"Titus", Julie Taymor

29/09/10
Adaptar cinematográficamente a Shakespeare es una empresa que todo director debe enfrentar con miedo, mucho miedo. A menos de que seas Peter Greenaway. O Julie Taymor. Y estés muy seguro de lo que se debe hacer.
Es una pena que no haya mejores fotogramas rondando por internet porque aunque el personaje de Tamora es increíblemente fantástico, lo cierto es que la imagen no muestra ni un poco de las capacidades estéticas que Taymor es capaz de conseguir.



"I'll find a day to massacre them all and raze their faction and their family, the cruel father and his traitorous sons, to whom I sued for my dear son's life, and make them know what 'tis to let a queen kneel in the streets and beg for grace in vain"

Sin duda "Titus" no es una de las obras más conocidas de Shakespeare y Taymor lo sabía, sin embargo su primer acercamiento directo a la obra fue una puesta en escena tras la cual consideró que sin duda era un buen proyecto como para continuarlo con una película. Y el bien que nos hizo. Hay un juego de temporalidades tan extraño, con un ritmo tan propio, que nos confunde y nos atrapa.
Durante la introducción vemos a un chico, en una casa contemporánea, jugando y destrozando todo y manifestando sin mucho contexto su ira. Luego algo cambia y parece que él se trasladara a una época antigua aunque muchas cosas modernas permanecen en ella, una especie de sueño anacrónico en que el niño verá representado ante él la vida de Titus cual si fuera una obra de teatro, y no.

Titus es un importante militar romano que regresa a su ciudad natal sólo para encontrarse con la reciente muerte del César y la lucha por la sucesión al trono entre sus dos hijos. Aunque para esto primero ha descargado el justo castigo ante la reina de las nuevas tierras conquistadas, Tamora, asesinando a su primogénito y condenándolos a vivir a ella y sus otros dos hijos como esclavos. Posteriormente, por ser reconocido como uno de los militares más apreciados por el pueblo, se le pide a Titus que se incline ante alguno de los hijos del César para favorecer su postulación. Por una parte está Saturninus, el primogénito aunque resulta un poco siniestro y es poco querido por el pueblo, y Bassianus, el menor pero con un aura de sabiduría y bondad. Titus, que no puede ir contra las leyes ya establecidas, considera que debe ser siempre el primogénito el que ocupe el trono aunque no parezca lo más adecuado, y aún más acepta comprometer a su hija Lavinia con Saturninus aunque ella está secretamente enamorada de Bassianus, con quien huye manchando la honra del nuevo emperador. Para lo cual toma por esposa a Tamora, la reina en desgracia, quien aprovechará su nueva posición para hacer pagar a Titus por el irreparable daño de haber matado a uno de sus hijos.

Como buena tragedia, Shakespeare nos enseña que no importa que siempre hayas obrado con rectitud y conforme a las tradiciones antiguas, igual te puede ir absolutamente mal en la vida y es algo que Titus sufrirá en carne propia durante el resto de la trama donde todas las conspiraciones parecen ir contra él. Él, quien defendió a Roma con su vida una y otra vez y sobrevivió a mil batallas, ahora le toca mirar como su hogar va siendo destruido de las formas más dolorosas por fuerzas externas y crueles. La épica íntima que Titus atraviesa durante este periodo es desgarradora y conmovedora, al mismo tiempo representando un derrumbe total y una entereza triste.

En todo esto lo que destaca, de entrada, es la capacidad de Taymor de hacernos enfrentar a un texto clásico con una naturalidad que es casi engañosa. Tenemos esa extraña mezcla de teatralidad con realismo, de elementos modernos con antiguos, de representanción al pie de la letra con performance. De tal modo consigue una mezcla tan extraña como convincente que no llegará a conflictuarnos demasiado que veamos a Jonathan Rhys Meyers recitan puntualmente los diálogos de Shakespeare mientras viste unos pantalones de cuero imitando piel de serpiente y llevando el cabello largo y teñido. Por mencionar una de tantas particulares imágenes que se compondrán a lo largo de la película. Además que todos sabemos que en el aspecto visual la directora es un monumento: desde los vestidos, los motivos pictóricos, las escenografías (qué casas, cómo se la debieron de haber pasado los romanos) (no puedo dejar de pensar en las camas del palacio, son mi nuevo sueño imposible), todo está maravillosamente cuidado para resultar espectacular.

Y de actores ni que decir, tanto los que ya sabemos que no podían decepcionarnos, como Anthony Hopkins (en el que veremos un guiño a otro de sus personajes) como Jessica Lange, hasta los un poco menos conocidos como Harry Lennix que, para mí, tiene uno de los personajes que se llevan la película.

Deslumbrante, fascinante, y una tragedia fantástica en toda la extensión de la palabra.




¿Película favorita que sea una adaptación de Shakespeare?

"Shura Yukihime", Shinsuke Sato

28/09/10
Uno se emociona viendo buenas películas asiáticas seguidas y ya luego no razona y sólo quiere más y más. Y como yo tenía por ahí algunas que aún no había visto de mis bellas y baratas ediciones asiáticas decidí ver con mi hermana "The Princess Blade". Vamos, que tenía una chica en portada con una gran espada. Y yo caí.



"500 years had passed and still the country remained closed. Cut off from the world, knowing neither hope nor despair the land breathed an air of quiet stagnation"

Ahí es cuando sabemos que no todo lo que es Asia es oro. Oh. Bueno, tampoco exageremos, que la película no es tan mala mala, pero si uno viene de una racha de Johnnie To y Takashi Miike y escoge una película desconocida a ver si puede sacar algo de ella, es fácil que vaya a decepcionarse.

La película trata de ser un poco futurística-samurai, aunque sin mostrar ni lo futuro ni muchos samurais. Bueno, la gente con espadas ya está, que es lo que importa. Nos cuenta la leyenda de que el país se separó porque un grupo de, ajam, nobles de linaje relativo a espadas, se destruyó desde dentro y ahora los que quedaron del grupo se han vuelto sicarios que aceptan cualquier encargo con tal de mostrar sus grandes habilidades bélicas. Y ya, viven como parias y tienen normas muy estrictas para no ser descubiertos y continuar viviendo tal como lo han hecho hasta entonces.
En dicho grupo está Yuki, nuestra protagonista, que aunque es joven tiene un gran potencial con la espada ya que es la última descendiente de la casa Takemikazuchi, el linaje mencionado. Pero conforme comienza a gestarse una nueva lucha en que el grupo será contratado por el gobierno para deshacerse de los rebeldes que los amenazan (cosa que por lógica debería ir contra sus principios, pero ya se sabe que los sicarios sólo tienen al dinero por principio), Yuki irá descubriendo cosas que no le gustan demasiado de ese grupo al que le prometió fidelidad y del que ya no será demasiado fácil escapar.

Todo esto muy bonito pero en realidad se resume en dos escenas en que Yuki se da cuenta de que su nuevo líder fue quien traicionó a todos y se larga. Ahora la persiguen para matarla y ella termina atrapada en la casa de un tipo medio extraño que tiene una hermana medio comatosa en el ático. El bello hogar al que Yuki siempre quiso pertenecer.

Para lidiar con el bajo presupuesto en realidad toda la película tiene cuatro locaciones. El bosque, que es donde sucede el 80% de la acción y donde todos se pelean y pelean y pelean. La casa del tipo extraño, donde pasan el 18% del tiempo restante mientras Yuki se da cuenta que all she needs is love. Y de resto un par de tomas, una en el palacio real abandonado de la familia y otra en el bunker secreto de los sicarios. Todo muy oscuro y abandonado para resultar atemporal.
De resto, pelean, que por cierto no son peleas lo suficientemente buenas como para que uno las disfrute y olvide todo lo demás. Y se trata de armar extrañamente una trama que no sabemos a dónde va. Nunca acaban de enunciar una estructura de complot real, nunca ahondan demasiado en la traición y la conformación de los dos grupos antagónicos, nunca nos metemos mucho en la cabeza de Yuki más que para saber que es dura pero tiene un buen corazón, ni mucho menos con la gente que conoce que apenas si habla. Tampoco se entiende muy bien la idea de los rebeldes ni del gobierno actual, en realidad la película debería sostenerse sobre las peleas pero no lo hace demasiado bien.
Así que su principal problema, podríamos decir, que es aburrida. Muy aburrida. Y eso en una película de acción que dura apenas hora y media es mortal. No lo sé, creo que sencillamente le faltó destacar en algo (ya sean grandes coreografías, o una protagonista con un gran carisma, o, ey, una buena trama), de modo que se queda camino a cualquier cosa y uno se aburre rápidamente de ello y no le interesa ver mucho más. Sumado a que las atmósferas tienen algo extraño que no atrapa ni repele y uno no sabe bien cómo interpretarlo.

Y Yumiko Shaku, la protagonista, tiene algo extraño. No sé decir bien qué sea porque no creo que actue mal ni nada. Pero, hay algo en ella que no convence. No sé si es que el personaje no le favoreció demasiado tampoco pero uno no termina de creérsela o entenderla o gustarle. Además que tiene los hombros raros o algo así en su fisionomía que nos deja la sensación de que hay algo mal con su cuerpo.
Sumado a que no convence demasiado como una maestra con la espada. No lo sé, no lo sé.

Grave error mirarla, y ya digo que no tanto porque sea malísima porque tampoco lo es (vamos, que he visto tantas películas tan malas que ya casi soy inmune) (casi), pero sin duda que uno viene encarrilado de grandes películas y se topa con una gran decepción. Una pena porque esas bellas ediciones asiáticas no me habían fallado hasta ahora.




¿Película favorita donde la protagonista sea una mujer y su arma?

"Yattâman", Takashi Miike

27/09/10
Entonces Miike revisó la lista de todas las combinaciones posibles entre géneros cinematográficos y se dijo: oh, pero si aún no he hecho una adaptación live-action de un anime. Y gracias a que Miike no sólo es un buen director sino también un buen otaku, contamos con esta versión del conocido anime de "Yatterman" que reta a la noción de que todas las adaptaciones de caricaturas tienen que ser necesariamente malas.
Y yo, ¿cómo iba a perderme esto?



"¡Mientras Yatterman exista el mal no prosperará en este mundo! ¡Devolveremos la luz a este mundo de tinieblas!"

En realidad el anime yo no lo he visto, así que por la parte de la adaptación no puedo hablar demasiado pero de lo que sí puedo hablar es de la estética visual del anime (como género amplio). Pero, ajam, eso viene después.

"Yatterman" es un anime que comenzó en 1977 y que duró varios años y unos cuantos cientos de episodios. Tuvo una especie de breve remake que también se transmitió por televisión en Japón durante el 2008. Algunos de sus personajes ya habían salido anteriormente en otras series que conformaban a "Time Bokan". Y en el 2009 Miike no pudo resistirse a ponerle las manos encima y, además, aceptar un buen presupuesto para manejar el tema como era debido (y eso que todos sabemos que Miike ama sus bajos presupuestos).

La idea del anime que es también el concepto central de la película es bastante tópico y es algo que encontraremos recurrentemente a lo largo de un montón de animes. Pero, recuerden, eso era 1977. Ajam. Yatterman es un equipo conformado por el dúo de jóvenes, Gan Takada y Ai Kaminari, que además son pareja, y su enorme perro robot, Omotchama. Por otro lado está el trío de villanos conformado por la bella Doronjo y sus feos secuaces Boyacky y Tonzura. Ellos están en busca de las piedras calavera que están esparcidas por varios sitios del mundo y que su jefe les mandó buscar, mientras que Yatterman parece más interesado en frustrar sus intentos más que conseguir para sí mismos las piedras calavera. Bue, en la película también están ayudando a una chica cuyo padre arqueólogo desapareció en la búsqueda de las piedras.

Y, básicamente eso. Algo fantástico resulta al darse cuenta que, con todo, es una serie que inspiró muchas cosas. Por una parte hay un montón de referencias a los personajes icónicos de Mario y compañía, de nintendo, ya sea porque los uniformes de Yatterman dan un dejo a plomero tanto porque los asistentes de Doronjo son idénticos a Warrio y Waluigi (bue, quizá en el anime original no son tan idénticos, pero está claro el aire). Este mismo trío es imposible que no nos recuerde de algún modo al conocido Equipo Rocket de Pokemón, y un montón de detalles más.

Ahora bien, el punto central de esta reseña es que Miike toma la idea más esteotípica del anime, la esencia máxima de la trama animesca, y la lleva completamente a otra dimensión. A diferencia de todos los otros horribles intentos de live-action que hemos visto y en que todo termina por ser ridículo de algún modo, Miike convierte toda esa hipérbole propia del anime en una estética propia, sin tratar de emular una seriedad 'realista' que no va para nada con la trama. De tal modo que las acciones, los diálogos, la puesta en escena toda y cada uno de sus modos, están completamente inspirados por el modo en que las tramas tienen lugar en la animación. Conformando no sólo una visión fantástica sino dándole un toque magnífico a una película que por sí misma debía ser cómica. Los personajes son entrañables, toda la parafernalia de los robots gigantes y las misiones que sólo tienen sentido por sí mismas son fantásticas, y especialmente la película tiene un gran sentido del absurdo (y un sentido de lo verosimil también pero siempre respondiendo a la noción animesca) que la hacen de lo más disfrutable. Además que es fantástico ver a Miike aprovechando al máximo sus recursos, si es cierto que puede hacer grandes películas con dos pesos y la cámara más barata, también demuestra que cuando le dan presupuesto sabe poner las cosas en su lugar y hacer que todo brille.
La música animesca ni qué decir. Con su opening y ending y todo. Al final no podrán dejar de repetir "¡Yattâ! ¡Yattâ! ¡Yattâman!". Con coreografía ridícula y todo.

