Iván estuvo buscando esta película durante algún tiempo y me tocó a mí encontrármela en alguno de esos cajones de dvds por montón y me pareció el regalo adecuado. Aunque él insistió en que no he visto suficiente cine bélico y que aprovechara para verla antes de dársela, así que le tuve que tomar la palabra.
"Now I want you to remember that no bastard ever won a war by dying for his country. He won it by making the other poor dumb bastard die for his country"
La película está basada precisamente en la figura del general George S. Patton, quien fue una figura apasionada aunque cuestionable entre los distintos dirigentes de tropas norteamericanas durante la Segunda Guerra Mundial. Comenzamos con un muy elocuente discurso, bandera al fondo, que de entrada nos deja muy en claro la actitud del general tanto como de los valores estadounidenses del momento. El discurso está hecho con varias frases del propio personaje, algunas de las cuales seguro que les sonarán bastante, y está armado con el explícito propósito de hacer un collage introductorio del mismo. A partir de ese momento seguiremos el paso del militar a través de distintos países y estrategias, no siempre en sus mejores momentos ya que pasa de ser un héroe a un loco con bastante facilidad, pero siempre fiel a sus propias ideas y congruente con las mismas.
Por una parte la película sí que tiene un interés muy claro, que además es algo que no suele explotarse lo suficiente en las películas bélicas en general, que es la visión directa de la estrategia militar. En cierta medida la película es un juego de estrategias donde seguimos a uno solo de los bandos, el dirigido por Patton, pero que nos permite adentrarnos en el proceso más planeado de la guerra. Todo ello desde una perspectiva también humana y que pone de relieve qué sucede cuando durante una batalla parece que las 'fuerzas superiores' toman decisiones que no son las más convenientes para las divisiones individuales o qué pasa si uno cree que la estrategia podría mejorarse. Patton además no tiene recato alguno en desobedecer a sus superiores si está firmemente convencido de que es 'por un bien mayor', que es su propia idea de la milicia.
Por otro lado, toda la película está encaminada a tenerlo por eje temático. De modo que por momentos nos parece que la guerra, los nazis, el temor o amor a Patton son sencillamente derivativos y lo único a que hay que prestar atención es al personaje. Además a la idealización del personaje, porque después de haberla visto no me queda muy en claro haber entendido lo que trataba de hacerse. Porque si bien se busca reflejarlo en todos sus momentos (cuando se creía que estaba haciendo todo bien, cuando parece un demente caprichoso, cuando está un poco relegado de la guerra, etc) en realidad el tono con el que se lo retrata es siempre de héroe, como si el director quisiera dejarnos en claro siempre que si se le tomaba por loco es porque el mundo era injusto con él, aún cuando sus acciones tampoco nos parezcan de lo más sensatas a nosotros mismos. Y si bien resulta en muchos puntos interesante es necesario sentir una empatía un poco más allá para que la película consiga realmente tener una presencia más fuerte. Y si de por sí yo no soy muy fanática de las películas que involucren militares, lo soy aún menos de las que tratan al ejército de manera positiva. Ya no digamos al ejército estadounidense. Y de hecho a mí lo que más curioso me parecío fue esta comparación romántica de Patton con el Quijote (tan pronto venimos hablando otra vez el Quijote) aunque al final no creo que favoreciese demasiado al Quijote y sí, por otro lado, al profiler primigenio nazi que era el que sacaba las conclusiones más aventuradas sobre la psicología de Patton y a quien me hubiese gustado ver más en escena. Y seguro que es de lo más irónico que en una película que exalte al espíritu norteamericano uno quiera ver al nazi. Oh.
Que sí que por una parte resulta interesante, especialmente en aquello mencionado de la estrategia militar. Pero creo que como biopic llega a saturar un poco el personaje, o al menos si no termina de agradarte o convencerte del todo. Supongo que debe funcionar principalmente para aquellos que tengan mayor interés en este momento histórico en particular o al género bélico por sí mismo.
Cada cierto tiempo busco uno de estos proyectos en que varios directores se reunen alrededor de un tópico y lo representan a través de un cortometraje. Me encanta esta idea porque da un margen enorme de ver cómo un mismo concepto puede representarse de formas muy distintas. Así que cuando leí sobre "Lumière y compañía", donde reunían más de cuarenta directores distintos, no pude resistirme.
"As long as imagination and memory exist, people will try and remember, and print this memory somewhere. Stories won't disappear. The need for listening and watching stories won't disappear"
Además que la idea de la que todo tendría que partir no podría ser más interesante: toma un montón de directores contemporáneos distintos y dales a cada uno (bueno, en realidad fue por turnos, pero ustedes me entienden) un cinematógrafo original. Sí, las cámaras cinematográficas primigenias creadas por los Lumière, con todas las desventajas técnicas que eso puede representar. La idea era que cada uno podría hacer un cortometraje con el tiempo original de las primeras piezas, 52 segundos; no podría tener sonido sincronizado y lo máximo que podrían ocupar serían tres tomas para conseguirlo. Sin duda un reto que podría sonar monumental para un realizador actual pero que eran las condiciones con las que tendría que moverse un director en aquellos primeros tiempos.
Theodoros Angelopoulos, Vicente Aranda, Costa-Gavras, Peter Greenaway, Abbas Kierostami, Spike Lee, Bigas Luna, Liv Ullmann, Wim Wenders, Yimou Zhang, Michael Haneke, David Lynch, por mencionar apenas un puñado. ¿Qué pasa cuando al director le quitas los diálogos, la fotografía, el desarrollo del personaje principal, el sonido, el color, el tiempo? Cuando la imagen no tiene más artificios nos queda una sola cosa: la visión detrás de la cámara. El proyecto, además de ser un tributo muy merecido a los creadores del cine (o a quienes cimentaron su origen primero, al menos), nos permite adentrarnos en la concepción del cine que estos directores tienen en su forma más pura.
El hecho es que todo gira no en torno a una idea conceptual, que tendría sus lógicas limitantes y que harían que cada fragmento tuviese que relacionarse al menos vagamente con los demás. El reto es meramente técnico y eso permite que cada autor lo enfoque del modo que quiera. Hay quienes aprovechan para tributear de nuevo la historia del cine, quienes lo piensan como un vestigio histórico que debería representar un momento exacto, hay quienes sencillamente quieren contar una historia o quienes procuran crear una pieza que sea notoriamente de su autoría aunque no cuenten con ningún aditamento. Pero no vemos únicamente estos fragmentos, mientras que se van intercalando vemos también el detrás de cámaras, a los autores tomando las decisiones más básicas y llevando a cabo la grabación. También nos encontramos, de manera mucho más caótica (porque al principio nos presentan a cada director pero después puede que aparezca alguno ya antes presentado para tener algún diálogo y si no estás familiarizado con él es probable que no puedas darle ese seguimiento exacto, aunque sin duda es parte del juego), reflexiones de cada uno de los participantes en torno al cine. Como una especie de entrevista coral en que las respuestas se mezclan, en que todos hablan pero también todos dicen cosas diferentes. