroe luchando por el bien es lo único que le queda. Inútil como padre de familia y como maestro decide que lo único que le queda por probar es, eso, vestirse de superhéroe-cebra y tratar de luchar por la justicia. Y no estará solo en su juego de emulaciones, ya que resulta que unos extraterrestres han decidido invadir la tierra (¿por qué no? ¿es que hacen algo más los extraterrestres?) y para ellos se plagiarán la trama final de la serie.

La película presenta, muchos años antes de que se pusiera de moda, la idea del superhéroe común, el hombre que es perfectamente regular pero un día piensa que la idea (medio ridícula) del superhéroe es digna de usar como emblema y tratar de cambiar un poco al mundo. En este caso centrándose, al menos de entrada, en una problemática bastante concreta y que Miike trata en muchas de sus películas como es la indiferencia social y la fragmentación familiar. De entrada lo que Ichikawa busca no es sólo combatir al crimen y ya (tomando en cuenta el índice criminal de Japón, dejando de lado los extraterrestres, tampoco creo que tuviese demasiado trabajo), sino convertirse en un símbolo al que una sociedad perdida pueda seguir. Pero para no dejarnos llevar por sentimentalismos ese símbolo es el de una cebra, y no sólo tenemos que verla dando vueltas por la ciudad sino que veremos las típicas escenas en que alguien tiene que diseñarse sus propios trajes. Y a menos de que Peter Parker y todos ellos también tengan habilidades mutantes como sastres, tenemos que aceptar que el resultado sea mucho más casero.

Sin embargo, aunque partamos de esa base, en realidad la película no se mantiene en ese orden de lo posible (inexistente por otra parte en las películas de Miike) sino que en algún momento revierte la situación para que Ichikawa sea capaz de convertir su realidad inmediata en una realidad propia de una trama de superhéroes. Un poco con la lógica de que los superhéroes tienen poderes porque creen tenerlos. De modo que la película puede verse dividida en estas dos partes: la más realista, en la medida de lo posible, y luego la nada sutil metamorfosis en un nuevo tipo de trama más ficcional.

Por lo mismo al principio puede resultar un poco lenta de ver, porque teniendo en mente la premisa de la película nos encontramos con que la introducción y sobre todo el punto en que entramos en la historia más esperada (que es la de la segunda parte), tarda un tiempo en llegar y antes de ello nos centramos más en la miserable vida de Ichikawa y sus tristes intentos por hacerse un traje medio decente. De cebra, enfatizo. Pero siendo estos detalles mínimos creo que la trama es tan delirante que atrapa fácilmente al aspectador, sumada a la excelente actuación de Shô Aikawa como protagónico. Al que me cuesta un poco ver sin pensar en "Gozu", la verdad.

Además es de la etapa de Miike todavía anterior a sus grandes producciones actuales (a la que ya pertenece la secuela), de modo que tiene un tono totalmente serie B, con efectos absurdos que sólo ayudan a que una trama ya de por sí delirante sea todavía más delirante. Y que le da el viejo toque Miike que todos amábamos. Que queda un poco raro para el tipo de producción (que tiene más esa onda animesca que vemos ahora con todos los efectos correspondientes) pero creo que forma parte de su encanto.

La segunda parte, que salió varios años después, también se ve de lo más interesante aunque el modelo de producción haya cambiado. Sospecho que la estaré viendo pronto, o sino continuaré adentrándome más en la filmografía del director.

¿Película favorita de superhéroes extravagantes?

"Marmoulak", Kamal Tabrizi

2012-01-11T11:21:00.000-08:00

11/01/12

Por fin regresamos a las reseñas regulares y medio desconocidas. Yeah. No puedo ni imaginarme el retraso que tengo con esto. No tengo idea de cómo llegué a "Marmoulak" pero en alguno de esos momentos 'hay que ver más de nacionalidades inusuales' me pareció una buena idea darle una oportunidad. Aunque supongo que de Medio Oriente, Irán no es el país del que menos he visto.

"El hombre es digno de honor por su alma y humanidad. Un traje bonito no implica dignidad"

Reza es un preso que está dispuesto a escaparse de la cárcel de un modo u otro. En alguno de sus múltiples intentos coincide en el hospital de la cárcel con un mullah (representante religioso musulmán) que estaba de visita y utiliza sus ropas para escapar. Parecería el escape ideal pero mientras necesita conservar su disfraz para alejarse de la ciudad y sus persecutores, termina en una pequeña comunidad que lo toma por el mullah que se hará cargo de la mezquita local.

Como pueden ver es una suerte de comedia de enredos que utiliza bastante los elementos característicos de la religión musulmana. Por lo mismo (y probablemente también por el tipo de censura que hay en el país) resulta bastante ligera y suave en estos aspectos, donde si bien se exalta la idea de que un ser humano se compone por algo más que sus circunstancias, se atenúa cualquier posible crítica religiosa o social que pudiera dar un tono más serio al conjunto.

Como tal debo decir que no es que sea mi género favorito, y es también cierto que la comedia cuando se sale de nuestros límites culturales puede ser difícil de comprender por momentos, sin embargo me parece que "Marmoulak" es tan ligera que se puede mirar sin ningún problema. Incluso los elementos más maniqueos del conjunto (esperables en cualquier caso de una comedia sin grandes pretensiones), se acomodan bien con el ritmo de la narración y las secuencias de enredos.

Por otra parte, si bien no creo que haya nada especialmente destacable de la película para hacer énfasis, hubo un detalle concreto que a mí me encantó. Una de las subtramas consiste en que Reza como parte de sus labores tiene que enseñar a los jóvenes los principios del Corán, y en ello aparecen dos adolescentes deseosos de saberlo y entenderlo todo. Uno de los cuales hace las preguntas más inesperadamente extravagantes sobre la aplicación del islam en todo (en una invasión extraterrestre, en un viaje al Polo Norte, en un largo etcétera), que resulta sencillamente delirante. Por una parte porque en teoría dichas preguntas deberían ser aplicables a cualquier religión y porque me parece que sin meterse a profundidad en el tema podría quedar como una revisión cómico-crítica de algunos preceptos demasiado rígidos de su religión.

Ah, y eso sin hablar del menudo sermón que da respecto a las obras del 'hermano' Quentin Tarantino.

En fin, que si como comedia no da para ir muy lejos, sin duda resulta al menos curiosa como representación no-tan-cine-de-arte de un país del que al menos yo no estoy demasiado enterada. Pero que ahora quiero ver un poco más.

¿Película favorita de Irán?

"Another Earth", Mike Cahill

2012-01-10T10:40:00.000-08:00

10/01/12

"Another Earth" la vi en algún punto intermedio en que reseñaba aún las películas de Sitges, pero como la habían pasado durante el propio festival decidí dejarla hasta el final. Igual no tenía demasiada prisa para hablar de ella. La sinopsis no me había llamado la atención y por ello la dejé pasar hasta que Laura insistió en que le diéramos oportunidad a esas tramas sutiles de ciencia ficción.

"Could we even recognize ourselves, and if we did, would we know ourselves? What would we say to ourselves? What would we learn from ourselves? What would we really like to see if we could stand outside ourselves and look at us?"

En el máximo exponentes de los juegos dobles de 'el otro' como la réplica de uno mismo, la película inicia con el descubrimiento de un nuevo planeta. Lo que no sería necesariamente trascendente sino fuera porque es idéntico a la Tierra y al parecer está compuesto por réplicas de todos los ciudadanos de la misma. Ahora, eso es una premisa interesante.

Justo en ese momento vemos a la joven Rhoda Williams que deslumbrada por las nuevas noticias no está atenta de su camino mientras conduce y choca contra el auto del compositor John Burroughs donde viaja él y su familia, llevando todo a un trágico final. Años después Rhoda vuelve a su casa tras haber cumplido su condena y se encuentra con la dificultad de rehacer su vida tras lo sucedido. Al mismo tiempo que una compañía espacial abre convocatoria a un concurso para escoger un pequeño grupo que sería el primero en visitar la Otra Tierra.

Leyéndolo así, un poco más explicado, creo que yo misma me hubiera interesado antes por la película, pero en el mismo gancho está latente un punto oscuro que podría resultar problemático. Esto es, que los elementos de ciencia ficción sean más bien una excusa para adornar de manera extravangante una película que es llanamente un drama. Lo mismo que había comentado antes en relación a "Melancolía", vamos, y en ambos casos hablábamos de otro planeta, como si faltara más.

Pues en efecto eso es lo que sucede. Tras plantearnos el asunto de la Otra Tierra en la premisa pasamos rápidamente a la situación de Rhoda, su sentimiento de culpa y su necesidad de acercarse a Burroughs en un intento extraño de expiar sus pecados. Sí, se hacen constantes referencias al asunto espacial pero en casi todos los momentos en una reflexión conceptual donde el otro planeta representa una metáfora bastante obvia sobre las posibilidades en nuestra vida. ¿La gente en la Otra Tierra necesariamente ha pasado por los mismos sucesos que nosotros? ¿Tenemos alguna posibilidad de alterar el resultado de nuestras vidas y nuestras decisiones? Con el marco dramático que propone el inicio de la película es sin duda un tema al que ambos personajes regresan constantemente aunque dichas reflexiones podrían haber formado parte de una trama exenta de otros planetas.

Si uno supera esa decepción inicial la película tampoco aporta mucho más. Es un drama lento sobre las pérdidas, la aceptación, el arrepentimiento, y el modo en que lidiamos con ello en relación a nosotros mismos y los demás. Los personajes están atrapados en un micro-cosmos limitado y hay poco espacio para movernos fuera de ellos y sus sentimientos (la mayor parte del metraje sucede dentro de una sola locación).

Además debo decir que está el tópico de limpiar el espacio ajeno como una muestra de afecto y/o culpa y la verdad es que yo en ese punto me remitía mucho a "Chunking Express" de Wong Kar Wai y en la comparación siempre iba a salir perdiendo.

Podría decir que como un drama íntimo no está particularmente mal pero el asunto es que no se trataba tan sólo de un drama íntimo. Las promesas de ciencia ficción son aprovechadas al mínimo y fuera de ello la película transcurre bordeando peligrosamente el aburrimiento. Si algunos detalles iniciales pudieron haberme gustado la impresión se iba desvaneciendo conforme al avanzar la película no sucede nada. Incluso albergaba la esperanza de que al final tuviese alguna conclusión contundente que diera algo más de fuerza al conjunto pero si bien tiene un final que quizás podría llegar a lo inesperado, poco consigue salvar para entonces. Encima que en el festival la protagonista Brit Marling se llevara el premio a mejor actriz me pareció bastante excesivo.

También me parece excesivo que tenga tan buenos comentarios y altos puntajes en algunas páginas, pero voy a asumir que se trata de los amantes de los dramas íntimos.

¿Película favorita sobre la vida tras salir de la cárcel?

"Himizu", Sion Sono

2012-01-09T09:16:00.000-08:00

09/01/12

Y ahora sí, con ésta damos por terminadas todas las películas vistas en la última edición de Sitges. Ya era hora. Y creo que no podría haber esperado un mejor modo de cerrar el festival que con una película más de Sion Sono. Porque nunca se puede tener suficiente de Sion Sono.

"Lo conozco todo. Excepto a mí mismo"

Se supone que "Himizu" está muy libremente basada en el manga homónimo de Minoru Furuya, pero basta mirar los primeros minutos para darnos cuenta de lo que realmente inspiró la esencia principal de la película: el terrible terremoto y tsunami que azotó Japón en marzo del año pasado. No deja de sorprender la rapidez entonces con que la película fue planeada y montada si tomamos en cuenta que su primera exhibición fue en el Festival de Venecia, en septiembre del mismo año.

Siguiendo un poco la idea estructural de su anterior película, "Guilty of love", la película maneja una suerte de estribillo literario que se repetirá constantemente en la narración, en este caso se trata de un poema de Rimbaud, siendo uno de sus versos la cita de la reseña y que encontramos en boca de distintos personajes, pero principalmente del joven protagonista.

Sumida lo único que quiere ser es normal. De hecho su sueño en la vida es ser la persona más promedio posible. Pero la situación es difícil cuando tu casa es un negocio para rentar botes, cuando tu padre aparece sólo en casa para exigir dinero y golpearlos y tu madre se dedica a la prostitución y obvia por completo todas tus necesidades. El joven se encuentra rodeado por otros personajes que viven en una situación también poco idílica: una pareja y dos hombres más que viven en casas de campaña cerca del negocio de barcos, y Keiko, una chica que lo acosa en la escuela y que se ha decidido a saberlo absolutamente todo sobre él. Keiko puede parecer la acosadora más inquietante pero su realidad tampoco es mucho mejor que la del joven aunque se esconda tras una fachada de optimismo.

Si el director se hubiera apegado a la idea central del manga, nos encontraríamos con una trama que si bien atraviesa por una serie de circunstancias adversas, se enfoca en la necesidad del individuo por abarcarlo todo dentro de un rango de pretendida normalidad. Y no es que no haya algo de eso porque es claro que Sumida se aferra de manera ideológica a ese precepto al menos por la mayor parte de la trama (y dado que el manga no ha sido publicado en su totalidad en inglés tampoco es que pueda adelantarme demasiado), pero con el trasfondo de la tragedia tan latente en todas las escenas (que permiten secuencias devastadoras de sitios que realmente fueron destrozados por el terremoto) y el modo en que se conjuga con la historia personal de los personajes, termina dando como resultado una historia que habla de lo que se sigue escondiendo detrás de todo el optimismo y del modo en que la atención a las cosas urgentes resta importancia por completo a las cosas graves. Con la repetición casi esquizofrénica de la muletilla "Ganbare!" (equivalente a 'no te des por vencido') nos damos cuenta de que la sociedad ha solapado sus problemas de fondo (encontrados constantemente en las películas de Sono: la fragmentación familiar, la falta de conexión, la nula dirección para las generaciones jóvenes, y un largo etcétera) con una imagen de homogénea fortaleza para sobreponerse a un solo problema por resultar ineludible. En la película, las secuencias que muestran ciudades enteras destrozadas y bajo agua no nos hablan sólo de la condición de un país, sino de la condición emocional de personajes como Sumida y Keiko quienes tienen que permanecer aún después de que todo haya sido reconstruido sin encontrar sus propias respuestas.

La película es sencillamente brutal, la desesperación que imprimen cada uno de los personajes atrapa desde el primer momento y sobre todo la fuerza que va generando Sumida a través de su desesperada épica personal. Desde los inicios consigue arrebatarnos la calma y aunque narrativamente a veces pueda parecer que su estructura episódica va perdiendo un rumbo fijo, no es difícil imaginar el camino que siguen todas esas circunstancias. Todo ese crescendo de desolación resulta tan argumentalmente fantástico como tristemente abrumador para el espectador. Difícil permanecer indiferente, aunque no se llegue a conectar del todo con cada una de las diversas perspectivas que presenta.

Por el reparto cruzan una gran cantidad de rostros que reconocemos de otros filmes del director. Pero de manera radical, de hecho creo que exceptuando los dos protagonistas adolescente, todos los demás actores que participan han aparecido al menos en otra producción de Sono. Que además fue una excelente decisión para variar el guión del manga original, en que prácticamente todos los personajes eran adolescentes, mostrando en este caso un mundo donde el sentido de no-pertenencia no está limitado únicamente a la edad.

Como de casi todos los demás actores ya he hablado o hablaré en relación a otras películas del director, sólo cabría agregar que las actuaciones de Shôta Sometani y Fumi Nikaidô, llevando el mayor peso de la película, son increíbles. Y ahí regreso a mi teoría de que en la gran mayoría de los casos da la impresión de que Sono realmente sabe empujar a sus actores al límite, lo cual también suele traducirse en que como espectadores sus historias ejercen la misma presión.

Fantástica, con todas sus letras, no podría haber cerrado con mejor broche de oro.

¿Película favorita sobre el periodo que sigue a un desastre natural?

"Tee rak", Sivaroj Kongsakul

2012-01-08T06:34:00.000-08:00

08/01/12

Aunque me he propuesto ver más de cine tailandés no lo he cumplido particularmente bien, pero aprovechando que era la única película de dicha nacionalidad que se presentó en el Sitges pasado, no podía perderme "Eternity".

"Aunque no vuelva a renacer en esta tierra, espero reconocer nuestro amor inalterado"

Como podría esperarse, la promoción de la película aprovechó para colgarse de la figura de Apichatpong Weerasethakul quien debe ser actualmente de las poquísimas personalidades del cine tailandés reconocidas y cuya última película fue además presentada el anterior festival. Tanto en la sinopsis como en la presentación de nos hizo énfasis en que había sido discípulo del renombrado director y que nos encontrábamos ante otra película de sutiles fantasmas tailandeses. Y como si la ópera prima de Kongsakul necesitara más presentación tuvimos que estar alerta de todo lo que íbamos a ver. Lo que es no confiar en el cine de Tailandia.

En un quito paisaje rural tres historias se mezclan como si formaran parte de un mismo tiempo, de modo que incluso por momentos podemos no estar del todo seguros qué es lo que está sucediendo y qué es una imagen que se repite como eco de un pasado remoto. En una un hombre recorre a motocicleta los campos sin encontrarse con nadie, en busca de algo que perdió hace mucho tiempo. En otra vemos un episodio de la historia de amor entre dos jóvenes, donde él la lleva a conocer los sitios de su infancia y para alejarse un rato de las enormes ciudades. En la última vemos a esta misma mujer, muchos años después de dicha historia de amor y conocemos el curso que tomó después su vida. De algún modo todas las historias son la misma y todas están sucediendo al mismo tiempo. Siendo una película lenta y con un seguimiento de acción bastante sencillo, su fuerza reside en la idea de la permanencia, de la pervivencia del pasado en el presente, y sobre todo la reencarnación no como un proceso metafísico sino como la eternidad (nunca mejor aplicable a un título) que forma parte de los momentos esenciales de una vida.

En este punto pensé yo en distintas perspectivas religiosas sobre la reencarnación y me parece además que todas pueden encontrar espacio dentro de la historia sin necesariamente tener que establecerse como el punto de vista único. Pensé por una parte en la idea budista de las múltiples reencarnaciones en vida y el modo en que dicha creencia incita a vivir siempre en tiempo presente, y también recordé "The ghost of Yotsuya" de Nakagawa donde enunciaba que el lazo más fuerte que se establece sobre la tierra es entre las personas que se aman. La película puede decir todo esto (o más) y no, puede también quedarse como la estatua atemporal de una historia de amor sencilla pero que va a ser siempre una historia de amor. Como dice la cita, donde se va a reconocer siempre 'un amor inalterado'.

Al principio puede que la película resulte un poco confusa, precisamente por ser lenta y por tener poca necesidad de explicar lo que va sucediendo. De entrada las primeras secuencias no tienen diálogo alguno y cuando suceden los cambios pueden resultar un poco abruptos de modo que uno tarda en volver a retomar el ritmo. Y aunque esto puede perdurar durante gran parte del metraje creo que no importa en absoluto al momento de disfrutar de la película, de sus imágenes y del sentido más inmediato de sus escenas. Sin duda podrá resultar el tipo de películas de las que uno sale sintiendo que no se ha enterado del todo pero a las que volverá con los días, con las reflexiones, para sentir que hay algo que sí ha entendido y que hay mucho todavía que mirar en una historia que de entrada puede parecer la más sencilla del mundo (y lo es y no).