Yo siempre me he sentido más inclinada hacia los villanos que a los héroes, y lo cierto es que por momentos Yatterman es tan ideal que llega a resultar soso. No así el trío de villanos patéticos que son magníficos. Algo en que se destacan en la película (no sé si eso saldría también en el anime) y que es un gran detalle, es que muestran sus estrategias económicas para conseguir el dinero para sus planes malévolos. Un detallazo.

¿Qué decir? Que me encantó, disfruté como niña. Y adoré a Miike, como debe ser.




¿Película favorita basada en un anime?

"Fuk sau", Johnnie To

26/09/10
Me encontré con esta película por casualidad y yo juraba que /cinema_asiatico me la había recomendado por lo que la vi inmediatamente. Luego él me dijo que en realidad no le gustaba tanto así que descarto la posibilidad. No sé dónde la habré escuchado, si es que lo hice antes, pero Johnnie To nunca está de más en mi vida.



"But I must take revenge before I forget everything"

La película, que es mejor conocida como "Vengeance", está considerada generalmente como una obra menor en la filmografía de Johnnie To, pero a mí me ha llegado en el mejor momento y del menor modo. Y está claro que decir 'obra menor' es apenas una comparación mínima cuando estamos hablando de un excelente director como To.

La trama se inserta fácilmente dentro del típico género de "ellos se metieron con su familia y ahora él los harán sufrir larga y tendidamente por ello". Nuestra primera escena comienza con una familia donde la mujer es francesa y el hombre chino, tienen sus niños, todo feliz, y antes de que podamos parpadear llegan unos tipos armados y todo se va al diablo. Corte. Un hombre mayor tiene que viajar desde Francia a Macao para encontrarse con su hija salvajemente herida y al borde de la muerte, única sobreviviente de la masacre familiar. Con el mínimo movimiento con que cuenta le pide a su padre una sola cosa: venganza.
Francis Costello es un hombre mayor en una ciudad que no conoce de nada y donde apenas puede moverse. Sin embargo tiene muy claro lo que tiene que hacer y va involucrándose en situaciones apropiadas hasta que se encuentra con un grupo de sicarios en un hotel. Sin pensarlo dos veces les ofrece todas sus propiedades a cambio de que lo ayuden a cumplir su venganza, a lo que el grupo se dispone gustosamente (un restaurante y una casa en París, ¿quién se negaría?). Pero adentrarse en las organizaciones chinas puede resultar una tarea mucho más complicada y peligrosa de lo que parece.

Pero hay todavía un gancho más, y es que Johnnie To no puede dejarnos nada más así: Francis tiene una bala alojada en el cerebro que no ha podido ser extraída, a raíz de eso su memoria ha ido menguando y sabe que dentro de poco no recordará nada. Y no hay nada más desesperante para un hombre que debe cumplir una venganza que saber que podría perderse en cualquier punto de ese camino.
El segundo gancho también son las relaciones de honor entre amigos, o entre sicarios, que es un tópico en el que el director ya ha profundizado magníficamente en otras de sus películas y aquí no podía ser menos. El modo en que la relación entre Costello y los sicarios va evolucionando desde la interacción meramente de negocios hasta una confianza mutua convierte la venganza en un asunto general, como si de pronto fuese una necesidad innegable aún para ellos que han trabajo siempre por dinero. Y pone también en duda las razones por las que se han movido en su trabajo durante tanto tiempo.

En el aspecto de la memoria creo que uno podría remitirse fácilmente a "Memento" pero he de decirles que aunque sin duda es una cuestión similar, el modo en que se maneja es distinto. Sin duda el punto clave es que en "Memento" tenemos una condición específica de la memoria mientras que aquí es una degenaración que no sigue un proceso específico. Costello pasará de momentos de lucidez a perderse por completo, o no recordar cosas específicas. Además que por su edad hay momentos en que parece perder toda su capacidad de valerse por sí mismo y esa situación resulta tan desgarradora como la historia que está viviendo (y el modo en que los sicarios entran al rescate es igualmente conmovedor).

Sin duda la película también se destaca por unas grandes actuaciones, donde Johnny Hallyday se lleva las palmas como el protagónico. Y lo mismo va para los sicarios, donde yo destaco como siempre a Anthony Wong Chau-Sang a quien siempre disfruto mirando en lo que sea (y como mafioso chino le va de lo mejor, debo decir). La relación entre ellos es la que se lleva la mayor parte de la película aunque está claro que las escenas de acción también son una delicia. Un elemento en el que To no nos falla nunca. Cómo me encanta el modo en que retrata los disparos, no puedo evitarlo.

Sin duda, por la trama mucho más tópica de un thriller, puede que sea considerada como una pieza menor del director, pero debo decir que a mí me encantó por completo. Despoja el sentido de la venganza de todo contexto hasta convertirla en una fuerza retórica por sí misma. Magnífica.
Y Macao cada vez me parece un sitio más bello. O será que las tramas de To son las que me atraen hacia ella. Oh.




¿Película favorita de Johnnie To?

"¿No oyes ladrar los perros?", François Reichenbach

25/09/10
Sí, esta entrada fácilmente competiría al premio de peor fotograma jamás usado en este espacio. Pero les aseguro que la única otra imagen que encontré de la película era aún peor, así que tendremos que aguantar incluso las letras superpuestas. Jo.
Uno sabe y hace caso omiso de que no es lo más recomendable ver películas basadas en textos de autores que a uno le gustan. Es muy raro el caso en que las cosas salen bien. Pero la curiosidad es muy fuerte y uno se pregunta cómo habrán adaptado tal cuento y termina viendo cosas que igual y hubiera preferido jamás ver.



"Nuestros caminos son muy largos porque nunca dejamos de caminar. Caminamos todita la vida. A veces la luna y el sol descansan, pero nosotros caminamos hasta después de muertos"

La película, como algunos supondrán, está basada en el cuento homónimo de Juan Rulfo. Cuento, que es un género incluso más difícil de adaptar que una novela. Y si de por sí Rulfo no es muy cinematográfico, este cuento en concreto no es nada cinematográfico. No sé cómo alguien pensó que era buena idea intentarlo (sí, sí, y no sé cómo yo pensé que era buena idea verlo, ya sé).

Del cuento original toma únicamente la idea más básica: un hombre que lleva a su hijo caminando una larga distancia en busca de un médico. Y nada más, porque todos los demás detalles que suponemos a partir de ciertos indicios en el cuento se transforman en beneficio de una trama completamente aparte.

Así que hablemos de la película. Tenemos a un padre cuyo hijo parece gravemente enfermo y con mucha fiebre. Como viven en una población muy pequeña en medio de la nada no hay nada que se pueda hacer más que ir hasta el siguiente pueblo en busca de un médico o cualquier cosa parecida. De tal modo que carga al pequeño y van caminando de pueblo en pueblo, de uno en otro, hacia ciudades más grandes, porque no hay médico alguno y el niño cada vez está peor. Con forme van caminando el padre le va hablando al hijo (en ese sentimiento primario de que escuchar es no estar muerto) y el diálogo-monólogo-soliloquio es la espina dorsal de la película. En ese sermón le habla de sus orígenes, de manera general, y luego le irá diciendo al hijo cómo será su vida futura, la que aún le espera porque no puede morirse justo ahora de esa fiebre. De tal modo que conforme le va inventando una vida, vemos secuencias de esa vida nueva, futura, posible e imposible, que se supone que el hijo vivirá. Que es también el discurso social de la vida del indígena, su traslado a la ciudad, la búsqueda de una vida mejor y el modo en que va perdiendo su inocencia de buen salvaje por culpa de esa ciudad enorme que se lo devora. El padre le inventa al hijo que se mudará a la ciudad, conocerá una mujer, trabajará en lo que se pueda y un etcétera que continua con la película.

Aquí quizá vale la pena destacar que para hacer posible esta trama se pasa por alto que en el cuento el hijo es un hombre mayor (suponemos que el padre es ya una persona tirando a anciana), intuimos que está herido más que enfermo y también se intuye que aunque es una persona de alguna población pequeña no es propiamente un indígena. Pero esos meros detalles y para lo que sirve.

La película ya sea como adaptación o como película independiente en sí, es terrible. Y es terrible básicamente porque es mortalmente aburrida. Si a alguien le puede sonar mínimamente interesante la idea, les aseguro que su desarrollo es terrible y aburrido. El diálogo tiene ese tono profundo que quiere sonar artístico pero que, contrariamente, suena de lo más artificial y poco folklórico, sobre todo. Las escenas de vida alterna son estereotípicas, lentas, y obviamente no van hacia ninguna parte. Además que ya si ya es cansado el típico discurso del indígena como buen salvaje prostituido (que, vale, igual no era tan típico en los setenta), aquí parece que lo hacen tan evidente que llega a sonar de lo más falso y es imposible que sintamos empatía o el mínimo interés por lo que le pase al personaje.
Y, finalmente, al igual que el cuento de Rulfo, eso sí, no lleva hacia ninguna conclusión. Que literariamente hablando y siendo un cuento corto tampoco es demasiado importante, especialmente si la narrativa es llevada magistralmente; pero cuando estamos hablando de una película de hora y media que acaba sin que haya pasado absolutamente nada (relevante, quiero decir) la verdad es que no resulta de lo más agradable.

¿Y en qué pensaba François Reichenbach cuando decidió meterse con este proyecto? Nunca lo sabremos. Ni lo que pensaban los guionistas ni lo que pensó Rulfo que todavía estaba vivo (ese sí que sería un punto de vista interesante).




¿Película favorita basada en un cuento corto?

"Good Will Hunting", Gus Van Sant

24/09/10
Sí, es el tipo de películas que uno podría haber visto ya varias veces en televisión y tal, pero la verdad es que yo jamás me había interesado particularmente en ella, aunque claramente reconocía ya algunas de sus partes. Tampoco el hecho de que Damon y Affleck hubiesen escrito el guión le daba ningún atractivo extra. Pero Iván me dijo que debería revisar también esas películas que rozan en lo palomero pero aún tienen algo que ofrecer, y bueno.



"Real loss is only possible when you love something more than you love yourself"

Hay que decir, también, que la película tampoco es la estereotípica palomera que uno mira y olvida entre tantas otras del montón. No será mi género preferido pero "Good Will hunting" es, por lo menos, una película entretenida y bien hecha (estoy tratando de recordar su nombre en español pero probablemente la noción de que se debe parecer a "Una mente maravillosa" me está confundiendo, jo).

Will es un joven que trabaja de conserje en una universidad, sale con sus amigos a beber todo el tiempo y vive apenas con lo suficiente pero parece que no le va demasiado mal. Probablemente las cosas podrían haber seguido ahí por mucho tiempo si el profesor Gerald Lambeau, de la facultad de matemáticas, no tuviera la costumbre de dejar en un pizarrón fuera de su clase problemas complejos para ver si alguno de sus estudiantes se hace el valiente. Una noche, como cualquier cosa, Will resuelve el problema y desde entonces Gerald se obsesiona por descubrir quién es el matemático anónimo que se encarga de todos sus retos al día siguiente. Tamaña sorpresa se llevará cuando una noche regaña a Will por andar escribiendo tonterías en el pizarrón sin darse cuenta de que, una vez más, ha solucionado la nueva ecuación, y desde entonces se obsesionará con la idea de explotar todo el potencial que Will ha mantenido escondido durante toda su vida. Que no estaría nada mal si Will estuviera realmente interesado en ello.

Por una parte podemos decir que tiene ciertos elementos típicos: la figura del hombre con talentos extraordinarios pero que precisamente por ello permanece fuera del orden social, la visión obsesiva de quienes lo aprecian casi como si fuese un objeto de valor, y el mediador que trata de ver a la persona detrás de las circunstancias. Pero también es una película, raramente, acerca del miedo al triunfo y el miedo a uno mismo.
Nuestros héroes típicos siempre destacan pero por condiciones adversas no pueden concretar ciertos puntos. Will definitivamente tiene condiciones adversas, pero por el contrario él parece muy convencido de que su sencillo modo de vida es lo más adecuado para él a pesar de su increíble capacidad para lidiar con cualquier teoría que se le cruce en el camino. Todo esto viene a tema cuando Lambeau trata de llevarlo con un psicólogo para arreglarlo todo y termina en manos de Robin Williams. La idea es que Will es demasiado inteligente no sólo para entenderlo, sino para acercarse a él. Y en ese aspecto el trabajo que tendrá que realizar Sean Maguire (el nombre de Williams-psicólogo) será mucho más complejo que un proceso de superación cinematográfico cotidiano.
Aunque está llanamente traducido en una historia de amor, dado que Will no puede llevar la relación que quisiera (quizá) con Skylar porque no sabe lo que quiere en la vida; uno puede sacar conclusiones mucho más amplias a raíz del temor a sí mismo que tiene el personaje. Probablemente el punto en que lo enfatiza más, aunque de manera bastante fugaz, es cuando hablando con Chuckie, su mejor amigo, éste le da a entender que es una tontería pretender que puede seguir en el camino que ha escogido y seguir siendo un albañil como cualquier otro toda su vida. Claro que para la trama lo que menos importaba era que fuera albañil sino que amara para toda la vida a Minnie Driver, pero ahí está la idea.