En retrospectiva la comparación con Weerasethakul me parece innecesaria, ya que si bien comparten un par de elementos (desarrollarse en la zona rural del país, el ritmo lento y en este caso en concreto la mínima presencia 'paranormal'), creo que sólo sirve para que el espectador espere algo de una película con una propuesta particular y con una visión propia. Que si bien es claro que bebe de la tradición nacional donde la figura del mencionado director es bastante fuerte, tiene una fuerza propia y podría ser perfectamente vista sin necesidad de relacionarla. Porque he leído comentarios de "No llega a ser tan arriesgada como las obras de Weerasethakul" que suena como algo exclamado como un fan de dicho director, y también puedo ver personas que no sientan simpatía por el mismo evitando la película sólo por la innecesaria relación entre ambos. Pero supongo que también es cuestión de gustos y es posible que no muchos vayan a disfrutar de esa 'simplicidad compleja'. A mí particularmente me encantó pero también es cierto que los paisajes tailandeses suelen atraparme por ellos mismos.

¿Película favorita sobre la idea de eternidad?

"Beast", Christoffer Boe

2012-01-05T14:12:00.000-08:00

05/01/12

Después de un abrupta desaparición, regreso para inaugurar las películas de este nuevo año, para recordar que tal como dije estaría reseñando películas de Sitges hasta el 2012 (ya casi acabamos, se los aseguro) y para comentarles que este espacio cumple hoy cuatro años de existir. Música de fanfarrias, por favor. Y me parece un buen modo celebrarlo reseñando la última película de un director que suele gustarme tanto como Christoffer Boe.

"Odio tu fingida solicitud. Tu imagen de buena y entregada. Nunca das nada. No puedes, eres una bestia. Te amo porque eres una bestia"

Después de su anterior película, "Everything will be fine", que no fue del todo afortunada, tampoco esperaba demasiado de esta nueva entrega y ni siquiera había leído muy bien de qué iba a la trama. Si podía sorprenderme tenía que prepararle el camino.

Bruno y Maxine son una pareja feliz que está en busca de su nuevo hogar y que todo parece pintarles bien en la vida. Durante alguno de sus juegos sexuales Brune lame una herida de Maxine y le dice que ahora estará dentro de él para siempre. La imagen idílica se corta para ver que un par de años después la relación entre ambos no es lo que habían imaginado y que aún más ninguno de ellos es la persona que el otro había esperado que fuera. Bruno más que Maxine se niega a la separación y tendrá que aferrarse de manera desesperada a las pocas cosas que les quedan, aunque sus acciones no sean precisamente un retorno al momento ideal que habían compartido.

Por una parte me parece que conserva bastante la estructura básica de los relatos de Boe pero la estrategia retórica ha cambiado. Los problemas de las relaciones, su profundidad y complejidad, ahora se miran a la luz de una serie de metáforas vitales que dan un giro constante a la perspectiva que tenemos. Mientras que usualmente suele centrarse más en la visión masculina de la relación o ruptura, y aunque aquí también suele ser la posición que prima, por momento ese mismo punto fijo sirve para llegar al contrapunto con la figura de Maxine, una mujer mucho menos ausente de las que Boe suele retratar.

De manera resumida la película trata, a modo de metáfora que se vuelve realidad, de las capacidades que tiene cada parte de una pareja para convertirse en una bestia. Ello manifestado desde las reacciones más animales hasta las complicaciones más extrañas de las que somos capaces para lastimar a alguien en un intento desesperado de aferrarnos al mismo. La enunciación inicial nos sugiere que es Bruno quien se está volviendo literalmente una bestia, pero es también la misma acusación con la que acosa a Maxine. Ambos están conscientes de algún modo de ser tan inocentes como culpables, la respuesta es llanamente: todos tenemos la capacidad de hacer daño. Y a partir de ello la película complicará una trama con engaños y culpas y alguna que otra insinuación caníbal (que nunca están de más las insinuaciones caníbales, hacen todo un poco mejor).

Debo decir que siendo mucho menos elaborada que otras de las películas del director que me encantan, me pareció una propuesta magnífica y original sobre un tema tantas veces retratado en el cine. Además de la particular perspectiva desde la que se enfoca (y el magnífico estilo del director), destaca el tener un tono bastante sincero, entre lo cruel y lo tierno, para un tópico sobre el que es fácil caer en idealismo: el amor (en su faceta más desesperada).

Todos los actores protagónicos son recurrentes del director: Marijana Jankovic como Maxine, luciendo fantástica después de tener un papel tan limitado en "Everything will be fine", Nikolaj Lie Kaas (como Valdemar) quien está más que correcto aunque aparezca menos en pantalla que en "Allegro" o "Reconstruction", y finalmente Nicolas Bro como Bruno quien ha aparecido en todas las mencionadas pero por primera vez lleva la mayor carga de la trama y la soporta de manera fantástica.

Después de verla y ahora al hablar de ella me regresa el deseo de seguir viendo más de Christoffer Boe, y por ahí tengo desde hace ya algún tiempo "Offscreen" y quizá sea momento de darle por fin una oportunidad.

¿Película favorita sobre la negación a dar por terminada una relación?

"Drive", Nicolas Winding Refn

2011-12-20T05:36:00.001-08:00

20/12/11

Probablemente una de las películas más esperadas del festival aunque yo hasta entonces la verdad no tenía mucha idea de por qué. No había leído casi nada sobre ella y en general no me llamaría la atención sino fuese por su puntaje desmedido en varias páginas y excelentes críticas. Y eso es suficiente para captar mi atención.

" If I drive for you, you give me a time and a place. I give you a five-minute window, anything happens in that five minutes and I'm yours no matter what. I don't sit in while you're running it down; I don't carry a gun. I drive"

También la habría visto por Ryan Gosling, la verdad, hasta el momento no lo tenía en particular estima como actor pero con su atractivo y en una película que no fuese terriblemente edulcorada, igual me arriesgaría.

Aquí el es *el* conductor, lo que va desde ser un doble en películas de acción para secuencias extremas con autos hasta ayudar a criminales a escapar tras sus crímenes únicamente conduciendo, como deja muy claro en sus escuetas pero más que directas líneas. En su tiempo más tranquilo también trabaja en un taller mecánico y vive en un edificio junto a una joven y guapa madre casi soltera (o con su marido en la cárcel, pues), Irene, por quien terminará haciendo algunas cosas que usualmente se salen de sus bien trazados planes.

La película está increíblemente bien realizada en todos los aspectos, y además es algo que queda claro desde el primer momento con la secuencia inicial en que entramos directo a ver actuar al conductor en todo su esplendor. Ryan Gosling tiene una de esas actuaciones fantásticas por las que le perdonaré cualquier otra cosa que haga y en general hasta el más mínimo personaje está más que bien colocado en su sitio. Tiene un gran soundtrack, unas escenas de acción muy bien logradas, un ritmo apropiado, una estética fantástica y diría en general que es una película de acción como de las que hollywood no ve desde hace ya algún tiempo, con un toque clásico, con la violencia exacta pero también sin necesidad de abusar del vértigo y el movimiento.

A partir de ello es difícil decir más cosas que no sean meras apreciaciones personales. Por una parte debo confesar que hubieron algunas nociones que a mí no me gustaron del todo, como el hecho de tener que depender tanto del factor romántico-emocional, pero incluso en ese sentido (en que se recure a la trampa de que es algo así como una película de amor pero disfrazada, y con autos) me parece que se sale del común denominador de este tipo de historias y los personajes y las actuaciones de Ryan Gosling y Carey Mulligan (más preciosa que nunca) salvan bastante bien el día. De hecho al parecer fue un poco decisión de ambos reducir al máximo sus diálogos en las escenas en que ambos coincidían. Y con esos ojazos claro que funciona la retórica muda.

De hecho es que, paradójicamente, lo que podría ser lo que 'menos' me gustó es también un revés positivo desde cierta perspectiva. El hecho de que en el fondo sea 'la misma historia de siempre' pero también que se demuestre que se puede contar por milésima vez la misma historia y caer en los mismos asuntos y hacerlo de una manera maravillosa, hipnótica, y a la que se le da la vuelta a través de todo un entramado técnico y creativo excelentemente bien logrado y colocado.

Ahí voy a sospechar que la mano de Nicolas Winding Refn tuvo bastante que ver con ello, aunque sólo haya visto "Bronson" de su filmografía (y me basta, si eso no es reinventar el género carcelario no sé qué es). Y eso que entro como director sustituto, sólo nos queda imaginar cómo hubiera sido la película con alguien más porque en los datos curiosos técnicos se cuentan muchos detalles como que Refn no conocía en absoluto la ciudad (Nueva York), ni nada sobre autos, y aún así hay que ver el buen resultado que le dio.

Ahora también voy a tener que ponerme a ahondar en su filmografía.

A lo mejor soy un poco menos entusiasta que muchos otros comentarios en el aspecto de que tampoco creo que nos encontremos ante una obra maestra indiscutible, pero no creo tampoco que tenga que ser una argumentación necesaria: es una película claramente dirigida al público en general en un ámbito mainstream pero siendo así nos encontramos ante una pieza perfectamente lograda para dicha misión, en todos los aspectos posibles. Lo que debería ser un indicativo para hollywood de que proponiéndoselo todavía se pueden lograr películas comerciales que sean joyitas fantásticas.

¿Película favorita de Ryan Gosling?

"The Thing", Matthijs van Heijningen Jr.

2011-12-17T15:12:00.000-08:00

17/12/11

En el episodio de hoy de "Remakes totalmente innecesarios" tenemos el caso de la eufemísticamente nombrada precuela a "The Thing", la maravillosa obra de Carpenter de los 80.

"In the three years that I have known him, this is the most excited I have ever seen him"

Debo aceptar que con todo y que pensaba que es, de entrada, un proyecto que no debería haberse hecho, hasta me emocionaba un poco verla. Quizás porque hace ya algún rato que no veo remakes innecesarios y me olvido de lo frustrantes que pueden llegar a ser, pero tenía la sensación de que algo bueno podría salir de esta revisión del clásico.

La idea general uno puede imaginarla, ¿no? Se encuentra algo de lo más inusual perdido de la mano de Dios entre un montón de hielo y tienen que juntar un equipo para investigar qué es. Kate Lloyd, cuya especialidad al caso he olvidado por completo (así de respetable científica me ha parecido), se une a un grupo mayormente conformado por Noruegos y decide descubrir el misterio detrás del monstruo en el bloque de hielo. Porque seguro estaba demasiado ocupaba estudiando para sus pos-doctorados como para ver películas de terror y adivinar cómo iba a terminar todo esto.

La idea de la película es increíblemente general y, sospecharán, parecida a la de la original. En realidad muy poco se hace por tratar de sostener el chiste de 'precuela' y en realidad podría quedar un poco como un remake no exacto que parte de la misma escena. Y pues a estas alturas la idea de una película de terror con sitios claustrofóbicos y una entidad misteriosa que no es lo que parece tampoco es que sea un tema de lo más original.

Si lo vemos por un momento como unidad independiente, sin tomar en cuenta su relación con su predecesora, la película tiene unos puntos débiles bastante claros. El primero es Kate Loyd. No voy a entrar en los fáciles terrenos de que Mary Elizabeth Winstead (aunque quiera engañarnos con ese nombre todos sabemos que es en realidad Ramona Flowers) es demasiado joven y bonita para tener los supuestos estudios que su personaje tiene en la película. Más bien es que incluso dentro de lo molesto que resulta el que ahora todas las mujeres sean potencialmente heroínas de acción, es un personaje de lo más débil y sin chiste, aún que tengamos que tragarnos un par de escenas en que necesite sobrevivir. Y bueno, se dice que se eligió un protagónico femenino para evitar comparaciones con Kurt Russell, pues adivinen qué, mala idea querer evitar comparaciones al hacer sencillamente un personaje sin chiste. También se dice que se trato de hacer 'con ciertas similitudes' al personaje de Ripley en "Alien" pero creo que esos son unos zapatos bastante grandes que no llegan ni a llenarse un poquito.

El siguiente punto que falla terriblemente es toda la cuestión 'científica'. Es cierto que todos queremos ver a un monstruo mutante matar gente pero ahí tendrían la opción de dar por entendido toda esa cuestión técnica y no poner a un equipo completo de científicos noruegos dando vueltas alrededor. Todo el argot científico utilizado es tan absurdamente básico que nos hace sospechar que uno podría haber participado de esas serias conversaciones sin quedar en evidencia.

Pero lo cierto es que también, si se ve olvidando por completo la versión del 82, es una película mínimamente entretenida. Los efectos especiales tienen un par de momentos en que resultan bien colocados, y si uno espera ver un monstruo y muertes se encuentra con un monstruo y muertes. No es ni siquiera en su género una película que a uno le deje un gran sabor de boca pero sería del tipo que se vería y se disfrutaría para luego también poder olvidarla sin mayores complicaciones.

El problema principal es que, claro, es un remake totalmente innecesario y que parece que no hace ni un esfuercito por querer alcanzar al original (aunque algún par de detalles técnicos puedan jugar un poquito a favor). Lo más indignante resultará no que pueda ser mala (que sin duda le parecerá a cualquier fan que espere un mínimo de respeto) sino que parece que ni siquiera se esfuerza por conseguir algo concreto.

A mí no me pareció terriblemente mala, incluso me pareció entretenida por momentos pese a sus evidentes altibajos. Pero todo ello requirió un alto trabajo de desprendimiento para poder concebirla sin ninguna relación con la película de Carpenter. Entonces era terror en la nieve más o menos decente.

¿Película favorita de terror en la nieve?

"The Tempest", Julie Taymor

2011-12-15T05:43:00.000-08:00

15/12/11

Ya había leído pésimas críticas sobre adaptación de "La Tempestad" por parte de Julie Taymor. La verdad es que ya todo sonaba un poco sospechoso pero era algo que tenía que ver por mí misma, creo que negándome a creer que algo dirigido por Taymor pudiera ser tan malo (aunque viendo su filmografía sí que podría parecer un poco irregular).

"We are such stuff as dreams are made on, and our little lives are rounded with a sleep"

Sin duda "La Tempestad" debe ser una de las obras de Shakespeare más difíciles de adaptar, aunque parte de mi confianza inicial venía de que Taymor ya había hecho un excelente trabajo adaptando "Titus" del mismo dramaturgo. En esta versión Próspero es en realidad Próspera, interpretada por Helen Mirren (que debe ser ya casi el equivalente en mujer a Morgan Freeman en cuanto a personajes sabios se refiere), quien llegó a una isla casi desierta tras ser exiliada de su reino, en única compañía de su hija Miranda. Es la reina de la isla y con sus artes mágicas controla a las criaturas Calibán y Ariel. Años después ve naufragar cerca de sus costas a los culpables de su exilio y decide elaborar un complejo plan para conseguir su venganza.

Bueno, lo de la venganza es una forma muy básica de resumir todo, la verdad es que si alguien tomara la obra para una serie B de magia negra y sangre a presión tampoco sería una mala idea.

Si hay un elemento a destacar del conjunto es sin duda la visión general de la estética de la película. Que por otra parte es lo menos que se puede esperar de la mencionada directora aunque tampoco se destaca por encima de sus otras piezas (y me lleva a preguntarme por qué no habrá recurrido a los mismos directores de arte que en "Titus"). Entre los otros aspectos técnicos uno que particularmente me encantó fue el vestuario, una mezcla de estilo clásico con elementos anacrónicos que daba un toque de rareza a algunas escenas y que en general me parecía más que bien conseguido. Y la verdad es que yo no tiendo a fijarme mucho en los vestuarios.

La adaptación es correcta en el aspecto de que están prácticamente citando a Shakespeare y, bueno, esos diálogos han pasado a la posteridad por algo, pero me parece que una serie de pequeñas decisiones van minando poco a poco el resultado final de la película.

Primero, Próspera. Yo admiro terriblemente a Helen Mirren y estoy de acuerdo en que es una de las piezas con mayor fuerza de esta representación, y no me refiero a ella sino a que se le haya cambiado el género al protagónico. La decisión parte de 'darle una distinta visión a la obra' pero a mí el cambio me pareció no sólo innecesario sino que al cambiar el significado de muchos de los momentos al ponerlos a la luz de lo femenino, le restaba fuerza o cambiaba el contorno que me parece que el personaje debió tener. Lo que en la obra me parecía una especie de fortaleza iracunda en la adaptación femenina me parecía un capricho a veces incomprensible. Y no es por ninguna connotación despectiva del género, pero es una decisión que si bien podría pasar por pequeña cambia el rumbo de la historia de manera relevante.

Luego, las decisiones del casting. Si bien a grandes rasgos es correcto, me parece que casi ninguno de los actores destaca ni de cerca en su papel, quedando como meros vínculos para recitar diálogos en inglés rebuscado. Particularmente me sacaron de quicio los actores más jóvenes, Felicity Jones y Reeve Carney, quienes interpretan a la pareja de enamorados, que parecían sencillamente maniquíes con cara de embobados. O a lo mejor eso es lo que hace el amor, pero actuar mucho más nada. Y otros personajes que creo que debieron haber sido más fuertes, como Calibán, se quedan bastante cortos. Irónicamente los que me parecieron más apropiados fueron el dúo cómico formado por Alfred Molina y Russell Brand que al principio pensé que iba a odiarlos pero que quedan tan bien que por momentos opacan las actuaciones 'más serias'.

Y finalmente, lo que para mí fue el principal error, fue abusar de los recursos digitales. Entiendo que es una obra más orientada hacia la fantasía y de pronto se necesitaban elementos sobrenaturales pero, ajá, seguro que Shakespeare no los tenía en su momento y se las arregló bastante bien. Los posibles recursos teatrales se sacrifican en virtud de un abuso de efectos especiales que muchas veces en su ingenuidad quedan bastante mal en el contexto en que aparecen. Como prácticamente todo lo que rodea a la figura de Ariel, quien además era uno de los personajes que me parecía más rescatable y que a veces se las veía oscuras para salvarse entre tanto efectito fuera de lugar. Con todo el respeto que Taymor me merece me parece que le daba un efecto barato al acabado final de la película.

Y a partir de ahí la verdad es que es irrescatable. No voy a decir que sea tan mala como para querer salirse del cine a la mitad pero casi, sí que había momentos en que sentía que se estaba exprimiendo tanto la obra original que resultaba doloroso. Lo único que se puede decir como conclusión es: prueba no superada.

Después de verla pensé en volver a ver "Prospero's books" de Greenaway antes de reseñarla para comparar ambas pero la verdad es que lo fui aplazando y nada. Ya en otro momento nos tocará reseñar la particular visión de Greenaway sobre esta pieza.

¿Adaptación favorita de Sitges?

"Momo e no tegami", Hiroyuki Okiura

2011-12-12T06:40:00.000-08:00

12/12/11

Animación porque ya nos hacía falta. Y debo admitir que la premisa de "A letter to Momo" me generaba un poco de sentimientos encontrados pero igual no había modo en que fuera a perdérmela.

"¿Qué era lo que querías escribir, papá?"

Momo y su madre se mudan a una pequeña isla al poco tiempo de la muerte de su padre. Además de lo que le costará adaptarse al cambio de lugar la joven tendrá que lidiar también con los sentimientos que le dejó la inesperada muerte de su padre, potenciados por una carta que él comenzó a escribirle pero sólo dice "Querida Momo:". Por si todo esto no fuera suficiente cosas extrañas comenzarán a suceder en la vieja casa y alrededor de ella y su madre, todo lo cual resultará un poco difícil de sobrellevar para Momo.

Con esta idea yo temía, de entrada, dos cosas. Una es que el recurso de la carta fuera ya de inicio algo fácil y cursi, esa idea de 'el último mensaje'. También es cierto que eso lo temía más cuando pensaba que la carta tendría algo más escrito y no sólo dos palabras, que dan mucho más juego a la introspección personal antes que a la sensiblería ya antes referida. La segunda cosa que temía es que tratándose de apegarse a un estilo más estrictamente realista se aprovecharan las circunstancias de la protagonista como una suerte de 'entrada en madurez' con sus correspondientes particularidades.