La historia podría decirse que es clásica aunque con un buen toque, los actores también son muy clásicos y creo que el principal problema es que ninguno consigue destacar demasiado por encima de su papel (que no es que están mal ni mucho menos, pero en algunos casos seguro que se les podría haber sacado más jugo). A mí también es que personalmente no me gusta ninguno de ellos pero tampoco están mal, incluso Robin Williams es mucho menos molesto de lo que suele ser a veces (hasta nos da la facha de que no sería un mal psicólogo si se lo propusiese, oh).

Por otro lado, no parece una película de Gus Van Sant. O será que ya lo tengo demasiado estereotipado y yo hubiera esperado largas y aburridas secuencias en que no pasa nada pero, claro, son muy profundas. En ese aspecto tiene un ritmo adecuado para resultar entretenida y disfrutarla tanto como sea posible.




¿Película favorita sobre personajes con talentos excepcionales?

"The Wizard of Oz", Victor Fleming

23/09/10
Y, hablando de clásicos a los que uno tiene que regresar en algún momento, recuerdo que cuando era niña me encantaba el concepto de "El Mago de Oz". Aunque la referencia más clara que recuerdo ahorita era una serie animada que mostraba un camino amarillo mucho más largo por el que tenía que pasar Dorothy en espera de regresar a Kansas.
Hace algún tiempo, y aprovechando que mi hermana no la había visto y es amante de los musicales, nos dispusimos a adentrarnos en la maravillosa tierra de Oz.



"Now I know I’ve got a heart cause it’s breaking"

Nunca he sido muy devota de los musicales, pero creo que "El Mago de Oz" todavía tiene ese punto de magia que se contagia al verla. Sin duda fue una película realizada con una candidez total y con un propósito bastante específico, y feliz.

La historia, es casi redundante que se las cuente, así que lo dejaremos en que Dorothy, tras huir de la casa por problemas con sus tíos, termina siendo arrojada por un tornado en la tierra de Oz. Para poder regresar tendrá que ir en busca de el Mago que gobierna dichas tierras y en el camino se encontrará con cuatro personajes muy particulares que la acompañarán para ver cumplidos también sus deseos. Todo esto mientras cantan. Todo el tiempo.

Por una parte creo que me parece imposible dejar de comparar la película en concreto con el mito. Es decir, a estas alturas ya tiene una retórica completamente propia y uno ha convertido a cada personaje en algo mucho más completo. En ese aspecto uno tiene que aceptar que finalmente es una película bastante simple y con una tendencia hacia lo infantil, así que tampoco es que se ahonde demasiado en la personalidad de los personajes ni nada. De hecho algunos tienen ciertos elementos bastante extraños y que no me esperaba o no recordaba en absoluto. Como el León, que tenía unas maneras muy poco, ajam, felinas, o yo que sé. Dorothy, igualmente, está pensada para ser un bombón dulce y no sale de ese papel en ningún momento sin importar lo que esté haciendo: peleandose con sus tíos, visitando un adivino, encontrándose en un país extraño, recorriendo un camino amarillo, matando brujas a diestra y siniestra. Siempre tiene esa carita de pin-up girl y ese tono de voz de chica esforzándose por sonar linda.

Pero sin duda el personaje principal es Oz, y con todo y que la visión que tenemos de ella es muy musical de broadway es suficiente para cautivarnos. También por la retórica, hay que decirlo. ¿Quién no quisiera estar en la tierra de Oz? ¡Es como la fábrica de Willy Wonka pero más grande! (con enanos incluídos y todo) (aunque sin chocolate, parece ser) (oh, y sin el peligro de morir o hacerte pequeño o volverte ciruela en cualquier momento). Uno se pregunta por qué Dorothy querría regresar a su rancho en Kansas siendo que podría quedarse ahí y ser feliz con sus nuevos y extravagantes amigos.

Hubo momentos en que me costó la película, debo aceptarlo, y es porque realmente yo no aguanto que en los musicales no haya ni siquiera un momento de descanso. Y como todas las piezas además son felices por momento llegaba a ser un sentimiento demasiado pegajoso. Pero, bueno, es el precio que uno tiene que pagar. Con todo es una película casi obligatoria y tiene su encanto clásico.


Primero me preguntaba por qué no se ha aprovechado más el concepto siendo que debe ser de lo más explotable, pero ya imdb se encargó de decirme que estoy chava, que hay cientos de proyectos cinematográficos (literalmente) alrededor de la idea de "El Mago de Oz". Ahora lo que falta es que Tim Burton decida que también quiere remakearla, cambie la historia, Dorothy tenga unos 20 y tantos años, Johnny Depp sea el Espantapájaros y se enamoren, y que la bruja mala sea ¿no adivinan? Helena Bohan-Carter. Lo estoy viendo. Sólo espero que Johnny Depp no cante. Oh.




¿Alguna otra versión favorita de "El mago de Oz"?

"Visions of Europe", varios

22/09/10
Ya he comentado anteriormente que me encantan las películas que se conforman de un compilado de cortometrajes que giran alrededor de un cierto tópico, de modo que de vez en cuando me pongo a la caza de ellas. Tenía pendiente "Visiones de Europa" desde que la vi en la filmografía de Christoffer Boe, un director que me ha cautivado, y la verdad es que la idea de conformar un paisaje general de Europa sonaba interesante.



"There's no such a thing as Europe"

La película se compone de 25 fragmentos, uno por cada país que de la Unión Europea (o al menos de los que la conformaban en el 2004). De tal modo que la división es geográfica y es un director de dicho país el encargado de representarlo, con aparente total libertad. El orden en que aparecen los cortos no parece responder a ningún orden específico y las temáticas resultan de lo más variadas.

Como siempre es un poco difícil hablar de estos conjuntos de cortometrajes como un sólo producto ya que es difícil agrupar en mismos términos todas las partes que lo componen. Sin embargo sí hay ciertas ideas que encontramos recurrentemente entre los distintos fragmentos, obviamente siempre girando hacia lo que es realmente Europa (o la unión de sus países). Por una parte tenemos los cortos íntimos, que retratan situaciones específicas de un país preocupándose únicamente por ello, otros que, por el contrario, buscan hablar de Europa en todos los términos usando simplemente el país en cuestión como base (a veces incluso sin nombrarlo más allá de la presentación), en otros casos se trata de la interacción entre dos o más países, ya sea de manera específica o por la frecuentre migración entre ellos. Hay tramas completamente ficticias, hay retratos de sociedades, hay voces en off que quieren declarar algo con todas sus letras. Hay, esencialmente, la imposibilidad de unir a Europa como una sola, y en este caso también resulta muy representativo el corto de Boe, que representa a Dinamarca, ya que se trata de un hombre que tiene que dar una conferencia pero no puede pronunciar la palabra Europa. De manera metafórica nos habla, entonces, de si realmente existe algo como Europa, si hay realmente un conjunto dentro de todo ello. Y todos los demás cortos lo reforzarán o contra-argumentarán de un modo u otro: somos estas situaciones y todas las situaciones, somos los problemas y las ventajas, somos un idioma o todos los idiomas, estamos unidos o nos aislamos. Mil preguntas sin respuestas, imágenes sueltas que no parecen ir a ningún lugar pero permanecen claras aún después de haberlas visto.

Me gustaría comentar todos los cortos pero entre que son tantos y muchos ya no los recuerdo claramente, hablaré de algunos. Bueno, Peter Greenaway es necesario para hablar de Reino Unido y su participación como siempre es tan artística como retórica, sin duda que es uno de los fragmentos que más deja abierto al espectador su interpretación. El corto de Luxemburgo (imdb me facilitaría la tarea si pusiera a los directores por nacionalidad y no por el nombre de su corto, jo) fue de mis favoritos, de los pocos que con sentido del humor logró participar muy bien de la intensión general. Otro de los pocos que tenían trama, podría ser el de Lituania pero igual y estoy mintiendo, que trataba de una chica que decía que nadie la había embarazado, nada más había sucedido así, también resulta una maravilla aunque uno se pregunte qué tiene que ver esa trama con todo lo demás. Uno que trataba específicamente sobre los migrantes y su no-pertenencia social (ese sí no recuerdo en absoluto ni de qué país era) era verdaderamente golpeador, únicamente con una voz en off y una serie de imágenes en collage trataba de darnos el mensaje de que también somos las personas que rechazamos, los no-ciudadanos, los no-legales, los que nadie quiere.

Me parece que como compilación no es muy conocida y, sobre todo, no tiene muy buenas críticas, y probablemente se deba a que por momentos parece más un reclamo social, muy en clave, más que piezas cinematográficas que uno pueda apreciar por sí mismas (como sucede con las conocidas piezas al estilo "Ciudad - yo te amo"). Pero sin duda no deja de ser muy recomendable, si uno tiene cierto gusto por el tema o por alguno de tantos directos. No todas las piezas van a resultar destacables pero sin duda no dejan de ser puntos de vista totalmente válidos a la cuestión (excepto algunos que sí eran llanamente aburridos, claro).



¿Película favorita sobre Europa?

"Sleepaway camp", Robert Hiltzik

21/09/10
Porque nunca está de más ver un slasher, o al menos para mí resulta de lo más entretenido. Además todos las películas de ese gran momento de pasión slasher encontraron su sitio, probablemente, en la televisión de nuestras infancias, y uno no puede confiar nunca por entero de lo que creyó ver entonces porque a estas alturas ya sólo quedan fragmentos (y la sabiduría popular de un asesino puede esconderse en cualquier lado, así que mejor estar prevenidos).
"Sleepaway camp" es uno de esos clásicos necesarios para los slasher en campamentos infantiles-juveniles, y como tal tenía que encontrar un momento para verlo.



"If she were any quieter, she'd be dead"

Además que es tan ochentera, ¿cómo no disfrutar con esos peinados esponajados y esos shorts cortos?
La idea, como suele suceder con este género, es bastante simple. Para ello tenemos una breve introducción en que vemos a una familia apaciblemente nadando en un lago cuando un par de jóvenes irresponsables que van manejando uno de estos botes a motor les pasa encima y tan tan tan. De dicho accidente sobrevive únicamente Ángela, una niña que pierde en ese momento a su familia y se va a vivir con una tía suya.
Algunos años después, Ángela y su primo, Ricky, van a pasar el verano en uno de estos prototípicos campamentos estadounidenses (que supongo todos conocemos cinematográficamente). Ángela, claro, es una niña callada llena de traumas por el shock que le produjo todo el accidente así que es prácticamente muda y sólo anda todo el día con una mirada de loca que le daría miedo a cualquiera. Pero con todo la dejan sola en un campamento verano, claro, para que rememore buenos momentos junto al lago.

Ahora bien, aquí viene un poco de las historias de niños y todo eso, el modo en que los mayores siempre molestan a los más jóvenes, o los populares a los no populares, y, bueno, para blancos fáciles tener a una niña rara rara la ponen pero que pintada. Ángela no sólo será molestada constantemente sino que igual suele representar un problema porque no quiere hacer nada ni mucho menos decir nada, aunque nunca faltará quien quiera defenderla, especialmente su primo, algunos organizadores comprensivos del campamento, y Paul, el amigo del primo que le anda coqueteando. Uy.
Ahora bien, conforme las relaciones se vayan tensando y algunas situaciones no del todo agradables vayan surgiendo, la gente, ¿no adivinan? Comenzará a morir. De maneras generalmente bastante desagradables pero muy efectivas para un slash. Mientras todos nos preguntamos, tan tan tán, ¿quién es el culpable y, aún más, quién es el siguiente?

Está claro que uno siente que si ha visto un slasher los ha visto todos y hay algo de eso, así que el caso es que uno tiene que gustarle el típico juego de quién persigue a quién y, especialmente, cómo van a matar a quién. Así de simple, en realidad los giros finales son justificaciones para que una película se diferencie de otra, y en algunas ocasiones lo consiguen con mayor efectividad que en otras.
En este caso, yo diría que sin duda es una película bastante bien hecha, con pretensiones sencillas y que logran su cometido. Especialmente en lo referente a las muertes ya que aunque no dejan de verse de bajo presupuesto están muy bien realizadas, porque con todo logran verse impresionante y asquerositas por momentos.