¿Cómo hace entonces "A letter to Momo" para utilizar todos esos elementos que podrían jugarle en contra y convertirlos en una producción espectacular? Hablaremos más adelante de que a Okiura le tomó una vida concluir la producción de esta película y la verdad es que se aprecia en todos los sentidos. Otro de los posibles 'peligros' es la inevitable comparación con las producciones de Studio Ghibli y aunque no se escapa de la mención obligatoria sí que consigue marcar una línea que si bien encuentra puntos en común también resulta en un producto por completo independiente y que destaca por sus propios méritos.

La historia es un conjunto fantástico de varios elementos que podrían resultar difíciles de imaginar juntos en un primer momento: los distintos procesos de duelo, elementos mitológicos-paranormales, el proceso de adaptación a un nuevo modo de vida, la imagen del Japón provincial, referencias a la ilustración clásica japonesa, y un humor fantástico y tierno que no se mete en absoluto con el tono serio del suceso central.

Resulta difícil decir mucho más de la película sin caer en detalles que no es necesario contar porque creo que se disfrutará mucho más dejando que la historia se vaya revelando con su propio ritmo. Sólo valdría añadir que absolutamente todos los aspectos están más que cuidadísimos y conforman una película maravillosa desde los aspectos técnicos hasta los creativos. Yo sin esperar demasiado salí más que conmovida y complacida de la función.

El director sólo tiene una pieza más en su filmografía (como director me refiero, porque como parte del departamento de animación tiene sus buenas contribuciones), "Jin-Rô", que sin duda tendré que ponerme a buscarla ya que la hace en colaboración con Mamoru Oshii.

Y aunque no dudo que el largo tiempo de producción contribuyó enormemente al perfeccionamiento del largometraje, espero que su próximo proyecto no se haga esperar tanto tiempo.

¿Película favorita sobre los procesos de duelo?

"Grave Encounters", The Vicious Brothers

2011-12-10T07:53:00.000-08:00

10/12/11

Y bueno, en función doble de medianoche, "Grave Encounters", ahora sí falso documental cámara en mano, muchas gracias. Aunque teniendo como director(es) un seudónimo como The Vicious Brothers las cosas parecían pintar o muy bien o terriblemente mal.

"Con cámara lenta y música apropiada cualquier toma puede ser siniestra"

Otro sitio embrujado y qué mejor que un psiquiátrico abandonado, el que debería ser el sitio por excelencia para estar embrujado pero creo que el cine de terror no lo aprovecha lo suficientemente bien. Para iniciar un ejecutivo de una cadena de realities de bajo presupuesto nos pone en contexto de que ellos trabajaban con el equipo de 'Grave Encounters' hasta que desaparecieron dejando solo la grabación que veremos a continuación. La excusa apropiada para que comience el terror en tiempo casi real.

Lance Preston es el presentador típico de programa paranormal de bajo presupuesto, con él trabaja la 'guapa asistente' Sasha Parker, los camarógrafos Matt White y T.C. Gibson, y el 'invitado especial' medium Houston Gray. No se necesita más para un programita paranormal. Se dedican a visitar sitios embrujados y pasar la noche en ellos, porque nunca es una mala idea, claro. Para el programa actual se enfocan en un enorme y siniestro psiquiátrico abandonado. Y que comience la acción, claro.

A mí en particular la idea del programa de televisión me gusta, me parece que permite mucho juego entre las dos dimensiones de realidad (las tomas que están pensadas para ser transmitidas y las cotidianas que se registran por-que-sí) y nos da una sensación de introducirnos en materia desde una perspectiva más amplia. Vemos la historia del psiquiátrico en cuestión, vamos desde testimonios de los más técnicos hasta los típicos obsesionados con la materia, y al mismo tiempo vemos como el equipo se las ingenia para hacer que su programa sea más atractivo aunque tengan que mentir para ello. Y la verdad es que ese toque de humor light como introducción no queda del todo mal, aunque algunas películas de terror adolescentes ya nos hayan hecho pensar lo contrario.

Ya una vez pasando la noche en el psiquiátrico las cosas caen al nivel 'proyecto de la Bruja de Blair' aunque con un toque mucho más televisivo. Algunas críticas lo atribuyen a las actuaciones de los personajes que no siempre son particularmente realistas pero a mí la verdad me pareció que quedaban en el punto adecuado, ya que si bien no es hiper-realismo en cuestión sí creo que durante gran parte de la trama sencillamente no se creen lo que está sucediendo, y cada cosa que va sucediendo (desde sus actuaciones hasta los elementos fantasmagóricos necesarios) no hacen sino acentuar la atmósfera totalmente enrarecida de una situación ya de por sí absurda en que un grupo de personas se encierra voluntariamente en un psiquiátrico a pasar la noche.

Sin verlo desde la perspectiva de 'grandes clásicos del terror contemporáneo' pero sí desde la de 'el tipo de películas que buscas cuando quieres ver terror barato pero funcional' la película cumple exactamente con sus expectativas. No tiene un maravilloso presupuesto pero ese aire 'barato' es parte de su encanto, además que muy pocos elementos evidencian efectos fuera de lugar, logrando que incluso la gran mayoría de sus escenas estén bien colocadas en su lugar. No tiene nada excepcionalmente original pero sabiendo el terreno por donde se mueve el ritmo es adecuado (al igual que su corta duración), sus personajes son tópicos pero sin que eso resulte molesto, y principalmente sus escenas de terror están bien puestas en su sitio. En algún momento para perpetuar la trama se recurren a algunos trucos exagerados pero tampoco creo que resulten particularmente molestos, y la conclusión final aunque no fue del todo de mi agrado tampoco es que fuese mala. Era sencillamente una conclusión oportuna para el tipo de películas que miras de noche para sentirte un poco incómodo al irte a dormir. Y si eso es lo que esperamos, eso es exactamente lo que nos ofrece.

También ayuda que casi todos sus elementos son los que a mí suelen gustarme en películas de terror, y también es cierto que la película funcionará principalmente para fans del género en busca de alguna producción decente pero sin esperar maravillas. Y no está mal, es mucho más de lo que últimamente suelen entregarnos las pomposas producciones que pretenden revivir al género de terror al menos a nivel hollywoodense.

Ah, quizás valdría la pena mencionar que la película es canadiense. A lo mejor en Canadá hasta los fantasmas son más amables y por eso a nadie se le ocurrió que era una tontería pasar la noche en un psiquiátrico abandonado. Pero ahora lo saben.

¿Película favorita de terror que involucre psiquiátricos?

"The innkeepers", Ti West

2011-12-09T07:58:00.000-08:00

09/12/11

Y comenzaba otro mini maratón, ahora de terror, para aprovechar un poco del género que no se había presentado demasiado por esos días. Yo primero pensé que ambas serían del estilo falso documental, no sé porqué, entonces comenzaríamos con un hotel embrujado.

"Quiero saber si es ella, si sigue aquí, porqué no puede descansar en paz"

Pero en dos segundos me doy cuenta que de cámara en mano nada, pero al menos lo del hotel embrujado sí que estaba claro. Un viejo hotel está pronto a cerrar sus puertas pero mientras eso sucede un par de jóvenes todavía tienen que atender a los últimos clientes: una mujer que se salió de su casa con su marido, una antigua actriz que va a la ciudad a una convención espiritista y alguna que otra sorpresita. Pero lo que es más, ambos chicos están obsesionados con los misterios que esconde el hotel y la leyenda de que el espíritu de su dueña, muerta en su noche de bodas, todavía ronda por el sitio.

Parece ser que hoy en día todos están prestos a descubrir cualquier misterio con tintes paranormales que se presente. Y no los juzgo, pero lo cierto es que de entrada al menos el asunto de las cámaras caseras le da un mejor toque a la situación. Aquí tenemos a Claire, una joven que no sabe qué hacer con su vida así que canaliza toda su energía en investigar sobre fantasmas, y a Luke, un chico algo mayor que parece ser apático sobre prácticamente todo aunque de vez en cuando ponga de su parte para las 'investigaciones'.

Yo creo que con un hotel viejo se pueden hacer cosas interesantes, aunque el asunto de la mujer muerta en su noche de bodas esté ya bastante visto. De modo que la premisa pues al menos logra captar un mínimo la atención y parte del encanto de los personajes es que hacen del asunto de la investigación algo bastante casero, lo que cualquier persona que haya visto suficientes películas de terror podría hacer y sentirse identificado. Hasta ahí todo bien pero no es más que la introducción, ¿luego qué?

El primer asunto que falla son los personajes. Parecen hechos para que uno no pueda sentir empatía por ellos. Claire es increíblemente insoportable y su conformación como personaje es incluso bastante extraña. Yo me llegué a preguntar en algún momento si quizás estaban insinuando que sufría de alguna clase de discapacidad intelectual pero al parecer no, al parecer sólo era infantil y tonta. Y si bien uno necesita personajes femeninos medio ingenuos para introducir los sustos, Claire era sencillamente tonta e insoportable en la mayoría de los casos. Y Luke como contrapunto no ayudaba mucho más, porque no es que sea el apático tipo cool que mantiene a flote las situaciones extremas, no, es sencillamente apático. Y si no es suficiente que nuestros protagónicos no den una el resto de los personajes auxiliares tampoco ayudan mucho más, en especial la espiritista que es un recurso demasiado tópico y muy mal manejado.

Luego, ¿terror? En el mejor de los casos hay algunos segundos de tensión cuando creemos que se viene algo bueno y luego nada, absolutamente nada. De resto secuencias más que esperables en que resulta imposible que el director no se diera cuenta de que todo eso ya lo hemos visto antes, e incluso pareciera que se esforzara por aprovechar al máximo esos recursos tan comunes. De hecho del poco más de hora y media que dura la película sólo puedo recordar una sola escena que me pareciera buena en cuestión de terror. No terrorífica por sí misma pero sí que estaba bien colocada para que su concepción resultase siniestra e incómoda, lo cuál sería excelente si el resto de la ambientación tomara ese rumbo pero adivinen qué.

Y ni hablar del final que en un intento de dar el medio giro inesperado resultó todavía peor y encima de todo hasta un poco indignante. Y yo sé que el sentido común no es parte esencial de las historias de terror pero aquí brilla poderosamente por su total ausencia.

Supongo que no está mal para ver por televisión un día que no esperas nada más de la vida, pero aún dentro del enorme campo de películas para ver cuando no esperas ya nada más de la vida ni siquiera me parece llegue al nivel más bien aceptable en que cumple tus mínimas expectativas. Porque de terror nada, porque la historia está a dos pasos de caer en 'terriblemente mala' y porque uno se frustra un poco de ver varios elementos que pudieron aprovecharse y que se dejaron pasar sin hacer nada al respecto.

En otras cosas, noto que Sara Paxton sale últimamente en un montón de películas. No es que ninguna parezca ser especialmente destacable pero me parece extraño aún así siendo que su actuación es dolorosamente mala. Entiendo que tiene el punto de atractivo a lo Lolita pero no sé si eso se justifique en todas las ocasiones. Eso o me he perdido las pocas veces en que es mínimamente convincente, yo no sé, a mí me resultó difícil tragarla la mayor parte de la película.

¿Película favorita sobre hoteles embrujados?

"Kill List", Ben Wheatley

2011-12-08T05:06:00.000-08:00

08/12/11

"Kill list" parecía un thriller algo típico, pero en ese punto en que de típico podría pasar a particularmente interesante y además tenía buena puntuación en algunas páginas. Y era inglés, porque siempre soy más propensa a darle oportunidades a lo que no sea estadounidense. Y pues bueno.

"Antes de que me mates sólo quiero decirte: Gracias"

Jay es un hombre que vive con su casi idílica familia retirados en una casita en los suburbios. El único detalle es que se pelea a cada rato con su mujer pero bueno. Un día se aparece un viejo amigo con su nueva conquista y tras una incómoda velada termina contándole el verdadero motivo de irlo a ver: quiere que lo ayude con un trabajo. El típico 'pero ya estoy retirado', 'éste será el último trabajo' que todos conocemos y acepta. Se les dará una pequeña lista y tienen que matar a todos los que aparezcan en ella, sin más preguntas. Parece un trabajo fácil, ninguna de las personas de la lista presentan gran resistencia pero al mismo tiempo hay algo terriblemente sospechoso detrás de todo eso, no sólo por esos mismos personajes sino que cosas raras empiezan a suceder alrededor de Jay y su familia. Pero el contrato no será tan fácil de llevar a cabo del todo ni tampoco podrá deshacerse.

Hasta aquí la premisa no es terriblemente original pero está bien, incluso es manejada de un modo bastante efectivo. Las actuaciones son buenas, los personajes están bien presentados, las secuencias de violencia son un buen golpe sin llegar a ser exageradas, las 'víctimas' están más que bien colocadas para resultar desconcertantes, y vamos siguiendo.

El primer problema me parece que es que el revés de la historia llega demasiado pronto. Como ya dije la lista es bastante corta y antes de que la terminen empiezan ya con la paranoia de '¿qué está pasando?' y cambia la dirección hacia la búsqueda de respuestas, que a mí particularmente me gusta un poco menos como giro argumental sobre todo porque se prolonga mucho tiempo en la simple tensión.

Y luego, bueno, el final. Para no revelar nada diré que la estrategia de la película se basa en gran parte en revelar lo menos posible de información, todo es lo más vago posible, entonces uno va recolectando esas piezas abstractas de información en espera de que en algún momento lleguen a un clímax, que sería lo lógico. Pero nada de eso, aunque el final es mínimamente explicativo en realidad se esfuerza tanto también por resultar abierto que queda la posibilidad de que o lo estés interpretando bien y te parezca una solución aburrida, o todo sea tan general que igual y no te estás enterando de nada. Y ni siquiera en el aspecto lynchiano de que no te estás enterando de nada pero es claro que ahí hay un mensaje que no puedes codificar porque es absurdamente críptico, no, a mí me dejó con la sensación de que conforme se iba creando el guión tenían una gran idea inicial pero que hacia el final no pudieron concretar del todo y por no perder los detalles iniciales decidieron apelar al final más desconcertante, vago e inconexo, en espera de que el público hiciera lo suyo y tratara de encontrar una interpretación propia de los elementos independientes que se fueron soltando a lo largo de la película.

Y no sólo es triste en retrospectiva, también es muy frustrante en el momento en que terminas de verla. Detrás de unos tres cuartos de película muy bien realizados e increíblemente prometedores, te encuentras con un final que parece metido con calzador, que se preocupa más por su cuestión estética porque está claro que narrativamente no tiene nada que hacer ahí. Yo hasta salí algo fastidiada de la sala, sabiendo que pudo ser una gran película pero al final se fue al diablo.

Me confunden un poco las críticas que son demasiado positivas porque casi todas aluden a aspectos técnicos de la realización, en los que coincido que están excelentemente llevados a cabo, pero la mayoría omiten por completo la historia más allá de la sinopsis. Algún par se aventuran con la explicación alegórica de lo que realmente quiere decir la película pero no veo a nadie respondiendo qué diablos sucede al final y cómo podría relacionarse con todo lo demás a menos de que apelemos a un deus ex machina.

Al menos para mí fue una decepción total.

¿Película en que se tenga una lista de personajes por asesinar?

"7 gwanggu", Ji-hun Kim

2011-12-06T11:09:00.000-08:00

06/12/11

"Sector 7" no tenía buena pinta. Y que una película coreana que involucra monstruos medio gigantes y medio acuáticos no tenga buena pinta debería ser indicativo de que mi sentido arácnido está queriéndome decir algo. Pero así son las cosas, yo la tenía que ver, porque no me habría perdonado obviar a un monstruo coreano medio gigante.

"La evolución es una perra"

Oh, pero no podía faltar el obligado recurso de la referencia odiosa. Como aquí no había absolutamente nada que la ligara con "The host" más que la presencia de un bicho pues tuvieron que irse con el clásico "Si te gustó...". Como si todos los monstruos fuesen lo mismo, y si te gustó "King Kong" tienes que tragarte la del babuino asesino, entonces.

Pero veamos.

En una plataforma petrolera a mitad del océano se encuentra un grupo de personajes tratando de encontrar petróleo, predeciblemente. Desde los ingenieros a los estrategas a los médicos, tampoco es que sean muchos, y es que en el Sector 7, donde se encuentran, hace rato que no encuentran yacimientos importantes. Pero el equipo no quiere rendirse aunque ya les están dando su última oportunidad para que logren algo o se regresen, y entre lo que parece ser un intento un poco más afortunado se encuentran también con unos adorables pececitos de las profundidades que parece que han subido un poco en su nivel del mar debido a los cambios por terremotos y todo eso. Y bueno, antes de que ellos o nosotros sepamos lo que está pasando, porque es claro que no pagamos por ver problemas petroleros en tercera dimensión, un bicho gigantes comienza a perseguirlos a todos, lo que no puede ser un panorama muy alentador si tomamos en cuenta que están en un espacio más que reducido a mitad de la nada.

Hasta aquí todo bien, me dirán, no parece la trama más fantástica del mundo pero tampoco parece particularmente mala. Ahora tengo que hablarles de la protagonista, Hae-jun. Hae-jun sigue la línea actual de lo que queremos es ver heroínas de acción que sean bellísimas aunque parezca imposible que hagan la mitad de lo que tienen que hacer en pantalla. Pero por si no fuera suficiente combina en un solo personaje todos los estereotipos hiperbólicos de estas heroínas y, encima, trata de hacerlos pasar por algo cotidiano: es ruda, es ingeniera y se pasa toda la película dando lecciones de vida aunque apenas llega a los 30 años, es super guapa, tiene un cuerpo de lo más delicado (aunque se supone que lleva la vida trabajando en una plataforma petrolera), anda con el chico más guapo de la plataforma pero lleva los pantalones en la relación, se la pasa regañando a todos los demás porque ella siempre tiene la razón, maneja todo tipo de armas, practica deportes extremos (en una plataforma), y así sucesivamente hasta que una se sienta mal como mujer. Y por si tener un personaje protagónico molesto no es suficiente casi todos los demás siguen una línea similar, apelando a un solo estereotipo y sin salirse de él aunque la vida se les vaya en ellos.

¿Qué se consigue finalmente? Que toda la parte humana de la película se asemeje a un dorama (esto es, una telenovela asiática), y aún peor, a un mal dorama. Con actuaciones exageradas e inverosímiles, con personajes estereotípicos e incongruentes, con acciones tópicas que van entre las típicas de series hasta los clichés más evidentes de películas de monstruos. Y la verdad es que a mí al poco tiempo me empezó a resultar ya insoportable, y sólo quería que se callaran todos y apareciera el monstruo y ya. Pero ni siquiera eso era posible porque en un afán de darle más 'contexto humano' las apariciones monstruosas empiezan tardíamente y durante gran parte todavía intercaladas entre el drama cotidiano.

Y uno podría pensar que no es tan malo y, bueno, no lo es, la película se ve sin que uno sufra demasiado, en parte debido a que la película no dura demasiado. Las secuencias del monstruo consiguen entretener, su diseño está decente aunque por momentos los efectos digitales son tan evidentes que dan un poco de pena, el 3D no está tan mal pero es bastante innecesario la mayor parte del tiempo.

Y el asunto es que en general no tiene un solo punto verdaderamente positivo y los que tiene 'decentes' apenas son aceptables. Y por otro lado los puntos negativos sí que son terriblemente negativos y hacen que en varias ocasiones resulte molesto ver la película.

La película al parecer tuvo una distribución con bombo y platillo impresionante, antes de su estreno ya estaban vendidos los derechos de distribución en bastante países y supongo que más de uno realmente creyó que estaba a punto de ver el próximo "The host". Dado que he leído muy poco de ella posteriormente, que sus puntajes en todos lados son más bien bajos y que los comentarios de imdb más positivos te advierte 'que no esperes mucho...', uno se puede suponer a dónde han llegado las expectativas.

Los muy fans del género de monstruos supongo que, como yo, tendrán que verla, pero más que avisados de qué esperar.

"Poulet aux prunes", Vincent Paronnaud & Marjane Satrapi

2011-12-05T12:19:00.001-08:00

05/11/11

Con un título tan curioso como "Pollo con ciruelas" llegaba la nueva incursión de Marjane Satrapi, autora y directora de "Persépolis", en el cine. Ahora dejando de lado la animación y optando por encarnar de manera física una de sus historias. Y fue por ella que me decidí a ver la película dado que la trama no me llamaba demasiado la atención.

"Es una pena, Nasser-Ali. Ésta era tu única vida"

Voy a suponer que no me llamó la atención principalmente porque el festival se supone que es de terror y esta película se veía claramente que iba tirando más hacia el lado dramático y tierno, porque lo cierto es que la trama tampoco suena del todo mal.

Nasser-Ali va de tienda en tienda en busca de un nuevo violín pero todo es inútil, ningún violín va a sonar nunca como el suyo, aquel que perdió recientemente. Después de una serie de intentos desesperados renuncia a creer que podrá volver a ser el músico que era y renuncia también a vivir. Pero suicidarse es muy doloroso y él no está convencido de ningún método, así que también decide que quiere morir y así nada más, y se encierra en su cuarto en espera de que llegue la muerte.

Con un margen tan simple como el día a día de una persona que ha decidido sencillamente morir, la película se vuelve el juego de tiempos, recuerdos, situaciones propias y ajenas, que conforman la vida de una persona. Desde el cuarto de Nasser-Ali iremos siguiendo el hilo de sus recuerdos desordenados, el modo en que el pasado se inmiscuye en su presente, la idea que tiene de los otros; pero también las otras perspectivas, los que ven todo desde fuera, las situaciones particulares que él no alcanzó a comprender, las cosas que siguieron ahí después de que él se fue.

Siguiendo casi puntualmente el desarrollo del comic original (y el 'casi' es por algunos detallitos como que en el comic el instrumento que toca no es un violín sino un instrumento de cuerda iraní, y que se minimizan los detalles referentes a la situación del país durante los años en que está ambientada), se cambia el estilo sobrio por una magia sutil pero cautivante. A mí me recordó un poco al estilo de Jeunet pero sin querer ser tan grandilocuente, mezclando sus elementos fantásticos con el de una realidad perfectamente cotidiana. Haciendo que lo 'mágico' sea más el modo en que rememoramos las cosas que las cosas por sí mismo, situación que es fácil notar al contrastar las secuencias de recuerdos con las de sus momentos concretos de los últimos días.

Cuando terminé de verla hubo algo que no terminó de convencerme. Por una parte supongo que me seguía diciendo que me hubiera gustado que Satrapi y Paronnaud repitieran con animación, aunque también admiraba su puesta en escena. Luego pensé que quizás precisamente porque me recordaba un poco a Jeunet no entendí porqué no terminaba siendo una suerte de fuegos artificiales de momentos edulcorados. Pero conforme he regresado una y otra vez a la trama, a las escenas, a la figura de Neesar-Ali, a su hija Lili (interpretada por Chiara Mastroianni), a su esposa Faringuisse, al recuerdo de Irane; la película me parecía cada vez más entrañable, cada vez más sencillamente perfecta en su estructura simple, su ritmo adecuado, su adecuada duración. Con un tono de fábula entre tierna y oscura no busca más de lo que cuenta y aún así transforma la realidad llana es un instante fantástico.

Además, tomando en cuenta que la película tiene varios tópicos que podrían haber caído más que fácilmente en el sentimentalismo, me parece que los mantiene en el tono apropiado para que se vean como lo que son sin querer obligar al espectador a reparar escandalosamente en ellos. Como es que Neesar-Ali sea músico y toda esa idea de que un músico toca con el corazón, o el recuerdo del primer amor como un sentimiento insuperable, o ya de entrada la idea romántica del hombre que se abandona a morir. Todo ello es relevante pero no se vuelve un recurso fácil, y también gracias a que Neesar-Ali es una figura tan atractiva como desesperante por momentos en que podemos verlo todo en su justa condición humana, plus el toque maravilloso de lo que vuelve del pasado para suceder de nuevo.

Me parece una pieza que sin querer hacer alarde de sí misma se convierte en una experiencia bellísima.

El siguiente proyecto de la autora parece ser un conjunto de cortometrajes animados como adaptaciones de "El profeta" de Gibran Khalil Gibran, donde trabajará con otros fantásticos animadores como Sylvain Chomet, Tomm Moore y Nina Paley. Pero mientras eso sucede algo me decide que comenzaré a hacerme del resto de sus historietas.

¿Película favorita sobre un personaje que decide morir?

"Ayashiki bungô kaidan", varios

2011-12-04T05:10:00.000-08:00

04/12/11

Cuando vi anunciada la película como "Kaidan horror classics" pensé que se trataría de una suerte de remake de la obra de Nobuo Nakagawa por parte de un grupo de directores para encargarse de cada fragmento. Tampoco sonaba mal, y habría que agregar que entre esos directores se encontraba Shinya Tsukamoto y Hirokazu Koreeda.

"Es terrible estar despierto en noches como ésta"

Pero no, contrario a lo pensado la película lo que hace es juntar varias historias para formar un conjunto alrededor del tema del "Kaidan", que es una historia de terror pero clásica, más cercana a leyenda o historia con tintes ominosos que el terror que usualmente vemos ahora con chicas saliendo de televisores. Este tipo de proyectos suelen ser muy usuales en Japón sobre todo para programas de televisión en que dramatizan leyendas clásicas, leyendas urbanas o historias clásicas de terror de manera episódica.

La primera de las historias es "El brazo", dirigida por Masayuki Ochiai basada en una historia de Yasunari Kawabata. Trata sobre un hombre que le pide a una mujer joven que le preste su brazo para pasar la noche y ella accede, y todo lo que sucede entre que abandona su casa y trata de pasar una noche tranquila, con un brazo, en la suya. Quien este familiarizado con el estilo de Kawabata no se sorprenderá de la estructura del corto ya que se basa casi en su totalidad en la reflexión sobre la vida, la juventud, la mujer, desde la perspectiva de un hombre entrado en años. Todo con una ambientación siniestra y llena de detalles que parecen propios de pesadillas. Pero la verdad me pareció poco afortunado que fuese la primera pieza porque por una parte la verdad no está bien lograda en general, y seguro que no haría más que confundir a un público que esperaba ver fantasmas con cabellos de teleraña por doquier.

El siguiente fragmento es "The whistler", dirigido por Shinya Tsukamoto y basado en una historia de Osamu Dazai. Trata sobre un par de hermanas donde la mayor se dedica por entero a cuidar a la pequeña que está gravemente enferma, ambas viven bajo el control de su estricto padre quien no las ha dejado nunca llevar una relación normal con el resto de las personas. La hermana mayor teme que la joven pueda morir pronto y decide engañarla para cumplirle algunos de sus deseos. Aunque aquí los elementos ominosos (que ni terroríficos ni paranormales) son más circunstanciales, la verdad es que consiguen lograr una 'leyenda' que siendo más dramática y tierna tiene toda la fuerza que uno podría esperarse. Maravillosa pieza cuya elaboración más que clásica resulta un poco inesperada por parte de Tsukamoto.

El tercer fragmento es "La nariz", dirigido por Lee Sang-il y basado en una historia de Ryunosuke Akutagawa. Trata sobre un monje ambulante que viaja de pueblo en pueblo escondiendo su rostro, avergonzado de tener una nariz horrible. Los aldeados le rehuyen siempre pero en una de esas consigue salvar a un niño que todos creían muerto y empiezan a adorarle. Pero él sabe que no durará mucho la situación si alguien llega a verle el rostro. Al parecer la presentación decidió seguir la lógica de un episodio malo por cada bueno, porque si bien "La nariz" puede resultar entretenido y uno no sufre los cuarenta minutos que dura, la historia es bastante débil, apenas algunas secuencias me parecen bien logradas, y la prótesis de nariz es tan falsa como horrible de modo que uno no puede dejar de prestarle atención descuidando el resto de la historia.

Y finalmente, "Los días después", dirigida por Hirokazu Koreeda partiendo de una historia de Saisei Muro. Trata sobre unos padres cuyo hijo falleció años antes y en alguna visita al cementerio conocen a un pequeño niño que vive por la zona y lo invitan a ir de vez en cuando a su casa, donde comenzarán a tratarlo como si se tratara del hijo muerto que ha vuelto a casa. Una historia tan sencilla como fantástica donde destaca una ambientación maravillosa en conjunto con una sutileza y un sentido inexacto de todo lo que sucede. Creo que lo que más me gustó es que hay varias historias posibles dentro de lo que se muestra, desde la más realista hasta la más 'paranormal'. Y en cualquiera de los casos no deja de ser una historia bellísima y la más destacable del conjunto.

Creo que esta proyección fue el segundo caso, después de la de Kim Ki Duk, donde vi más gente saliéndose de la sala antes de que terminara. Probablemente se debía en parte a que era una función entrada la noche y la gente no estaba para darle el beneficio de la duda a nada que no pintara muy atractivo, pero seguro también que muchos de ellos esperaban terror más contemporáneo. O quizás, como yo, las cuatro historias de Lafcadio Hearn adaptadas años antes.

¿Película favorita que sea un conjunto de cuentos de terror?

"Resurrect Dead: The mystery of the Toynbee Tiles", Jon Foy

2011-12-02T05:25:00.000-08:00

02/12/11

Y continuando con documentales, creo que este fue el último que vi en Sitges. Y probablemente al que le traía más ganas, porque ya había leído antes sobre el tema y no podía esperar a profundizar en él.

"Toynbee idea in movie '2001'. Resurrect dead on planet Jupiter"

La primera vez que leí sobre las Toynbee Tiles fue en un artículo sobre 'los grandes misterios aún sin explicación'. En lugar de los típicos casos super famosos se trataba de situaciones mucho más 'cotidianas', por así decirlo, pero que no dejaban de ser terriblemente extrañas e inexplicables. Y de lo que se trataba este caso era precisamente de la placa que podemos ver en la imagen. Justin Duerr, al igual que muchos otros ciudadanos en Estados Unidos, un día iba caminando por la ciudad cuando notó la placa adherida al pavimento del suelo. El mensaje era totalmente críptico o sin sentido. ¿La idea de Toynbee en la película '2001'? ¿Resucitar a los muertos en el planeta Júpiter? Sería algo extraño pero anecdótico sino fuera porque placas similares comenzaron a aparecer por toda la ciudad, incluso en avenidas donde resultaría bastante problemático ponerlas sin que nadie lo notara. Eso fue en los 80, y para cuando el internet comenzó a ser más o menos de uso común una de las primeras cosas que hizo Justin fue ir a una biblioteca e investigar. Si bien al principio no había nada claro en foros comenzó a enterarse de que placas similares aparecían por un amplio margen de territorio de Estados Unidos. Y algunas ciudades de América Latina.

Nadie tiene idea de qué significa, quién las pone, o qué extraño propósito persiguen. Justin Duerr ha dedicado gran parte de su vida a documentarlas e investigar al respecto.

Jon Foy, el director, fue a presentar la película y contó cómo conoció a Justin Duerr de manera casual y en algún momento se enteró de su fijación por el fenómeno y consiguió arrastrarlo en esta obsesión y fue cuando decidió documentar un nuevo intento de Justin, junto con otros dos participantes activos de un foro donde discuten el tema, por tratar de descubrir la verdad detrás de las placas. Siguiendo toda la línea de investigación de prueba y error, muchas hipótesis curiosas comienzan a desplegarse alrededor de este extraño mensaje.

Creo que el primer problema al encarar el documental es la aceptación de hasta qué punto podemos tolerar la obsesión de otras personas. Yo ya conocía el caso y ciertamente lo que esperaba es que la información general diese paso a otra mucho más concreta, como fue el caso, pero me parece que ante un espectador que no está para nada familiarizado con el tema, tras una muy interesante presentación inicial, tendían a desconectarse de la trama principalmente por la actitud de las figuras centrales. Sin duda Justin Duerr, Colin Smith y Steve Weinik no son exactamente ciudadanos promedio, son personas que han pasado años obsesionados con placas de aparición espontánea a lo largo de un continente cuya parte de su explicación implica resucitar personas en Júpiter. Es claro que lo que están buscando no va a ser la prototípica investigación de reportaje serio, y el propio ánimo y compromiso de ellos a veces puede resultar incomprensible. Para mí ello resultó en un punto atractivo del documental porque precisamente personajes tan atípicos llevaban a cabo una investigación imposible partiendo desde cero pero con toda la seriedad que se puede tener en ese campo. Y a través de ellos nos movemos también por un ambiente ya bastante complicado, yendo de controladores de estaciones de radio pirata, convenciones de telépatas, hasta tocar la puerta de vecindarios asociados con una mínima pista.

Hay que advertir que el grupo obviamente sigue una clara línea de investigación y, contrario a lo que uno podría esperar, llegan a una posible explicación de los sucesos. Para mí eso, no digo ya que sea cierto sino que sea factible, me desinfló un poco un mito que me parecía maravilloso por sí mismo. Pero también entiendo que desde la misma propuesta era de preverse que no podía terminar con "¡y al final no nos enteramos de nada! tan-tán". Aunque, como en todas las cosas medio ominosas, pondré un poco en duda parte de su proceso final porque hay algunas cosas que me parece un poco extraño que nadie haya llegado a ellas antes, bajo el supuesto de que muchas personas antes que ellos intentaron adentrarse en el misterio.

Con todo me parece un tema que por sí mismo es de lo más interesante, y llevado a cabo en el modo exacto que el tema lo requería. A lo mejor en algunos momentos puede parecer que da un poco de vueltas sobre sí mismo pero creo que el ritmo consigue llevarnos de manera exitosa a lo largo de este recorrido sin mayores complicaciones. Y tomando en cuenta que Jon Foy hizo todo, desde grabar hasta pasar años editando, me parece que su producto final es bastante bueno.

¿Documental favorito sobre misterios (con o sin resolver)?

"Serbuan maut", Gareth Evans

2011-12-01T05:00:00.000-08:00

01/12/11

Dentro del género de acción está la vertiente de películas que son, llanamente, acción pura y dura. Que tienen una trama-excusa para intentar que durante el metraje se puedan sostener secuencias de acción (peleas, persecuciones, y despliegues de habilidades marciales/acrobáticas/etcétera) de manera continua, y no mucho más. Y la verdad es que "The raid" tenía pinta de ser exactamente eso. Pero era de Indonesia y yo soy una fácil con las producciones asiáticas.

"No me gustan las pistolas. Apretar el gatillo es como ordenar comida a domicilio. Mis manos son mis armas"

Y sí, la trama es bastante sencilla: un escuadrón especial de la policía se prepara para entrar por las malas a un edificio controlado por un reconocido mafioso. Se sienten muy valientes porque son muchos y van armas, pero qué ingenuos. No es como que los mafiosos no sepan su negocio, por algo llegaron hasta donde están. Y bueno, ya que entran al sitio toma dos segundos para que sea evidente que un buen plan no llevaban. Encima es un sitio cerrado y más se tardan en entrar que en quedarse atrapados, y el lugar es hogar de un sin número de personas que han llegado ahí evadiendo la justicia y no les van a poner fácil ni llegar al último piso (donde está el líder) ni salir por la puerta como si nada. Básicamente.

Al personaje principal que seguimos es uno de los miembros más elementales del equipo, los que están para hacer montón pero cuyo sentido común le dice de entrada que ahí hay algo sospechoso. No sólo algo absurdamente peligroso porque el edificio está montado como una trampa mortal, sino raro porque ajá, no es como que la policía no supiera antes lo que sucedía ahí como para que amanecieran un día con las ganas de redada. Pero eso tendrá que irlo descubriendo conforme avanza la trama y él tiene que sobrevivir por las buenas.

Y, muchísimas secuencias de acción, muchas muchas.

Yo usualmente no soy muy fanática de este tipo de estrategias, porque sí que disfruto los golpes al por mayor pero usualmente hay un momento en que se debilita tanto la trama que algo se pierde. Y lo cierto es que esperaba que algo así sucediera aquí, después de la presentación de la trama que dejaba el paso a una larga secuencia de golpes, golpes, persecuciones, disparos y machetes ensangrentados, antes de resolver el asunto de cualquier modo y fin. Pero, oh, sorpresa, "The raid" fue exactamente eso pero también fue mucho más.

Parte del mérito se lo voy a dar a un excelente trabajo de coreografía realizado de manera fantástica por los actores. Porque uno está poco más de hora y media viendo golpes al por mayor sin que llegue a sentirse repetitivo. También parte de eso es la alternancia entre el tipo de armas, desde los encuentros a distancia con armas de fuego, hacia los encuentros marciales a puño limpio, hasta la implementación de armas blancas o cualquier cosa al alcance de la mano (el sitio no deja de ser un conjunto departamental, peligroso y mortal, pero departamental). Luego hay un cuidado fantástico en el ritmo para ir introduciendo las escenas necesarias de empatía con el enemigo, ir desvelando los secretos, introducción a algunos personajes que serán más relevantes que el resto y así, para que el espectador no se quede en pelea tras pelea sino que sienta verdaderamente que se dirige a alguna parte y su protagónico tiene que sobrevivir para que uno se entere.

Y bueno, Iko Uwais es genial como héroe de acción, no sólo porque sus capacidades corporales son más que óptimas sino porque realmente funciona como personaje (que suele ser luego el problema de algunos actores-stunts que cuando terminan las secuencias de saltos y golpes se quedan cortos en pantalla). Al parecer fue descubierto por el director y tienen una película anterior juntos que claro que me voy a poner a buscar justo ahora. Otro de los personajes-actores que me encantó fue Yayan Ruhian como Mad Dog, que sólo necesita aparecer en una toma para que uno ya se dé cuenta que es malísimo. Tiene una gran presencia y sus capacidades marciales no se quedan muy lejos.

Una sorpresa más que grata no sólo por ser de Indonesia sino porque en general me parece difícil encontrar actualmente películas de acción-y-sólo-acción tan simples y que funcionen tan bien. Uno sencillamente queda atrapado entre todos esos golpes y persecuciones al por mayor.

Y deja claro al resto de los países del mundo que no están entrenando lo suficientemente bien a sus policías.

¿Película favorita sobre redadas que salen mal?

"Sleeping beauty", Julia Leigh

2011-11-29T03:38:00.000-08:00

29/11/11

En los últimos años se ha puesto de moda reinterpretar libremente cuentos de hadas clásicos. Que a veces parece que eso significaba 'que sean todos adolescentes y sensuales' utilizando los elementos tópicos de nuestra infancia. Ajam. Pues este año se estrenaron dos versiones de La Bella Durmiente, que tampoco es que fuese un cuento que me gustara de por sí pero tendría que ver al menos la propuesta, y por no irme con Catherine Breillat terminé con esta producción australiana.

"Algunos fingen su muerte, yo finjo mi vida"

Había visto ya el trailer y aunque querían hacerlo ver muy artístico y profundo una cosa era clara: todos eran jóvenes y sensuales. Al menos lo era Emily Browning que es prácticamente el único personaje que importa, como nos lo deja claro el poster. Pero había otro detalle que me molestaba de toda esa trama sugerida y que no se concretaría hasta verla plenamente desarrollada.

Lucy es una joven que saca el máximo provecho de su belleza, ya sea para conseguir las cosas gratis, para llevarse con sus amigos, para ganar dinero. Tiene poco recelo en hacer lo que sea necesario y se dedica más a sus trabajitos que a cualquier otra cosa de utilidad. En una de esas entra en contacto con una agencia de chicas de compañía bastante inusual aunque no pasa de materializar un par de fetiches de hombres extravagantes. Pero el dinero fácil crea adicción y Lucy se presta a cualquier cosa que venga y la directriz de la agencia pronto le verá material para convertirla en una de sus bellas durmientes.