La historia tiene su punto, especialmente en lo referente a la revisión de la identidad sexual que parece que a la gente le encantaba por aquella época. Una persona con una identidad sexual equivocada sin duda debía ser una clase de psicópata y visceversa. De modo que aunque tampoco es un tópico que aparezca en toda la película se dejan entender algunas apreciaciones al respecto. Especialmente en lo referente al final, que es casi icónico para quienes gustan de estas películas, y es una pena que alguien lo sepa antes de verla ya que si bien no es un giro que shockee, es un buen elemento para al menos sorprenderse un poco.
En uno de los documentales de cine de terror de los que he hablado antes venían fragmentos de una entrevista con Felissa Rose, quien fuese la protagonista, especialmente en lo referente a esa escena, y resulta hasta divertido pensar en cómo debe verlo ella en retrospectiva, tomando en cuenta que para el tiempo de la película tenía apenas catorce años.

Estas películas eran una gozada en televisión, especialmente para imaginarse uno, ahí, atrapado en un campamento infantil con todas sus consecuencias. Oh, los años dorados.




¿Slasher favorito?

"Zinda", Sanjay Gupta

20/09/10
Todos hemos escuchado hablar de que en la India y países aledaños se hacen remakes de cuanto producto cinematográfico externo se les cruce en el camino. ¿Pero qué tanto nos imaginamos el resultado final de esos proyectos?
Y sí, todo esto viene al caso porque "Zinda" es el remake indio de: ¡Oldboy!



"To make money is easy but to make a monster is the work of a genius"

Aquí es cuando fácilmente se puede argumentar que no tengo respeto por nada sagrado y que por qué si critico tanto los remakes norteamericanos voy directo a ver uno indio, si además cuentan con tan poco presupuesto en comparación. Pero es que me comía la curiosidad, y debo admirar el valor de alguien que se atreve a llevar a la pantalla una reproducción de una película como "Oldboy". (Pero no te aceptaré a ti, Will Smith, te lo advierto).

Bueno, antes advertir que aquí probablemente irán muchos spoilers, tanto de la película en cuestión como de la original, porque es necesario ponerlas en balanza. Así que, ya saben a lo que se arriesgan.

La trama es básicamente la misma aunque con cambios circunstanciales necesarios. Balajeet Roy trabaja en una empresa de tecnología (o algo así) y acaba de ser transferido recientemente a Tailandia con su joven y guapa esposa. Todo parece ir bien en su vida hasta que un día, bam, desaparece. Y, ajam, aparece encerrado en un cuarto en el que pasará los próximos 14 años (uno menos) y del cual luego saldrá teniendo 4 días (uno menos también) para vengarse.
Aquí vale la pena mencionar que el representativo cuadro que estaba en la habitación de Dae-su en la versión original ha sido cambiado por un cuadro con un círculo interrumpido, un símbolo budista sobre el que el protagonista regresará constantemente porque también se vuelve algo así como la marca del malo.

A partir de entonces pasará más o menos por los mismos obstáculos que Dae-su aunque con ligeras variaciones. Como que la chica que conoce es una taxista, Jenny Singh. O que la icónica escena del martillo es realizada con un bat.

Lo que está claro es que cuenta con una realización muy por debajo del arte de Park Chan-Wook, aunque también es cierto que es un gran esfuerzo cinematográfico, sobre todo en lo que se refiere a la transferencia de la trama a un entorno distinto. Está claro que su principal problema es que no está hecha para un público que llega a ella por morbo después de ver la original, sino para una generalidad india que quiere disfrutar de una buena película. Y nosotros tenemos en contra que, sabiendo ya el giro final, no queda nada que pueda sorprendernos. Y eso que el giro final es distinto. Oh.

Bueno, distinto distinto, no, pero hay que tomar en cuenta que aunque la película es arriesgada en algunos aspectos (sí, las escenas sexuales son realizadas con ropa pero, ey, ya tiene mérito que estén ahí). Especialmente que el incesto no es un tema que pueda tratarse abiertamente en un thriller para las masas. ¿Y qué hacemos entonces sin ese grandísimo elemento? Pues, trabajamos con lo que se tiene. Y tampoco la libran tan mal pero sin duda no provoca el mismo shock que la primera vez que uno mira "Oldboy".

Es entretenida, pero sin duda el hecho de que sea previsible le quita muchísimos puntos y no se levanta mucho más allá. Es muy correcta y se nota que verdaderamente se esforzaron por hacer una película tan basada en la original como con un toque propio, y eso tiene mérito. No es la película de cuatro estrellas con pésimos comentarios en imdb si la vez sabiendo que, obviamente, no va a ser "Oldboy" ni por asomo. Y si puedes con esos prejuicios hasta la disfrutas un poco, un poco.

Lo divertido: las ganas que se ve que tenían de poner momentos musicales pero sabían que no podían, así que tienen que sustituirlos por momentos de introspección del protagónico en que entendemos que canta en su cabeza, o algo así. Siempre repitiendo 'zinda' a la menor provocación, que parece que significa 'vivo' o algo así.



Y hablando de remakes, la verdad yo sí vería al señor Will Smith saliendo de un encierro de 15 años para buscar una venganza sangrienta. Pero sólo porque es Will Smith y porque, todos lo sabemos, no tengo verguenza en ver remakes y luego quejarme. Lo que no me gusta es que hollywood se agarre de todo suyos derechos se dejen en oriente. De por sí una de las mejores noticias de estos días es que Keanu Reeves se haya negado a hacer una adaptación de "Cowboy bebop" (he hablado muy mal de ti, Keanu, pero gracias). Como lo fue también que no quisieran soltarle los derechos de "Akira" a Leonardo Dicaprio (aún más gracias). Así que, en el fondo también espero que el proyecto de remakear "Oldboy" no llegue a buen puerto, es la verdad.




¿Remake favorito?

"Oldeuboi", Park Chan-Wook

19/09/10
Esta película no era realmente la que me tocaba reseñar hoy pero es indispensable para la que pienso reseñar mañana. Además que es casi imperdonable que a estas alturas, y con la cantidad de veces que la he mirado, aún no haya encontrado un espacio por acá.



"Ríe y el mundo reirá contigo. Llora y llorarás solo"

¿Qué se puede decir a estas alturas de "Oldboy"? Que es imperdonable no haberla visto. Es, probablemente, la más famosa de las películas que conforman la trilogía de venganza de Park Chan-Wook y es, sin duda, el tipo de películas que lo hacen recuperar a uno la fe en el cine. Perfectamente redonda.