Hay tantas cosas mal que no son tampoco terriblemente malas que no sé bien por dónde empezar. Primero, de trama nada, se nos presenta una situación de un modo más que vago y se confía plenamente en que ciertas escenas tengan la suficiente fuerza como para que perdonemos el resto. Y si bien algunas pueden estar bien logradas estéticamente, ello implica que tendremos que tragarnos otras de lo más sosas para 'contextualizar' o hacer tiempo o yo qué sé. Luego está que el único personaje real es Lucy (aunque quieran hacernos creer que un par más son relevantes) y aunque la actuación de Emily Browning no es mala, el propio personaje no da mucho de sí. La vemos caprichosa, sin vergüenza y a veces intuimos que algo debe haber detrás de todo ello pero nada más, el mayor interés que puede presentar es la contraposición de su presencia angelical, que claramente es una chica muy bonita, y que de pronto suelte frases propias de una prostituta cualquiera para conseguir lo que quiere. Y ni siquiera lo hace tanto así que después quizás de un pequeño sobresaltito inicial ya las demás veces asumimos que es así y lo pasamos por alto.

La idea de la agencia de 'chicas de compañía inusuales' quizás podría haber dado mucho de sí pero eso habría implicado mover la trama en otras direcciones, de modo que también lo vemos muy reducido en un par de escenas preliminares antes de todo el asunto de las bellas durmientes. Que si bien se ven como escenas algo atípicas el mayor atractivo no dejan de ser jovencitas en ropa interior y tampoco es algo que no hayamos visto nunca.

Y viene entonces el asunto de las bellas durmientes, que quizás podría ser interesante si no fuera tan obvio. A estas alturas quiero creer que ya esa idea ha dado todas las vueltas que puede dar. Gabriel García Márquez tiene un cuento y una novela alrededor de esa idea y, especialmente, Yasunari Kawabata escribió una novela magistral al respecto en los 60. Los 60. Y todavía más, y aquí viene un spoiler críptico, en sí la película es idéntica a la novela de Kawabata. Si bien no en su desarrollo sí en casi todos sus puntos de acción, donde lo único relevante que cambia es que la narración en primera persona de parte de un anciano asiduo a la casa de las bellas durmientes aquí se vuelve la primera persona de una chica que es una bella durmiente. Una especie de 'la otra versión de los hechos' pero careciendo no sólo de la prosa de Kawabata, sino de cualquier tipo de atractivo que el personaje pueda presentar. Y eso que incluso se incluyen algunas reflexiones de ancianos visitantes para que quede como la contraparte filosófica que el escritor japonés había plasmado. Pero detrás de todo eso no hay nada, absolutamente nada, una ausencia total de psicología en lo que parece ser una adolescente promiscua y caprichosa, un par de secuencias de erotismo vulgar sugerido, muchas secuencias de Emily Browning sin ropa o en ropa interior, un par de problemitas adolescentes, un par de problemitas de tugurio artístico-pornográfico y ya.

A los pocos minutos uno se da cuenta de que la película es terriblemente aburrida, que nada es en verdad interesante y que la única fuerza radica en una idea que no es nada original y que fuera de un par de planos bonitos no va hacia ninguna parte. Lo recuerdo todo y me aburro de nuevo. Seguro por cosas así "La bella durmiente" nunca fue un cuento que me gustara.

¿Película favorita sobre mujeres dormidas?

"Tomie: Anrimiteddo", Noboru Iguchi

2011-11-27T06:44:00.001-08:00

27/11/11

Y volviendo al maratón Japan Madness, Noboru Iguchi lo inaugura y lo clausura. Encima, con una nueva adición a la saga de "Tomie". Tenía mis reservas pero era imperdible.

"Me di cuenta de algo. La muerte nos atrae. Tomie nos muestra el camino"

He reseñado un par de películas de "Tomie" y he visto un par más de las que hablaré después. Sé que mi apreciación negativa se debe en parte a mi gusto por el manga original pero también es cierto que ninguna de ellas ha sido especialmente destacable, ni como adaptación ni como película de terror japonesa. Y es curioso, parcialmente, porque la idea básica es bastante sencilla y podría prestarse a distintas reinterpretaciones que no siguieran necesariamente el estilo de su autor, Junji Ito, que parece difícil de trasladar a la pantalla.

Que Noboru Iguchi fuera a adaptarlo ahora resultaba un poco extraño. En primera porque nunca se ha dedicado formalmente al terror y porque su estilo parece ir en una dirección distinta. Por otra parte parecía un intento desesperado de mantener la saga con vida dado que ya las otras cartas fuertes habían fallado (maestros del terror japonés como Shimizu no pudieron hacer mucho) y porque Iguchi al menos conseguiría atraer a un mínimo público dado que ahora su carrera ha tomado bastante fuerza. Y bueno.

Tomie y Tsukiko son hermanas aunque son bastante diferentes. Mientras Tsukiko es reservada y pasa bastante sin llamar la atención, Tomie cautiva la atención de quien la ve y sabe cómo manipular a las personas con su encanto. Tsukiko está convencida de que es su hermana y por ello la quiere pero quizás cuando Tomie muere en un horrible accidente las cosas no resulten tan mal para ella. Casi un año después ha tratado, junto con su familia y amigos, de rehacer su vida y todo parecería indicar que estaba por lograrlo cuando un día, sin más, Tomie regresa a casa.

Yo siempre pensé que más o menos ese era el inicio ideal para Tomie, partiendo más o menos del manga primero en que la perspectiva es de una compañera de clase y a donde vuelve es a la escuela. El hecho de que hubieran involucrado la dinámica familiar me pareció al principio absurdo porque no cuadraba demasiado con ciertas líneas de la historia, pero si pasamos por alto esos detalles (que se pueden justificar, de querer hacerlo) la verdad es que termina por resultar en un entorno más que indicado para que Tomie comience a hacer de las suyas desde el espacio más íntimo de la perspectiva que seguimos, la de Tsukiko.

Cuando vi por primera vez una imagen de Miu Nakamura como Tomie no me convenció en absoluto. No la encontré particularmente bonita y tenía un aire extraño que sentía que confundiría la intención principal del personaje. Ahora sé que lo pensé pero no puedo recordar cómo es que surgió esa sensación, si bien Nakamura tiene una belleza extraña (está en la línea de los personajes con rasgos tiernos-raros-gatunos que Iguchi suele tener como secundarios en algunas de sus películas) le bastan un par de escenas como hechizarnos como todos suponemos que Tomie debe hacerlo. Algo que hasta el momento no había sentido de ninguna de las actrices que la encarnaban.

Por una parte creo que Iguchi estaba consciente de que no conseguiría hacer una película de terror en norma y que, como mencioné, la atmósfera particular de Junji Ito es difícil de llevar a la pantalla y se corre el riesgo de que termine más que mal, y por ello decide deliberadamente irse por otro camino. Retomando de alguna manera su propio estilo, dota a la historia de un humor más infantil-cruel y de un enrarecimiento que sin duda ayuda a que la extraña trama avance sin sentirse demasiado forzada. Aunque hay momentos que sin duda parecen hechos para ser un chiste, la sensación cruel que rodea la interpretación de Nakamura dota todo de la sensación de ser una broma macabra, una suerte de delirio esquizoide que salió mal y no puede detenerse. Iguchi convierte su historia en un sueño dentro de un sueño dentro de un sueño donde todos los niveles son de pesadilla y son protagonizados por un único y terrible elemento: Tomie. Y proponiéndose eso es, inesperadamente, fantástico.

Si bien un detalle que quizás podría resultar contraproducente es que tengo la sensación de que es una adaptación pensaba hacia los conocedores de la historia. Nunca hay una preocupación por explicar nada y la misma sucesión de hechos parecería volverse surreal para alguien que no sepa de antemano qué es lo que sucede. Es cierto que eso es también parte de las historias en que nunca se nos explica los sucesos concretos, dejando que parte de la fuerza de ellas se base en esa ominosidad propia de lo que siendo sobrenatural se cuela entre la cotidianidad. Para mí eso resultó en un excelente plus pero sí que escuché comentarios de personas que salieron de la sala sin tener idea de lo que acababan de ver.

¿Película favorita sobre mujeres que vuelven de la muerte?

"A dangerous method", David Cronenberg

2011-11-26T04:59:00.000-08:00

26/11/11

Como todo parece indicar que estaré reseñando películas del festival de Sitges hasta su próxima edición, hago una pausa para un poco más de actualidad en cines al momento. "Un método peligroso", extraña elección de trama para la nueva película de David Cronenberg, pero que yo no podía perderme por ninguna razón.

"Sometimes you have to do something unforgivable just to be able to go on living"

Si la idea ya de que Cronenberg decidiera hacer una suerte de biopic de Freud y Jung ya parecía un poco extraña, debo decir que a esa impresión no ayudaba en absoluto el terrible poster de la película. Seguro que los diseñadores debieron pensar que menos era más pero la verdad yo no me quito la sensación de que es el tipo de poster que encuentras para las malas películas de drama en la mesa de hiper-saldos (y que con ver el poster ya sospechas porque las están rematando tan baratas). Pero luego estaba también Viggo Mortensen, y el asunto de Freud es un poco inesperado pero también bastante interesante.

Sabina Spielrein llega hasta el consultorio del doctor Carl Jung. La joven, visiblemente trastornada, sirve como paciente perfecta para que Jung comience a probar las teorías de Freud de modo práctico a través de su 'terapia del habla', lo que no sólo resulta bastante enriquecedor dado el contexto de la joven sino que ella misma comienza a mostrarse interesada y con talento para el campo. Jung comienza a estrechar su relación con Freud en virtud de sus apreciaciones pero también entre ambos comienzan a surgir ciertos roces propios de sus posiciones respecto al método que comienzan apenas a desarrollar. Y en general las tensas relaciones que se mantendrán entre el trío mencionado y algún que otro personaje relacionado con el ámbito social en que se movían por aquellas épocas.

La sinopsis suena terriblemente vaga y uno podría pensar que no especialmente atractiva, sin duda parte del reto era conseguir que no resultase una película más bien informativa y que perdiese intensidad una relación que resultó tan tensa como enriquecedora (en su momento y para la posteridad). Para ello Cronenberg se vale precisamente de hacer de su objeto la forma, ya que todo lo que se pueda percibir de manera teórica entre los estudios de los dos hombres (o las teorías que comienzan a esbozarse alrededor de Spielrein), lo vemos aplicado directamente a sus propias cuestiones personales, sus miedos, su relación con los otros (ya sean personas de la vida diaria o sus pacientes) y enfatizado sobre todo en los momentos en que sus propios comportamientos no eran coherentes con los hiper-análisis que hacían de ellos mismos. Más que correctamente transformados en sus personajes, Michael Fassbender y Viggo Mortensen consiguen darle toda la fuerza necesaria a ese drama intelectual de época.

Pero quizás la parte del problema comienza ahí, en pensar a Cronenberg detrás de la cámara de un drama de época. Mucho se ha comentado de que debe ser quizás la película con menos cohesión al resto de su filmografía, me atrevería a pensar que el curso de las evoluciones históricas de las tramas de Cronenberg responden a un orden extrañamente lógico. Si ya se ha marcado la diferencia entre su 'primera filmografía' y lo que representaron en su momento el conjunto de 'Una historia de violencia' y 'Promesas del este', se puede todavía decir que el tema central de todas sus historias ha sido siempre la transformación. O al menos en una amplia mayoría de los casos. Pero lo que antes era la transformación de un hombre en mosca o de un tipo explorando los límites de sus capacidades telequinéticos para dejar aflorar una suerte de 'su verdadero yo' de manera física, luego se convirtió en una transformación de la personalidad desdoblándose a voluntad (en las dos últimas películas dicho suceso es representado siempre por el personaje de Mortensen). Del mismo modo en que se ha vuelto más sutil es probable que también las transformaciones de los personajes de "Un método peligroso" sean todavía más sutiles y tengan lugar en una dimensión del inconsciente que apenas podemos suponer a través de las acciones de los protagonistas, especialmente de Carl Jung. Sin embargo en este punto es que se hecha de menos la plusvalía de Cronenberg para hacer del retrato de esta situación una producción mucho más contundente. Sin duda la realización es impecable, desde la mayoría de las actuaciones hasta los detalles más simples de los decorados, los diálogos, el desarrollo y etcétera, pero no deja de parecernos extremadamente correcto, y si bien no es de esperarse menos de tal director lo cierto es que 'correcto' no es el adjetivo más favorecedor para la labor anterior de Cronenberg.

Un detalle que no sé qué tanto hubiera podido jugar a favor de la producción es la elección de la protagonista. Si bien debo confesar que Keira Knightley no resultó tan terrible como yo hubiera esperado, lo cierto es que me parece que queda bastante claro que su capacidad histriónica es más bien limitada. Sobre todo al inicio, en que su personaje está increíblemente trastornado, no termina de lucir del todo convincente en sus ataques y en muchos momentos parece como si estuviera haciendo muecas deliberadamente. Ahí es cuando yo pensé que el asunto sería insostenible, pero cuando va pasando el tiempo y ella se muestra más bien como una persona más o menos normal pero con un gran número de manías y tics, entonces sí que llega a parecer al menos convincente y se deja ver el resto de la película. En donde también tengo que darle crédito que por una vez no esté poniendo expresiones todo el tiempo para verse sensual ya que le sienta a su personaje verse ligeramente desfavorecida gran parte del tiempo. Aunque viendo las pocas fotografías de la verdadera Sabina Spielrein sí parece que el casting (seguido por la elección de Michael Fassbender para Jung) deja en claro esa noción de que a nadie le importan los romances de época si los protagonistas no son atractivos. Como Freud no tiene intereses amorosos pues entonces Viggo puede engordar y verse sabio a secas sin mayor complicaciones, claro.

Otra mención destacable es para Vincent Cassel como Otto Gross, no sólo porque lo adore como actor sino porque me parece que es capaz de encarnar a sus personajes con una naturalidad abrumadora. Uno lo ve y pensaría que siempre es exactamente así. Una pena que su participación fuese más bien fugaz.

Una película correcta, perfectamente disfrutable, pero que se queda un poco en esa sensación de óscar (donde en la mayoría de los casos sabemos que están magníficamente bien hechas pero igual no nos marcarán mucho más después de verlas). Encima que el próximo proyecto de Cronenberg vaya a ser protagonizado por Robert Pattinson no sé cómo me hace sentir.

¿Película favorita sobre Freud?

"Gokudô heiki", Tak Sakaguchi & Yûdai Yamaguchi

2011-11-24T05:58:00.000-08:00

24/11/11

Vamos por la tercera pieza del maratón Japan Madness: "Yakuza weapon". Uno comienza a notar por dónde van estos extraños híbridos japoneses. Y ahora con otra pieza más del trío hiperbólico del que ya hemos hablado mucho con anterioridad: Tak Sakaguchi.

"Eres como el dios del trueno y yo el dios de la tormenta: siempre peleamos pero vivimos en la misma nube"

Lo cierto es que a mí Tak Sakaguchi suele remitirme inmediatamente a su papel como líder mutante travesti en "Mutant Girl Squad" pero tiene una larga filmografía por detrás, y si vamos hacia sus inicios nos encontramos inevitablemente con "Versus" de Ryûhei Kitamura. Donde más que esos elementos hiperbólico-cómicos con sangre al por mayor teníamos acción y violencia pura y dura, y algo así es a lo que quiere volver con "Yakuza weapon". Algo así.

Shozo Iwaki es el hijo de un líder yakuza pero lleva ya algunos años fuera de Japón peleando guerrillas por el mundo al más puro estilo Rambo. Si Rambo fuera un yakuza, supongo. Pero entonces su padre muere y, claro, tiene que regresar a Japón para vengar su muerte y derramar sangre yakuza al por mayor. Y básicamente eso es la trama, si es que a alguien le interesa realmente, en realidad es una trama excusa para que uno vea gente matándose en cada escena, chicas desnudas, un par de tópicos clásicos que se introducen de manera delirante (una especie de 'secuencia de matanza', corte, 'la nena de la película sigue enamorada de ti', corte, 'otra secuencia de matanza'), armas al por mayor, robots, explosiones, y todo lo que una película de acción pueda necesitar. Y de ahí seguimos a Shozo, esto es, a Sakaguchi, matando a un alto porcentajo de la población yakuza japonesa.

Ciertamente es una película entretenida pero mucho me temo que no tiene ningún elemento demasiado destacable. Sakaguchi tiene un gran carisma pero aquí parece como una más de sus aventuras y en realidad no logra un personaje tan fuerte como para que se equipare al que tiene en otras de sus películas. Las secuencias de acción están bien logradas y claramente hay un cuidado en que los detalles extraños aparezcan en todo momento pero siempre dentro de un margen razonable, o será que después de ver cosas tan raras uno se va a acostumbrando y entonces un paso hacia atrás ya le parece conservador. Oh.

Creo que se resume bastante diciendo que yo sí que disfruté mirándola pero ahora, apenas un mes y poquito después, ya no recuerdo demasiados detalles más que un par de escenas que sí que me gustaron, y dado que la trama es bastante típica no puedo asegurar que todo lo que creo recordar haya sucedido al pie o lo estoy asumiendo porque eso sería lo lógico en ese tipo de tramas. Vamos, que tampoco la volvería a ver.

Si bien no me parece algo raro de Sakaguchi, ya que me parece claro que es el menos inspirado del trío hiperbólico mencionado, creo que hubiera esperado un poco más de Yûdai Yamaguchi, de quien voy a referir "Meatball machine" pero que también ha participado en otros proyectos bastante interesantes. No es porque vaya a ser especialmente bueno pero sin duda me parecía que sus películas al menos no lo dejaban a uno del todo indiferente y tienen un toque de originalidad que hacen que trasciendan la simplicidad extravagante bajo la que son pensadas. Pero esta visto que aquí apostaron por el menos es más y el producto terminó siendo una prototípica película de acción que no te requiere pensar demasiado entre tiros y golpes y montón de huesos rotos.

¿Película favorita en que el protagónico esté vengando a su padre?

"Nintama Rantarô", Takashi Miike

2011-11-23T07:05:00.000-08:00

23/11/11

Continuando con el maratón psicotrónico japonés, nos encontrábamos con Miike de nuevo, ahora dirigiendo la adaptación de un famoso anime para niños sobre ninjas. Coloridos y pequeños ninjas. Por Miike. No hay que decirse mucho más.

"Lo que se necesita para ser ninja son agallas"

Yo cada vez estoy más convencida de que Miike debe tener alguna especie de lista (literal o metafórica) sobre los cada vez menos tipos de producciones que no ha hecho. Y ahora llegaba al punto en la lista de 'películas para niños'. Ya tenía algo más o menos cercano, en el apartado de películas para adolescentes con la desastrosa "Andromedia", pero ahora el asunto eran niños. (Ahí es debatible si "Yatterman" es o no totalmente del tipo 'para niños').

"Ninja boy Rantaro", el anime en el que está basado, trata sobre una escuela de ninjas y especialmente en las aventuras de Rantaro, el protagonista. La película sigue exactamente la misma premisa y nos introducimos del todo a esta situación cuando vemos a Rantaro entrar en la escuela (y narrarnos todo con voz en off) y conocer a sus compañeros y describirnos las situaciones y las dinámicas del día a día. Todo es tan particular como podría serlo una escuela llena de pequeños ninjas coloridos y aparecen también algunos enemigos que tratarán de fastidiar a la escuela y los directores casi pareciera por las ganas de hacer algo. Y en general toda situación que pueda generar relaciones entre los personajes, secuencias graciosas y acción ligera.

La verdad es que de entrada que habría que aclarar que la película sí que es bastante para niños, y no sólo por la elección de la trama sino porque en general se maneja con un humor muy ligero y simple y los mensajes que repite son los mismos que se veían constantemente en la serie (y en los animes de ese tipo) alrededor de la amistad y el valor. Aunque la producción es impecable en todos los sentidos, no hay nada que vaya a remitirnos al Miike 'oscuro' o de humor negro, e incluso las situaciones hiperbólicas son propias del género de anime y tan sólo nos retratadas de manera fiel por el director.

Nada de esto lo digo de modo eminentemente negativo porque yo considero que es también admirable que un director pueda moverse entre géneros con los requisitos que le exige cada género y sin necesidad de tener que poner elementos tópicos de su estilo sólo por marcar. Pero sí lo digo por la misma consideración de cuando uno va a ver una película de animación y sabe que del mismo modo en que puede trascender su condición de 'dirigida a un público infantil' también puede ser que se enfoque sólo en su público ideal y no mucho más. Si bien "Ninja kids" es ligera, divertida, y sobre todo tiene una puesta en escena increíble, en muchas veces su humor tan tiernito no terminaba de ganarme y sentía que, claramente, un niño disfrutaría con esos chistes mucho más que yo (ahí no sé cómo pensar la situación espectador infantil occidental vs ideal espectador infantil oriental, algún día tendré que hacer alguna prueba al respecto).

Uno de los aspectos que más me gustó de la película creo que también es uno de los que hizo que no tuviera la contundencia que yo hubiera querido, y es su fragmentación. Hay que recordar que la serie de Rantaro es larguísima, de más de mil capítulos, de modo que era difícil querer siquiera abarcar una mínima parte en un par de horas. De modo que está la estrategia típica hollywoodense de contarnos todo monumentalmente desde el inicio (y es que hay que ver los miles de reboots de superhéroes) o la estrategia de in medias res que quizás hubiera perdido a espectadores no avisados (y quizás de manera especial a los niños, oh). Así que Miike no se decanta por ninguna y usa una especie de fórmula episódica que si bien tiene una introducción bastante ideal para introducirnos en la situación, luego parece una serie de sketches diversos que no necesariamente se hilan unos con otros y que sólo terminan de armar una suerte de trama escogiendo uno de manera un poco particular. Y a mí me parece ideal porque entonces permite ver muchos más elementos, aunque sea de manera fugaz, de los que atenerse a una sola aventura de principio a fin hubiera permitido, y algunos de dichos elementos (especialmente los actores que encarnaban varios personajes, algunos recurrentes en películas de Miike con papeles totalmente distintos) sin duda eran más que maravillosos. Eso también permitía que el humor no se estancara en los mismos chistes y tuviéramos un abanico de posibilidades, pero también es cierto que eso da la sensación de que la película no es contundente de manera general y que se pierde un poco en su fragmentación, especialmente porque la 'línea principal' que es la que tiene solución hacia el final nunca nos da la sensación de ser del todo fuerte.

Otra posibilidad sería que muchos de esos elementos fugaces fuesen guiños importantes a conocedores de la serie y hubiese un segundo nivel de película que sólo está destinado a los iniciados en los miles de capítulos de Rantaro. Eso nunca lo sabré yo, al menos.

Este año parece no haber sido el mejor de Miike, no lo digo porque haya bajado en calidad sino porque creo que sus proyectos fueron más relajados de lo que nos tiene acostumbrados. Yo no quiero pensar eso que muchos afirman de que quizás las grandes producciones no le estén haciendo bien a su creatividad, o que se está estancando o nada, creo que un director tiene todo el derecho de reinventarse cada vez que quiera y sólo hay que esperar lo siguiente. Que para el próximo año ya nos está preparando otra adaptación de manga, de romance adolescente pero con un factor yakuza por ahí que espero esté bien aprovechado; y la adaptación de "Phoenix Wright: Ace Attorney" para que ahora pueda borrar también de su lista de pendiente aquello de 'adaptación de un videojuego'.

¿Película favorita sobre colegios de actividades inusuales?

"Denjin Zabôgâ", Noboru Iguchi

2011-11-22T06:45:00.000-08:00

22/11/11

Uno de los eventos que esperaba con más ansias era, claro está, el maratón de Japan Madness. ¿Pasar la noche entera despierta viendo películas hiperbólicas japonesas una tras otra? Era demasiado bueno para ser verdad. Y, bueno, para que quede claro abrimos con el buen Noboru Iguchi.

"Amo, luego destruyo"

El título en inglés de la película, y con el que se le presentó, es "Karate Robot Zaborgar" y es más o menos todo lo que necesitan saber sobre la película. Está basada en una serie japonesa de los 70 así que podrán notar todos los maravillosos tópicos del género, aunque la cuestión de mechas aquí es manejaba durante la mayor parte en un nivel más básico porque Zaborgar es del tamaño del protagonista, las cosas gigantes tendrán que aguantar hasta el final.

Como todos podrán deducir Zaborgar es un robot que pelea (karate) por la justicia en compañía de Yutaka Daimon. Juntos son un equipo fantástico pero claro que eso de pelear por la justicia está visto que siempre trae consecuencias nefastas. Como androides robots en ropa interior que quieren destruirlo a uno. La película se divide en dos partes: el momento de gloria del dúo que termina de manera dramática, y el veinte años después en que las ilusiones de ambos se pondrán a prueba una vez más.

Y todo esto es hablar demasiado de una película de la que queremos ver robots, karatazos y chicas en ropa interior, está más que claro.

Algo que yo había comentado antes sobre las producciones más recientes en la filmografía de Iguchi es que trataba de complicarse tanto con las tramas que en algún punto se perdía un poco el chiste. Tienes una geisha, es robot, no necesitas más, no te compliques más. Pero al poner subtrama tras otra a veces quedaba un poco como un chiste que se alargaba demasiado, y te sigue pareciendo bueno pero ya no tanto. Pues precisamente "Karate Robot Zaborgar" es una vuelta a sus raíces en la cultura clásica contemporánea y a la simpleza que este tipo de cine hiperbólico sabe más que apreciar. Todo lo que vemos es claramente es una repetición vertiginosa de tópicos sobre robots japoneses que luchan por la justicia (y también la imagen del idílico héroe épico moderno) pero es más que ampliamente disfrutable. El estilo de Iguchi está más que cuidado y ponemos notar cómo hasta los más pequeños detalles están pensados con un propósito concreto. Nada tiene ese aire de querer más trascendencia sino que se pase un raro más que bizarro pero entretenido, en que recuerdes probablemente algunas de las series que veías de pequeño y te rías de la ingenuidad de sus tramas.

Los actores están fantásticos, en especial Itsuji Itao quien encarna a Yutaka Daimon de mayor (y a quien vemos por segunda vez en el festival, ya que también había tenido un papel destacable en "Scabbard samurai"), aunque su versión joven, interpretada por Yasuhisa Furuhara tampoco está mal. Y como siempre (es casi un clásico en este tipo de subgénero), por ahí aparece fugazmente mi amada Asami, parece que las películas de Iguchi y Nishimura no están completas sin ella.

Es obvio que uno tiene que sentirse un poco atraído por los elementos particulares de la película para disfrutarla, y sobre todo estar conscientes que es básicamente un divertimento para pasar un rato raro raro. Todo eso excelentemente realizado, por supuesto.

¿Película favorita sobre robots humanoides?

"Fuk sau che chi sei", Ching-Po Wong

2011-11-20T06:48:00.001-08:00

20/11/11

Después de haber sido defraudada por los grandes nombres teníamos que conformarnos con la idea de que quizás las películas de las que no se esperaba nada todavía pudieran darnos algo, quizás por las bajas expectativas al respecto. "Revenge: A love story" parecía otra película más sobre venganzas asiáticas. Pero eso no estaba mal, me gustan las venganzas asiáticas.

"They saw the moment when god and the devil shook hands"

Lo único que tenía un poco en contra la película y por lo que no estaba especialmente emocionada de verla era por el recursito odioso de promocionarse colgándose de otra película: "De los productores de 'Dream Home'". De un par de los productores de 'Dream Home' para ser exactos. Y encima es que pese a los buenos comentarios que recibió 'Dream home' el año pasado la verdad es que a mí no me gustó especialmente más allá de su excelente planteamiento, así que la relación resultaba un poco contraproducente.

Un grupo de policías comienza a trabajar sobre el caso de un aparente asesino en serie de mujeres embarazadas. Un brutal asesino en serie de mujeres embarazadas y ya se imaginarán lo que eso significa. Encima la pareja de una de las víctimas es uno de los miembros usuales del escuadrón, y otro de los elementos lleva un par de días sin aparecerse. Todo sucede demasiado rápido y todavía ni han podido detenerse a pensar qué diablos está pasando cuando atrapan a un supuesto sospechoso (con toda la legalidad que podemos imaginar de la policía china, la verdad), un hombre que ya antes había sido arrestado por el mismo grupo en distintas condiciones. Y sin duda todo lo que está sucediendo no es sino cada vez más confuso.

A mí es que me ganan con asesinos en serie originales. No es que jamás se hayan visto secuencias de mujeres embarazadas siendo asesinadas pero en un par de secuencias ya atrapaste al público, además de que la excelente fotografía y el manejo de escenas hacen lo suyo. Los personajes se ven bien delineados y especialmente el sospechoso no podría verse más sospechoso, pero la historia apenas está a punto de comenzar.

Una vez que ya tuvimos nuestra dosis de películas que se toman las dos horas para planear una venganza como es debido, ahora parece que serán relevadas por aquellas donde la venganza parece ya haber comenzado y el asunto es descubrir qué es lo que la motiva antes de que sea demasiado tarde (al menos para los involucrados). Aquí comenzamos de manera vertiginosa y al igual que el escuadrón no tenemos ni tiempo de pensar qué pasa cuando ya estamos en medio de hechos que se siguen unos a otros rápidamente. Además contados casi a manera de cuento, de forma episódica, caótica y breve, en algún punto comienzan los flashbacks y ahí es cuando podemos ir comenzando a intuir la forma que tendrá todo, mientras que en tiempo real la gente sigue corriendo y golpeándose y en general siendo malas personas. Por otro lado es de agradecerse que el punch principal de la película no sea la sorpresa, al menos en su estructura principal, si bien tenemos que ir descubriendo lo que motivó los hechos tampoco es que sea el gran misterio que lo explique todo y hacia la mitad ya tenemos una noción bastante general de lo que sucede y esto se vuelve tan solo un elemento más en una trama movida principalmente por excelentes escenas de acción y, claro, venganza. Venganza por todas partes, no sabe fallar. Además que el personaje protagónico es una maravilla, con un número más que reducido de diálogos y condicionado a parecer un retrasado (ante los ojos de los demás) en muchos de los momentos, consigue un personaje fantástico y más que sólido. De esos elementos que dan gusto en las películas de acción.

El elemento clave aquí es la corrupción policíaca, que cada vez nos queda más claro que es terrible. Aquí va a más de la simple enunciación burocrática incluyendo unas escenas terriblemente duras e incómodas y sin querer incluir puntos medios en los personajes que quizás no están del todo involucrados.

Si bien debo decir que a mí particularmente no me gustó el final pero no se debe a un problema de guión o desarrollo sino más bien a la vida. Por más que una película sea dura supongo que uno siempre espera una suerte de pequeña justicia divina que ponga las cosas al menos un poquito en su lugar. La idea tan universal de que la venganza es inútil aquí es llevada a su máxima expresión con unas secuencias finales desoladoras que sin duda dejarán indignado al espectador, pero creo que precisamente eso buscan (y aún más, son escenas más que bien presentadas). Y creo que incluso esa sensación de disgusto con la resolución final sólo sirve para que vuelva a pensar más en el conjunto de la película y la siga encontrando como un excelente thriller de venganza, un género que me parece que es cada vez más difícil de afrontar actualmente por la abundancia de producciones al respecto.

¿Película favorita sobre la inutilidad de la venganza?

"Ichimei", Takashi Miike

2011-11-19T05:12:00.001-08:00

19/11/11

Y bueno, esta película creo que la estaba esperando desde el Sitges pasado, ¿Takashi Miike remakeando a Masaki Kobayashi? Era como tener los regalos navideños por adelantado.

"El honor de un guerrero no es algo que se lleva sólo para aparentar"

Estaba consciente de que es difícil hacer un remake de un clásico sin necesariamente defraudar a los que son fans, y quizás debí tomar en cuenta que yo personalmente soy muy crítica con las revisiones de películas que me gustan, pero la verdad es que confiaba en Miike, y con el precedente de "13 asesinos" pensé que no podría ser tan malo.

Muchos sabrán de qué va la película, o el título "Harakiri" les indicará sutilmente por dónde pensar.

Hanshirô Tsugumo es un samurai que pide audiencia con el damnyo de una casa, algo así como el equivalente al señor feudal samurai. Aunque no lo recibe el señor mismo le dan audiencia y él solicita que le presten el noble patio de aquel lugar para que lleve a cabo el suicidio ritual. Explica que se encuentra ahora en la desgracia y pobreza extrema y que su condición de samurai no le indica otro camino que una muerte digna. En la casa tratan de convencerlo contándole una historia sobre otro samurai en un caso similar, pero la posición de Hanshirô es bastante clara y, además, él también tiene una historia que contar a todos los que conforman el clan de esa casa.

A mí me parece que la historia, así de manera concreta y general, es ya de por sí buena y como estructura narrativa permite que al menos el desarrollo dé lugar para toda clase de momentos: acción, drama, y en especial discursos alrededor del honor o deshonor del samurai. Eso no es sorpresa alguna, además que por todas las recientes películas de Miike ya con mucho más presupuesto sabemos que en cuestión de producción no se le puede presentar queja alguna. La puesta en escena, la recreación de época, la mayoría de las elecciones de sus actores principales, todo estaba perfectamente colocado para una obra de la calidad necesaria. ¿Cuál es el problema?

El problema es, esencialmente, que hayas visto la obra original y tengas su contexto. "Sepukku" de Kobayashi no es sólo una obra más entre tantos clásicos de samurai sino que es probablemente una de las más importantes jamás hechas dentro del género (y quizás mi favorita, oh, que me perdone Kurosawa). Además tiene un mensaje muy claro, una crítica muy dura a la degeneración del sistema del código de honor del guerrero que se mostraba en el momento histórico en que ya comenzaban a declinar como casta. De modo que su película era dura, sin concesiones, y con un claro sentimiento de desesperanza que no lograba redimir las acciones desesperadas de los protagonistas. A pesar de su larga duración (quizás no demasiada pero sobrepasando por poco las dos horas) uno tiene la sensación de que con un mínimo de explicaciones el tiempo corre en la medida exacta aunque en realidad se suceda casi toda la trama en una sola acción. Con una puesta en escena mucho más reducida y un juego más limitado a la presencia y el diálogo del trío protagónico, "Seppuku" conseguía hacer una revisión crítica del género samurai y de la propia figura del guerrero y todo su sistema filosófico de un modo magistral.

Bueno, ya la reseñaré luego así que para qué hablo.

Miike opta por hacer un acercamiento diferente a la misma historia, lo cual en principio está bien porque nadie espera tampoco un remake exactamente igual. El problema es que me parece que se decanta por la perspectiva más obvia y menos rica en toda esta historia: el melodrama de trasfondo. Además, ¿Miike? ¿Melodrama? A lo mejor es que tenía que tachar ese género de su cada vez más corta lista de géneros que no ha dirigido. Ajam, es claro que parte de la idea de "Harakiri" (desde la concepción de la historia) es que toda circunstancia tiene una explicación detrás, que un hombre no llega a pedir que le permitan cortarse el estómago sencillamente porque sí. Y eso ya lo sabíamos desde la original pero si ahí no planeaba justificar del todo las acciones de Hanshirô más que darles un trasfondo, aquí se vuelven prácticamente la acción principal de la trama. Y es innecesario en muchos momentos, cosas que podrían haberse enunciado y las entenderíamos en la dimensión necesaria aquí se recrean en sus tragedias hasta que le quede más que claro al espectador lo trágicas que son. Y aunque me parece que Hikari Mitsushima (apareciendo por segunda vez en las pantallas del festival) y Eita cumplen bien con sus papeles, al final casi todas sus secuencias me parecen bastante innecesarias y que podrían haberse recortado sin afectar al resultado total de la historia.

Eso va en detrimento de los momentos de tensión en la propia secuencia dentro de la casa, en la cual si bien las dos figuras principales (samurai en desgracia y dignatario al que se refiere) están bastante bien llevadas por los actores, se pierde una figura que para mí era clave en la original por una mala elección de actor: Hikokuro Omodaka, principal guerrero encargado de la defensa del lugar, resulta una figura más fuerte que los propios señores en la original y en la nueva versión se pierde entre su bandita de gamberros sin que importe realmente quién es quién o la razón por la que actúan.

Para colmo de malos hay una suerte de guiño al honor hacia el final de la película que me parece que desentona con lo que debería ser un final abrumadoramente devastador.

Miike compensa algunos de estos puntos débiles con otros en los que es un maestro como es el retrato de la violencia explícita y las secuencias de acción. Y tampoco quiero exagerar porque lo cierto es que si la película se mira de manera individual está muy bien hecha y es una buena revisión actual de un género que se ha perdido un poco al menos del modo en que solía hacerse de manera clásica. El 3D que tiene no es nada molesto porque hace lo que yo creo que debería hacer un buen 3D que es darle profundidad a los escenarios pero lo cierto es que no es "Avatar" (de la que sólo defenderé su 3D) y aunque no le quede del todo mal sí es por completo prescindible.

Y sí, uno no debería juzgar del todo una película en virtud de su versión original pero aquí tiene que perdonarme Miike y sabe todo lo que lo adoro, pero se queda muy muy lejos de la maravillosa obra maestra que es la película de Kobayashi.

¿Película favorita que involucre un harakiri?

"Twixt", Francis Ford Coppola

2011-11-17T08:07:00.001-08:00

17/11/11

Siendo el día en que se me juntaban más producciones rimbombantes, esperaba al menos que algo bueno saliera del conjunto, pero tras empezar con el pie equivocado con "Melancolía" ya me sentía a la defensiva. Y seguíamos ahora con Francis Ford Coppola.

"Compartiremos este pequeño fantasma, amigo mío"

Creo que desde su producción anterior, "Tetro", Coppola ya nos iba advirtiendo que no estaba en el mejor momento de su carrera. Y siguiendo la línea de la reseña anterior, aquí también nos aparece una gran analogía de ello en la figura de Val Kilmer, o diremos Hall Baltimore, un escritor de terror que vive de sus viejas glorias y se ve obligado a repetir eternamente sus tópicos en espera de que alguno de sus libros pueda venderse. Pasando además por un bloqueo creativo y emocional, es perfectamente descrito al inicio de la película como 'el Stephen King de saldos'.

¿Nos está diciendo Francis Ford Coppola que está pasando por un bloqueo creativo y emocional y que necesita un Virgilio/Edgar Allan Poe para pasar ese bache pero mientras tanto nos va a dejar una terrible película para que veamos? Eso parece.

Baltimore llega a un pequeño pueblo en su ruta de ventas y aunque no parece que vaya a haber nada especialmente emocionante conoce al sheriff, un hombre obsesionado con las novelas oscuras y de misterio y que le ofrece de manera confusa escribir una historia juntos. Baltimore debió verlo a kilómetros, porque el sheriff lo engatusa con una historia ancestral de un hotel donde varios niños murieron pero luego le habla un aparente asesino en serie actual que anda matando muchachitas con una estaca. Igual no lo culpo pro haberse quedado en el pueblo porque parecía que era lo más emocionante que le pasaba a su vida en los últimos años. ¿Y asesino serial con estacas? Bueno, hasta yo me hubiera quedado.