Ya la mayoría lo sabrán pero la película trata de Dae-su Oh, un hombre bastante genérico a quien vemos detenido en una comisaría de policía por estar demasiado ebrio. Hace un desorden medio patético ahí hasta que un amigo va a recogerlo para ayudarlo a llegar a su casa, en el camino se detienen en una caseta telefónica para avisarle a la mujer de Dae-su que ya van hacia la casa y en los pocos minutos que el amigo quita la vista del hombre, éste desaparece.
Siguiente escena, Dae-su se encuentra encerrado en una especie de habitación de hotel, con todo lo necesario para asegurar su supervivencia pero sin ningún contacto con el mundo exterior ni con ninguna persona. Pasan días, luego semanas, luego años. No hay nada que Dae-su pueda saber de su situación y durante todo ese tiempo se la pasa pensando quién podría odiarlo tanto como para haberlo encerrado ahí. La lista es desesperanzadoramente larga. Quince años después, tan abruptamente como llegó al cuarto, amanece fuera de él. Ropa nueva, dinero en la cartera y un celular, a través del cual una voz le advierte que tiene tan sólo cinco días para descubrir quién fue quien lo mantuvo preso los últimos años y, principalmente, por qué.

Un thriller en toda la norma, con un guión fantástico (basado en el manga del mismo nombre de Nobuaki Minegishi, que no sé por qué no he leído), unas actuaciones brutales, y una dirección impecable. La película pasa fácilmente de ser increíblemente entretenida a ser una verdadera joya en su genéro. Incluso después de la primera visión de la película (en que la sorpresa es lo más cercana a genuina), es incluso posible volver a disfrutarla por entero una y otra vez más aunque ya se sepa en qué va a terminar.

Min-sik Choi está fantástico como protagónico, su actuación es genial y el modo en que lo vemos transformarse constantemente a lo largo de la película demuestra que es un actor increíble. Volverá a trabajar de nuevo con Park Chan-Wook en "Symphathy for lady vengeance" en donde su papel es mucho más breve pero también bastante destacable. Y me muero por verlo ya en "I saw the devil". Tenemos también a Hye-jeong Kang como Mi-do, una joven chef de sushi que se encuentra con Dae-su al salir de su confinamiento y que se volverá su principal aliada. Su fisionomía, su personalidad, el modo en que se irá desenvolviendo la convierten en un gran personaje. Además es una actriz que personalmente me parece de lo más bella, aunque por momentos pueda lucir algo extraña. También vuelve a trabajar con Chan-Wook en su fragmento para "Three extremes".
Y, bueno, yo quisiera hablar de todos pero me quedo, indudablemente con Ji-tae Yu, el misterioso hombre que mueve los hilos de toda la película. Al igual que otros personajes tiene realmente pocas apariciones pero sirven para posicionarlo como uno de los mejores elementos de la película. Qué escenas. Lo volvemos a ver de nuevo en "Symphathy for lady vengeance" en aún menos escenas pero igual grandiosas.
Me encanta que los directores se muevan en un círculo de actores-fetiche, no puedo evitarlo. Y en las películas de Park Chan-Wook uno tiende a encontrarse frecuentemente con rostros conocidos.

Sin duda uno de los mejores thrillers que uno puede encontrar actualmente y una gran gran película. Es que hablo de ella y me emociono. Y eso que "Señorita venganza" sigue siendo mi favorita de la trilogía, es que es difícil elegir entre ellas.

Por eso es un poco triste ver que Park Chan-Wook ya no nos cautiva igual que antes, pero yo sigo teniendo fe, aunque sea cada vez más difícil.




¿Película favorita de Ji-tae Yu?

"Zaniklý svet rukavic", Jirí Barta

18/09/10
Hablando de directores que tengo pendiente revisar su filmografía. Sé que Jirí Barta cuenta con algunos largometrajes, muchos que les traigo ganas desde hace algún tiempo, pero igual decidí comenzar con uno de sus cortometrajes, para abrir boca. Y para ello, el curioso título de "The vanished world of gloves" no podía ser más adecuado.



"Federico Bellini"

Muchas veces sucede con los cortos de stop-motion que terminan por ser una suerte de ensayos de las posibilidades de los elementos. No tengo nada contra ello, algunos de los trabajos de Jan Svankmajer en que únicamente utiliza verduras o piedras o herramientas me parecen fantásticos y con una retórica muy íntima, pero sin duda que cuesta hablar de ellos a un nivel más allá de lo técnico. Esperaba algo así de Barta y debo decir que los 16 minutos casi silentes (carentes de diálogo pero no de sonido) han sido un desfile inesperado.

Un hombre trabaja en un basurero. Un día, removiendo entre la basura se encuentra con un montón de cinta de película tirada. Una sola caja parece haberse salvado del caos y encontrarse completa y decide llevársela a la casa donde se dispone a verla. A partir de ahí, una serie de escenas se irán intercalando con otras tomas sencillas del hombre bebiendo cerveza o moviendo alguna cosa. Todo mientras se interna en la historia de la filmografía del desaparecido mundo de los guantes.

El corto es un tributo precioso a la historia del cine. A través de sencillos sketchs que contarán únicamente con guantes como protagonistas y elementos cotidianos organizados como escenografía, iremos reproduciendo distintos momentos de la historia cinematográfica, con unos guiños fantásticos. Tendremos por ahí a las comedias del cine mudo, las películas de oro de amor y aventuras, el surrealismo de Buñuel, la exuberancia de Fellini, el cine de guerra, la ciencia ficción, la mafia, y un sin número de detalles simples que nos remitirán a los grandes tópicos y estéticas del cine clásico. Todo realizado con un stop-motion fantástico pero también con una serie de elementos tan sencillos que no dejan de asombrar. De tal modo que resulte tan imprescindible admirar la técnica como la decisión de recrear el imaginario común del cine a través de las manos.
Hay algunos otros detalles que podrían resultar más simples pero que funcionan de maravilla en el conjunto, como que incluso del hombre del principio, de quien hablamos encuentra las cintas, sólo llegan a verse las manos. O que prácticamente no encontramos guantes por parejas, como sería lo lógico, ya que van de la individualidad a una generalidad masiva, sin puntos medios.

La animación es fantástica y sin duda tocará fácilmente el corazón de quienes amen el cine, especialmente su historia. Y ya cada quién decidirá qué fragmento le parece mejor, que para mí es sin duda esas noches de Cabiria que se intuyen tan llenas de excesos y rincones oscuros. Sencillamente fantástico.

Además de que, ajam, son 16 minutos que bien valen la pena y, como siempre, youtube los tiene para nosotros. Pueden ver el corto completo en dos videos aquí:
http://www.youtube.com/watch?v=Rk6aZD1u9TQ
http://www.youtube.com/watch?v=IEU15NiD0tU

Sin duda una pena que no se conserve con mejor calidad ni se encuentren muchos mejores fotogramas en internet, porque sin duda hay más de una escena que vale la pena mostrar.




¿Película o director de stop-motion favorito?