En este punto debo confesar que yo hasta comenzaba a tener esperanzas en la película. El estilo busca evidentemente verse algo gótico y la idea del hotel abandonado donde ocurrió una masacre infantil me sonaba muy oldschool, como una buena novela de Stephen King, vamos. El problema es que mientras Baltimore comienza a entrar en situaciones comienza la explosión de elementos raros.

Yo no voy a culparlos por poner a Edgar Allan Poe ahí de por medio, en especial porque Ben Chaplin realmente se ve como Edgar Allan Poe. Su labor es debatible pero de manera estética como personaje queda bien. El sheriff ya de por sí era un elemento raro pero a este se va a agregar todavía la pequeña Elle Fanning entre fantasmagórica y vampírica. Si de por si la joven Fanning está apareciendo hasta en la sopa, su personaje es tan tópico que a veces duelen los ojos de ver sus efectivos de 'estoy en blanco y negro pero mis elementos rosados brillan'. Parece sacado de esas páginas de 'efectos que usan los novatos que creen que entienden de photoshop' y me resultaban no sólo molesto sino hasta fuera de lugar, junto con su personaje. A eso le sumaremos el líder vampírico de una secta que se cree intelectual, la figura de un sacerdote extremo, y una larga lista de personajes que no sólo no son especialmente originales sino que parecen regodearse en sus tópicos hasta confundir por completo al espectador.

Llegado a un punto ya uno sabe que la película es insalvable. Yo ya no estaba seguro de cuál era la trama principal, sin duda Kilmer lo sabía todavía menos, y hacia el final parecía que todo era una gran broma donde el único que se iba a reír era Coppola, claramente.

Encima de todo en imdb tiene siete estrellitas. ¡Siete! Tiene más que "Tetro" que, aunque no me pareció una buena película, me parecía mucho más salvable. Porque aquí a menos que rías por no llorar la verdad es que no sé qué más se puede hacer. Además que creo que entra claramente en esa categoría (donde creo también se encuentran algunos proyectos últimos de Woody Allen) de películas que si fueran de otro director todos estarían de acuerdo en que son malas. En que quizás tienen algunos elementos rescatables pero que en general son malas.

Y si las cosas no se podían poner peor, encima el 3D es una estafa mayúscula. Yo me estaba preguntando si la única que tenía problemas era yo pero nada, te quitabas las gafas y veías exactamente igual. Yo ya estaba pensando si uno puede reclamar su dinero bajo la extravagante excusa de que nada estuvo en tercera dimensión pero entonces, oh, aparece una escena al estilo de las series de televisión ochenteras para las que a veces podías usar los lentes de cartón 3D que venían en tu cereal, en que unos enormes lentes animados te avisaban "¡ey! ¡ésta es una escena 3D!". Que por si no fuera poco insultar al público de esa manera, eran escenas innecesariamente 3D. Se que que eran los momentos con profundidad de campo y el equipo de producción dijo "sí, sí, aquí quizás-enelmenosmalodeloscasos- podría quedar eso de 3D para cobrar más cara la 3D.

Y todos sabemos que los chicos cool de hoy en día están haciendo sus películas con 3D, Coppola no se podía quedar atrás.

Es una pena porque en general uno no espera que directores consagrados hagan películas tan malas. Yo no sé si uno yendo advertido al menos encontrarla soportable, o quizás deban pensar que van al cine para ver una de esas adaptaciones televisivas de novelitas adolescentes de terror (ya saben, revivan sus épocas de R.L. Stine) y entonces, quizás, no sea tan terriblemente mala. Pero yo la verdad no puedo disculparlo. Una pena.

¿Película favorita sobre escritores con bloqueo creativo?

"Melancholia", Lars von Trier

2011-11-16T06:44:00.000-08:00

16/11/11

Y tenemos la primera película a reseñar de Lars von Trier en este espacio. Uy. Y, bueno, debo decir que no soy especialmente fanática del director pero ésta la esperaba hasta con un poco de ansias después de "Anticristo".

"La Tierra es malvada. No debemos sentir pena por ella"

Ya en clase habíamos comentado alguna vez que Lars von Trier no es sólo un director al que se odia o se ama sin puntos intermedios, sino que aún más es un director del que puedes amar una película y odiar la siguiente. También sin puntos intermedios. Y yo estaba a punto de descubrirlo.

"Melancolía", de entrada, se inscribe en este nuevo grupo de películas (bueno, la idea no es nueva pero ahora ha vuelto a cobrar fuerza, parece) que parecen hechas para engañar a los amantes de la ciencia ficción para que vayan a ver dramas intimistas sin estar del todo conscientes. ¿Que un planeta está por chocar contra la tierra para precipitar el fin del mundo? Bueno, no esperen ver a Kirsten Dunst vestida con un traje de astronauta, o luchando por su vida en un buker contra el fin del mundo, o en general no esperen verla haciendo nada porque se la pasa más bien apagada toda la película.

Como ya muchos sabrán la película se divide en dos partes. En la primera vemos la incómoda boda de Kirsten Dunst con Alexander Skarsgard. La segunda parte es sobre la vida en la casa de su hermana, intepretada por Charlotte Gainsbourg. En ambos casos sabemos que hay un planeta nuevo dando vueltas por ahí y haciéndose notar para incomodar a los personajes.

Dado que no me parece pertinente revelar nada más de la trama voy a asumir que todos están conscientes de cuál es la gran alegoría de todo esto. Y si lo consideran un spoiler no me culpen a mí, culpen al título. La melancolía. Kirsten Dunst está deprimida toda la santa película. Toda. Y en general ese es el hilo conductor de todos los eventos porque, también pueden adivinar, todo tiene que ver con la melancolía. Que ahí yo tengo que decir que si bien me parece un buen título para una película, o un improbable pero bonito nombre para un nuevo planeta, el hecho de que todo en la película tenga que ver con ese estado de ánimo y encima todos los nombres propios lo confirmen me parece que es suponer que si no les das las cosas con diagramas a tus espectadores no se van a enterar de nada.

La película me pareció casi insoportable. Digo casi porque sí que tiene algunos buenos momentos, tiene una buena fotografía y escenarios, pero también siento que todos esos elementos están igualmente en "Anticristo" (en algunos casos casi calcados, como la secuencia inicial) que también me parece una película abrumadoramente mejor. En alguna parte leí (no sé con cuánto conocimiento de causa lo decían) que Lars von Trier hizo la película precisamente para reflejar su propio estado de ánimo. Eso, que tuvo un bajón y pensó que estaría bien mostrarlo en una película. Lo cual no tiene nada de malo pero mi impresión es que creía que sus espectadores jamás habían pasado por una depresión grave y por eso mismo tenía que darles las cosas del modo más explícito posible. Que si la depresión no te hace disfrutar de las cosas que usualmente disfrutas, y ahí tenemos que poner la escenita de Kirsten Dunst llorando porque no le gusta su platillo favorito. Y como ese ejemplo muchos, todo en la película está hecho de modo tan evidente que llegado un punto me pareció insostenible y sólo esperaba la colisión interplanetaria.

Que además tampoco entiendo el revuelo alrededor de Kirsten Dunst. Yo no tengo nada contra ella y aunque me parece que no tiene demasiadas joyas en su filmografía es una actriz a la que me agrada ver, y si bien lo esencial aquí es que el personaje (y la seriedad de la película) se salen de su línea habitual de elección, no creo que haya hecho un trabajo realmente destacable. Porque de hecho el mismo papel de chiquilla berrinchuda ya lo hemos visto en otros personajes, quizás menos 'melancólicos', pero en acción lo mismo. Y es que si lo pienso en comparación a dos años antes en que Charlotte Gainsbourg se llevó también la palma de oro en Cannes a mejor actriz por "Anticristo" o en su momento Bjork por "Dancer in the dark", me parece que no hay ni punto de comparación en sus actuaciones. Y no es que crea que lo haya hecho particularmente mal, sólo creo que no tuvo nada de excepcional. Como toda la película, básicamente.

Yo creo que la película busca desesperadamente la trascendencia y que eso, por momentos, es lo que consigue impresionar, pero detrás de ese intento me parece que hay un hueco que se quiere llenar de referencias. Leí que von Trier se baso libremente en la obra de teatro de "Las criadas" de Jean Genet y, oh, hubiera deseado que utilizara más el texto porque a lo mejor un poco de sadomasoquismo hubiera hecho maravillas con la trama. Si acaso pienso que podría ser peor, porque no me imagino en absoluto a Penélope Cruz en el papel protagónico (y rechazó participar con el director danés por irse a filmar "Piratas del Caribe elnúmeroenelquevayan").

Y sé que seguro muchas personas van a responder que ellas amaron incondicionalmente esta película, o que odiaron a muerte "Anticristo". Y eso sólo confirmará una vez más que Lars von Trier es un androide que juega con nuestras mentes. (O que la apreciación del cine, como de cualquier arte, es subjetiva, la opción que les guste más).

¿Película favorita de Lars von Trier?

"Emergo", Carles Torrens

2011-11-15T07:29:00.000-08:00

15/11/11

Por fin algo que pareciera aunque sea un poquito de terror. Y recuerdo que cuando comenzó la película yo pensé '¿pero no era española?' pero ajá, parece ser otra de las producciones españoles que se camuflajean por anglosajonas.

"Te aseguro que no existe nada sobrenatural. Porque no se puede trascender a la naturaleza"

Porque siempre quedan temas para tratarse al estilo cámara en mano. Y, bueno, en realidad los fantasmas ya se habían tratado así que las particularidades las tenía que dar la historia en sí.

Un padre viudo vive con sus dos hijos (un niño pequeño y una adolescente problemática) en un pequeño apartamento. Se habían mudado de su casa por ciertos incidentes paranormales tras la muerte de su mujer y, qué felicidad, las fuerzas paranormales los siguieron a su nuevo departamento. Recurren a la ayuda obvia: un equipo de investigadoras de lo paranormal que se instalaran en su departamento por algunos días tratando de descubrir lo que sucede y erradicarlo de ser posible.

La película la seguimos a través de las varias cámaras con las que se mueve el equipo, ya sean las que van colocando en la casa o con las que se graban a sí mismos documentando su propio trabajo. Parte de la diferencia que establece con otras películas siguiendo fenómenos similares está en la línea de documentación estrictamente seria por un equipo de investigadores que se dedican de manera formal a estos casos, nada de amateurs queriendo grabar cosas siniestras con cámaras cualquieras o grupos de frikis de lo paranormal con un montón de aparatos. Aquí vamos en serio, señores.

El otro punto, y que para mí resultó de lo más interesante, y quizás sea un gran spoiler para los que no han leído demasiado de términos 'técnicos' para estos casos (porque yo creo que el asunto es relativamente evidente desde el inicio) (tampoco creo que sea un gran giro argumental pero si temes que te arruine algo de la película, deja de leer este apartado), es que el caso siga las líneas claras de un caso de poltergeist. A mí esa línea entre lo psicológico y lo sobrenatural me pareció de lo más interesante y creo que no recuerdo ninguna otra película que la trabajara de manera clara (y, no, no voy a contar "Poltergeist" aquí) . También se podría argumentar que el caso que aquí se presentan es casi de manual de investigador paranormal (la presentación del individuo-foco, la estructura del fenómeno en sí y sus manifestaciones) y eso a veces le quita un poco la sorpresa si uno ya lo ve venir desde varias escenas antes, pero dejando de lado el esperar que la película 'sorprenda' creo que lo presentan de manera bastante lograda e interesante.

Eso sí, hacia el final final tratan de darle un nuevo giro a la trama que ahí sí que siento que arruina un poco el tono general de la película, pero si uno olvida en concreto la última escena se puede minimizar el daño.

Eso sí, quizás habría que advertir que la película no es en sí de miedo la mayor parte del tiempo. Recuerdo un par de sustos relevantes pero en general se centra en provocar inquietud o en interesar al espectador por el caso, la mayor parte de los momentos de 'tensión' parecen puestos para seguir la situación más que para generar temor en sí. Para ello tampoco se ahonda demasiado en los personajes más allá de la información que puedan dar, de modo que en general cumplen con su función de un modo correcto pero limitado y eso puede hacer que por momentos el desarrollo de la trama se sienta un poco débil, especialmente en lo que respecta a la participación de la familia. Muchas veces parece que tenemos que ir atando cabos entre una información y otra más que los propios personajes muestren una evolución congruente que lo sustente. Yo siento, además, eso es aún más notorio en el personaje de la hija adolescente, que además de ser insoportable (pero dado que es una adolescente rebelde no se le puede pedir mucho más), se muestra bastante plana en los momentos en que tendría que tener cambios más radicales, de modo que su personaje nunca cobra del todo la fuerza que debería.

Si bien es una película interesante, de corta duración (dura apenas un poco más de una hora), queda más como algo que verías por la televisión un domingo que como algo que irías a ver al cine. Y sobre todo no es una película que vaya a provocar miedo que quizás sea lo que muchos busquen en una película estilo falso documental sobre fantasmas.

¿Película favorita sobre investigadores de lo paranormal?

"Hwanghae", Hong-jin Na

2011-11-14T06:23:00.000-08:00

14/11/11

Está visto que lo mejor es no tener grandes expectativas sobre las películas para que sean una buena sorpresa. "The yellow sea" era dirigida por el mismo director que "The chaser" y era un thriller coreano. Ya hablamos de que los thrillers coreanos no pueden fallar. Pero la principal razón por la que decidí verla es porque la situación comenzaba en una zona entre Corea del Norte y China.

"Me voy a morir aquí, pero antes de que eso suceda quiero saber por qué"

Yo esperaba ver un poco más de la situación de Corea del Norte pero nada, la zona está tan cerca de China que prácticamente voy a deducir que se ve prácticamente como un barrio chino lleno de coreanos. Aún así el contexto sirve bastante bien para introducir de manera bastante oportuna y original el thriller: Un taxista norcoreano malvive entre el trabajo y las apuestas después de que su esposa se fue a Corea del Sur a tratar de conseguir dinero para la familia y desapareció. Todos le dicen que seguro ya se consiguió alguien más y dejó todo atrás pero él se niega a creerlo, encima le quedó la deuda de lo que tuvieron que pagar por su transporte ilegal. Uno de sus cobradores habituales le dice que podría tener un buen trabajo para arreglar la deuda y lo presenta con un mafioso que le explica el sencillo trato: él viaje a Corea del Sur con algún transporte de inmigrantes, allá tiene diez días para asesinar a alguien y volver, si lo hace le perdonan la deuda, le dan un dinerito extra y lo regresan a Corea del Sur para que rehaga su vida. Si no regresa matan a lo que queda de su familia (su madre y su hija). Gran trato. Pero si algo hemos aprendido es que no hay tratos sencillos cuando se está lidiando con una mafia asiática.

La película se divide fácilmente en dos partes. La que es la introducción y la llegada del personaje a Corea del Sur y la realización de su objetivo. La segunda que es huir, porque las cosas no podrían sino salir mal y ahora te echas encima a todas las mafias que se crucen en el camino. Todas. Así que de algún modo retomamos la universal idea de que cualquier coreano puede convertirse en un arma mortal si le llega el momento indicado (aquí porque no hay motivo de venganza específico, pero casi). Repitiendo colaboración con el director los roles protagónicos corren a cargo de Jung-woo Ha y Yun-seok Kim en un juego de cazador-presa similar al que ya habíamos visto en "The chaser" (si bien ahí los roles de 'bueno y malo' eran inversos, la persecución corría en la misma dirección) pero con más acción. Mucha más acción.

La película tiene varios elementos fugaces que me parece que le dan una dimensión todavía mejor a la estructura básica de thriller. El primero es la relación social cotidiana entre las dos Coreas, y por esto me refiero a la presencia de inmigrantes norcoreanos en tierras surcoreanas y el modo en que se integran (o no) en la sociedad. El tema lo habíamos comentado ya con "The journals of Musan" pero ahí se veía de manera quizás demasiado individual y tajante, aquí sí que los percibimos como una presencia extendida y con una tensión constante. Otro punto es también el manejo de las investigaciones policíacas para casos criminales que aparece en una subtrama y que es un tema algo recurrente en el cine de este país.

Otros elementos más de cuestión de estilo es la notoria ausencia de armas de fuego que hace que casi todas las escenas de violencia se resuelvan con cuchillos y similares. No sólo las hace más sangrientas y requiere una cercanía mayor entre los participantes, pero creo que le da un buen toque a los personajes, especialmente en el caso de los mafiosos que quedan bastante oldschool. En esta misma línea debo decir que las secuencias de acción son fantásticas, y el hecho de que un gran número de ellas sean corriendo para mí reforzó el sentido 'cotidiano' de un thriller sin duda hiperbólico.

Y es que he leído varias críticas que dicen que la presencia de toda esa acción exagerada demerita las cuestiones sociales de fondo. Yo creo que si el director hubiera querido hacer una crítica social realista y explícita la habría hecho pero esto es un thriller. Y para mí la incorporación de un trasfondo cultural realista sólo ayuda para darle una mejor dimensión a algo que es claramente ficción. O seré yo que siempre prefiero enterarme de las cosas mientras alguien corre por su vida en busca de venganza. Seguro que así resuelven las cosas en Corea y nosotros ni enterados.

Otras críticas también consideran que la película está bien pero que no es mejor que "The chaser". Sin duda la primera película del director resulta más conclusiva y redonda dado que se trata también de una trama mucho más sencilla y concreta, pero a mí por el contrario me parece que, siguiendo en su misma línea, el director ha mostrado un gran avance en manejo de la acción, conformación de los personajes y manejo de distintas líneas argumentales, todo lo cual hace de "The yellow sea" sin duda una gran película con todas sus letras.

Hong-jin Na se llevó, bien merecido, el premio a mejor director de esta edición del festival.

No sólo es un director al que me parece hay que tener en la mira de ahora en adelante, sino también habría que buscar más en la filmografía de los dos actores protagónicos entre los que resulta difícil decidir cuál queda mejor (tanto en la dimensión de su personaje como en su actuación) que el otro. Excelentes pilares para una película de acción.

¿Película favorita en que una mafia viaja a otro país?

"Sumagurâ: Omae no mirai o erabe", Katsuhito Ishii

2011-11-12T09:29:00.000-08:00

12/11/11

Y ahora sí, la nueva película de Katsuhito Ishii, "Smuggler". Por la reseña y la imagen parecía seguir un poco la línea de esa nueva estética animesca para películas de acción (y para eso pienso inmediatamente en Takashi Miike, claro) y no sabía si eso me convencía del todo. Tampoco demasiado la trama pero bueno, había que darle el voto de confianza al director.

"No vivas como un perdedor atrapado en una vida que no quieres. Has que tu más grande mentira sea verdad"

Basado en un manga de Shôhei Manabe sobre un joven sin dirección que termina endeudándose con una pequeña organización yakuza y para poder pagarles se ve obligado a aceptar un trabajo como 'transportista'. Uno puede suponer que ese término, relacionado con un grupo yakuza, no puede traer nada bueno. Así que en compañía de Joe y Jijii se encargan de limpiar y deshacerse de lo que se les ordene. En general tampoco parece un mal trabajo y no se meten demasiado en líos hasta que uno de los jefes yakuza que los contrata se mete en líos con la mafia china y una serie de terribles enredos llega a involucrarlos en una situación poco favorecedora.

Curiosamente el manga en que está basado, si bien es corto y sucede casi exacto lo mismo que en la película (en líneas generales), tiene un estilo de lo más sobrio y alejado de muchas convenciones del manga y anime que precisamente la película trata de retomar. El personaje que estéticamente más destaca en ambos elementos, que es Spine, un extravagante (y muy efectivo) asesino chino, es manejado de manera mucho más simple en el dibujo que en su recreación cinematográfica (magníficamente llevaba a cabo por Masanobu Andô). Y de resto poco más destacan a nivel de presencia de personajes, cosa que cambia por completo en manos de Ishii que dota a cada uno de los personajes clave de una presencia y una complejidad mucho más rica (tanto visualmente como de participación en la trama) de lo que les daba originalmente la historia. Uno de los casos más claros es el de Kawashima Seiji, la mano derecha del líder yakuza en cuestión, quien es el manga se ve de lo más genérico (dejando de lado sus tendencias sádicas y su lealtad ciega al jefe) y que en la película, si bien a veces parece caer en una suerte de guiño a Kakihara (el yakuza sádico por excelencia) (irónicamente), muestra una presencia mucho más fuerte comenzando por su propia apariencia física. Al igual que el caso del prestamista donde decide cambiarse radicalmente a un personaje femenino y con una moda japonesamente extravagante. Algo similar sucede también con Tanuma Chiharu, interpretada por la bella Hikari Mitsushima, donde el plus al personaje también se lo da el propia aura de la actriz y su interpretación (más que correcta a pesar de ser un personaje más bien fugaz).

La estructura de la película es bastante parecida a los enredos de acción de muchas películas yakuza (sobre todo más contemporáneas porque aquí de sentido del deber o similares vemos más bien poco), pero añadiéndole elementos particulares como el punto de vista de unos personajes inusuales y la figura del asesino hiperbólico que se desliga de toda la red de jerarquías de la mafia para moverse por sus propias motivaciones. En ese punto Masanobu Andô tiene que esforzarse poco para hacer de Spine un personaje que sin duda aportará una gran parte de la fuerza y encanto de la historia (no parece resultar difícil para él, algunos lo recordaran como el 'estudiante transferido' de "Battle Royale" que me parece no tuvo un solo diálogo en la película y aún así marcó precedentes).

De resto debo decir que como película de acción es más que entretenida, que las secuencias de pelea están más que bien logradas (aún en los momentos en que se vuelven surrealmente delirantes) y que la particular recreación de la 'estética animesca' resulta tan convincente como alejada de la que habían mostrado otros directores (lo cual siempre es de agradecerse).

Habíamos hablado ya de Katsuhito Ishii hace no demasiado con la reseña de "Shark skin man and peach hip girl" y creo que lo que comenzaba a mostrar entonces que podría hacer con el 'nuevo' género yakuza sin duda se ha visto más que maravillosamente reflejado en esta pieza. Con una historia relativamente simple creo que ha conseguido fantásticos resultados.

¿Película favorita de acción desde la perspectiva de un personaje poco convencional?

"Tezuka Osamu no budda: Akai sabaku yo! Utsukushiku", Kôzô Morishita

2011-11-11T04:23:00.001-08:00

11/11/11

Ya nos tocaba algo de animación, que de por sí suelen ser más bien pocas las películas con esta técnica que suelen pasarse en Sitges como para que las dejara pasar. Ésta, además, basada en la obra del gran Osamu Tezuka (no por nada lo ponen directamente en el título) y sobre la vida de Buda.

"Aquellos que son capaces de sentir el dolor ajeno como propio deben ser capaces de encontrar su camino en la vida"

Sólo con ver la imagen pueden notar el primer elemento importante y probablemente una de las cosas que más salta cuando comienzas a ver la película: el estilo no es precisamente el de Osamu Tezuka. Para los que crean que no tienen idea de cuál es el estilo de Tezuka, sólo tienen que pensar en su obra más famosa, "Astroboy". No sé si sencillamente se haya optado por el estilo con el que está más familiarizado el director (que va más hacia "Los caballeros del zodiaco", de los que ha dirigido un par de películas) o fuese una decisión más consciente tomando en cuenta que el estilo de Tezuka puede resultar a veces un poco infantil, sobre todo si su finalidad es presentar una épica como la que se buscaba con este proyecto.

Creo que 'historia sobre la vida de Buda' se dice muy sencillo pero en realidad yo no tenía ninguna idea de cómo había sido la vida de Buda. Y aquí nos remontamos a orígenes más que específicos al comenzar la narración incluso antes de que el personaje naciera, y sumergiéndonos por completo en el mundo, entre histórico y ficticio, que Tezuka fue tejiendo para explicar el mito (en alguna parte leí que se tomó ciertas libertades con la historia pero ahí sí que no puedo precisar de qué magnitud fueron).

La historia es interesante pero el primer problema para juzgarla (o reseñarla al menos), proviene de que está pensada como una trilogía y nos encontramos tan sólo ante su primera parte. Y ya sabemos que en esos casos las partes individuales pueden resultar autoconcluyentes o no, y aunque aquí se cierra un poco el ciclo concreto que se venía tratando lo cierto es que el final tiene un aire más que claro de 'continuará' que te deja con la sensación de que no has visto la película completa. Y hay algunos elementos que yo creo no se puede entender del todo para qué fueron puestos ahí dado que no han tenido su explicación debida (que quiero suponer que se entenderá conforme vaya avanzando más la historia en las siguientes películas), como es el caso de algunas subtramas que incluso llegaban a tomar el rol de figuras principales por momentos y que luego parece que desaparecieran sin mayor relevancia ante el 'ahora sí vamos a hablar de Buda, con permiso'.

La otra opción es que esas tramas estuvieran puestas ahí para darle el tono épico que la propia historia de Buda no tiene al menos durante sus primeros años. Sí que se supone que desde pequeño se le auguró un destino trascendente pero los hechos verdaderamente importantes llegarían hasta su madurez, de modo que mientras tanto vemos otros personajes asociados con otros aspectos sociales o culturales del momento, como la pobreza, la guerra, la vida particular de los religiosos y algunas nociones sobrenaturales propias de las narraciones antiguas, que le dan al menos a la primera parte de esta historia el toque épico que necesita antes de que la propia figura vaya a sostenerlo a continuación.

De modo que es difícil decir mucho más sobre la película sino como la introducción de algo: que está muy bien realizada, que a mí el estilo de animación me pareció más que adecuado, y que resulta un seguimiento interesante a una figura de la que se habla mucho pero en la que quizás se profundiza poco (aunque este mismo seguimiento pueda ser un poco confuso por momentos y uno tiene que prestarle la atención debida para no perderse). Pero creo que todo esto se comprobará o se refutará o se reforzará en las siguientes películas, aunque al parecer no tienen siquiera una fecha tentativa de estreno (y dado que leí que este proyecto concreto tomó más años de lo esperado, no sé si deberíamos hacernos a la idea de que no veremos el resto de la trilogía pronto).

Sería uno de los casos en los que yo usualmente me esperaría a que ya estuvieran disponibles todas las películas para verlas de golpe, pero no siempre uno puede disponer de las cosas como le gustaría.

¿Película favorita relacionada con la figura de Buda o el budismo?

"Quantum Men", Carlos Serrano Azcona

2011-11-10T04:07:00.000-08:00

10/11/11

Para variar un poco: algo que no sea asiático. Mejor aún, que sea un documental y que tenga que ver con la familia Jodorowsky. Que yo no soy muy fan de ellos pero el solo término 'psicochamanismo' ya suena bastante interesante.

"Confía en los principios, no en las personalidades"

Quienes estén familiarizados con el trabajo de Alejandro Jodorowsky fuera de las pantallas puede que les suene el término de psicomagia. Es una especie de propuesta terapéutica que en el creador ha conformado a partir de un poco de psicoanálisis, un poco de filosofía zen, un poco de teatro y más cosas que seguro no puedo precisar. Sé que tiene libros al respecto pero en realidad no estoy completamente segura de todo lo que abarque.

Luego está el psicochamanismo, que en el caso del documental nos es presentado por Cristóbal Jodorowsky, hijo del cineasta. En ningún punto refiere a su padre ni hace una distinción clara con la psicomagia pero sin duda la trata como una entidad aparte y me atrevo a sugerir que la diferencia radical pueda ser que se sirve precisamente de rituales de chamanismo o brujería como base para exponenciar los efectos de los elementos de psicoanálisis y teatro. Pero veamos, un paso a la vez.

La figura central del documental es sin duda Cristóbal Jodorowsky, aunque no sabremos más de él que su seguimiento por esta propuesta de sanación que se nos introducirá de modo un poco caótico.

De manera general creo que podemos decir que la película se divide un poco entre la presentación de los elementos chamánicos, el proceso de interpretación de Cristóbal, y luego sus métodos de trabajo.

Cuando comienza a hablar de rituales de brujería o similares la verdad es que uno no sabe bien por dónde tirar. Él mismo enuncia las verdades y los engaños de los mismos, y las mismas prácticas no creo que escapen a un gran número de personas que las han visto incluso en la vida diaria (yo creo que gran parte de América Latina aún tiene relación constante con esta parte de su historia). Y después de que lo vemos visitando distintos tipos de chamanes o brujos y exponiendo sus diversas técnicas es cuando nos introduce realmente su propuesta, el modo en que estos rituales de paso ayudaban de manera concreta a las sociedades donde se gestaron de un modo en que el psicoanálisis no se ha atrevido a llegar en la actualidad. Esto, conjugado con lo que parece ser una investigación profunda del individuo y un trato bastante personal llevan a propuestas de terapia bastante radicales. Con él vemos tanto sus viajes en grupo donde acuden a 'centros de poder' para llevar a cabo sus 'rituales', tanto como las puestas en escena que realiza dentro de sus estudios con lo que parece ser la ayuda de un grupo de teatro entrenado para la situación.

Hay mucho de provocador en estas propuestas y uno puede estar o no de acuerdo con ellas, pero sin duda hay que reconocerles que tienen una ideología clara detrás de ella. Una de las mejores cosas del documental, que no sé si les habrá sucedido a todos, es que pasan de creer que el asunto es sencillamente descabellado a darle el beneficio de la duda a pensar que puede que en casos realmente funcione. En una de las secuencias finales, donde mostraba la 'terapia' de una chica que tenía que confrontar la figura de unos padres opresivos y 'liberarse' para poder realmente vivir su vida; la puesta en escena que se le hace es realmente shockeante para ella y lleva la noción de 'liberarse' hasta un sentido casi literal, que si bien puede generar un fuerte momento de tensión en el individuo también me parece que tiene un poco más de posibilidades de funcionar que una serie de pacíficas visitas a un terapeuta. Pero, como todo, no es una ciencia exacta.

Debo decir también que como figura creo que Cristóbal me ha cautivado un poco más de su padre, y se muestra como alguien más que interesante y un poco menos extravagante (a pesar de lo que sus propuestas puedan hacernos creer). Vamos, que hasta me puse a revisar su página pensando en la clase de experiencia que deben ser esos viajes rituales. Sin duda suena como algo de lo más interesante para sumergirse, con el debido recelo.

Haciendo un vago recuento creo que fue el documental que más me gustó (en la medida de estar bien hecho y ser bastante interesante, supongo) de los presentados este año en Sitges.

¿Documental favorito sobre métodos de sanación o similares?

"Onna no kappa", Shinji Imaoka

2011-11-08T11:20:00.000-08:00

08/11/11

En cambio hay películas que tienen tantos elementos a favor que hasta comienzas a sospechar que hay una trampa detrás. A "Underwater love" le traía ganas desde meses atrás que me la había comentado mi hermano por el asunto de los kappas, criaturas mitológicas japonesas que son una suerte de tortugas humanoides. Y eran kappas enamoradas, hacía falta más. Y la película era un musical, musicalizado por Stereo Total cantando en japonés. Y con fotografía de Christopher Doyle. Ahí tenía que haber alguna trampa.

"Hay que hacerlo y confiar en ello. El agua me llevará"

Asuka no tiene una vida particularmente buena pero se mantiene bastante positiva al respecto: tiene un trabajo nada especial en una procesadora de pescado, apenas se ha comprometido con su jefe aunque algunos piensan que es ya algo grande para casarse, y en general sus días transcurren sin ninguna sorpresa. Hasta que se encuentra un kappa en un lago cerca de su trabajo, cosa de nada. Encima el kappa es la reencarnación de un amigo suyo de la escuela que murió ahogado y ahora quiere disfrutar un poco de su regreso al mundo humano e insiste en quedarse con ella y tratar de incorporarse a la vida diaria. Y algunas cosas más que podrían representar pequeños problemas para Asuka.

Quizás la trampa es que uno espera algo hiperbólico y la película desde el inicio deja claro que pese a sus extraños elementos nos encontramos ante una historia sin grandes pretensiones. Ah, y a todo esto la película es una especie de revisión medio tierna de las pinku eiga, esto es, las películas pornográficas japonesas. A la mínima provocación aparecen escenas sexuales que, si tenemos en cuenta que uno de los personajes principales es mitad tortuga, pueden resultar un poco grotescas para espectadores sensibles. Pero eso se compensa cuando después todos empiezan a cantar felizmente en medio del lago con la curiosa entonación japonesa de la vocalista de Stereo Total.

El asunto es ese, la película es más bien sencilla y si bien se puede disfrutar bastante como tal eso también significa que ninguno de sus elementos más atractivos realmente destacan. El asunto de los kappas es curioso pero se da tan por sentado desde el inicio que en realidad fuera de algunos guiños cómicos y la generación de todas las situaciones siguientes pues no tiene mucho más. Lo de musical pues a mí ya saben que particularmente no me gustan mucho así que queda bien, por ser raro, pero creo que yo habría quitado algún par de secuencias musicales. Sobre el asunto porno pues, cumple con los mínimos requisitos pero tampoco se puede agregar mucho más al respecto. Y en general es una película algo tonta para ver sin pensar y reírse un poco sin pensar y con suerte hasta encontrarle algo tiernito sin pensar.

Desgraciadamente debo decir que la fotografía de Christopher Doyle no luce en absoluto. O quizás no sea 'en absoluto' pero si lo ponemos junto a cualquiera de sus grandes trabajos pues importa muy poco si es de él o no, que sí que está cuidada y bien hecha y puedo entender que seguro que la gente del rodaje se divirtió quizás hasta un poco más que los espectadores, pero de resto nada especial.

De lo más agradable de la película probablemente sea la protagonista, Sawa Masaki, quien tiene un gran carisma pero que muchas veces el personaje no la dejaba lucirse demasiado y la limitaba a verse algo tonta. Y de resto yo diría que para tener kappas pues tampoco se aprovecha demasiado bien (ni siquiera en el aspecto extravagante) la mitología japonesa.

Vamos, que de manera general no la recomendaría más que como un divertimento casual del que no se debe esperar mucho más que, eso, divertir, casualmente.

¿Película favorita con criaturas mitológicas acuáticas?

"Zhao shi gu er", Kaige Chen

2011-11-07T12:36:00.000-08:00

07/11/11

Otra de las películas que no tenía especiales ganas de ver pero por ser asiáticas tenía menos motivos para resistirme. Además de que parecía de esas épicas de época chinas que no suelen fallar.

"No quiero matarle aún. Quiero que viva una vida peor que la muerte"

Si algo hemos aprendido de las películas de época es que antes la gente vivía melodramática y complejamente. Dado que las esperanzas de vida eran cortas uno tenía que aprovechar el poco tiempo que tenía en arruinarle la vida a los otros y urdir complicadas tramas que siguiesen aún después de la muerte. Todo eso lo hemos perdido actualmente a excepción de los héroes vengadores surcoreanos que mantienen vivo el espíritu, pero de resto nos queda conformarnos con estas historias.

Para no hacer una sinopsis puntual, que no tiene demasiado caso, voy a presentar un esbozo que sonará de lo más vago (pero es deliberado, que lo sepan): en la corte china, como en tantas otras cortes, las uniones y separaciones responden a motivos de conveniencia y pueden despertar rencores inauditos. En este caso tenemos dos familias que rozan con el poder, una por derecho y la otra por mero deseo, y todo termina en tragedia. Como suelen terminar las cosas. Pero además termina en la confusión entre dos bebés que nadie está seguro en un punto de cuál es cuál: uno es el hijo prematuro de una joven noble, último descendiente de su estirpe, y el otro es el primogénito del médico de la ciudad que estaba en el momento equivocado en el lugar equivocado. Y, tragedia. Ahora sólo uno de los bebés crecerá para ocupar el lugar que le corresponde y para cumplir con un designio funesto.

Iba a decir: 'vamos, que lo pudo haber escrito Shakespeare'. Pero seguro que Shakespeare lo hacía más melodramático y más complejo.

Al inicio es un poco complejo ir siguiendo quién es quién y por qué odia a quién pero por suerte el ritmo va facilitando que el seguimiento tampoco sea tan confuso como podría ser y en realidad aunque describirlo de manera puntual pueda ser complicado, es la trama básica de 'mi familia odia a tu familia y hará lo posible por manchar tu apellido o cosas peores'. Pero con el toque chino, claro, tenían su modo de hacer las cosas. Y la verdad es que el planteamiento de la trama es bastante afortunado especialmente porque uno se siente en la misma encrucijada entre el deber y la propia sangre, situación que se pone a prueba en más de un momento y que uno ya no sabe ni cómo sentirse al respecto.

El asunto es que la película tiene un largo desarrollo, de unos veinte años o algo así, y pues para irlo mostrando se fragmenta en secuencias de momentos clave en esos años. La primera es la introducción y es ciertamente la más prolongada, pero a partir de ahí seguiremos el crecimiento del niño en cuestión a lo largo de su vida, y aquí creo que es donde comienza a fallar un poco el ritmo. Porque creo que este tipo de historias deberían ir in crescendo para conseguir la fuerza trágica hacia el final (estoy pensando en "La maldición de la flor dorada" que si bien se supone es una situación que se ha ido gestando por años, el periodo que vemos durante la película es breve y conciso), mientras que aquí muchos de los fragmentos responden a sus propios propósitos y son casi una entidad cerrada. De modo que vemos en uno la relación entre los personajes tomando en cuenta la edad del niño y para el siguiente la misma relación puede haber cambiado drásticamente. Y eso es lógico si lo vemos desde la perspectiva de que, claro, el niño crece y muchas cosas de su enfoque de vida cambian, pero al ser escenas consecutivas uno tiene la sensación de que es un poco incongruente.

El siguiente punto es que, claro, yo probablemente esté muy malacostumbrada por Shakespeare (y es de los pocos momentos en que me lamento de mi occidental posición) a ver tragedias redondísimas, donde cada elemento está perfectamente relacionado con el siguiente y con el abrumador desenlace. Aquí esto no sucede, y eso no sería necesariamente un punto demasiado negativo sino se estuviera tan pendiente de ello. La leyenda en la que se basa es suficientemente vaga como para que sobresalgan los puntos importantes nada más y después la épica se dibuja sobre ella pero parece enunciarse más veces de la que se concreta. Todo parece indicarnos que debemos esperar un punto álgido bastante fuerte pero secuencia tras secuencia, con su ritmo irregular, nos vamos dando cuenta que ese punto no llega. Y no llega quizás porque lo estamos esperando de un modo muy concreto (también es cierto que la propia trama nos induce un poco a ello).

Sin duda es una película bien hecha, entretenida y con elementos independientes destacables, pero no tiene lo que yo creo que es fundamental para una épica: no hay ningún momento en que golpee de frente al espectador con su grandiosidad (la épica me parece que debe ser siempre un discurso un poco grandilocuente). Y si uno va esperando algo así pues se quedará esperándolo en vano.

En su momento pensé que había sido algo así como 'la película del día' pero seguro sólo lo pensé porque de manera inmediata "Milocrorze" era demasiado rara para tomársela del todo en serio. Ahora en retrospectiva sé que es rara y maravillosa, y si bien "Sacrifice" está bien lograda tampoco va a marcar ninguna referencia, sobre todo si la ponemos junto a tantas otras películas de época chinas tan fantásticas que han salido en los últimos años.

¿Película favorita basada en una leyenda clásica?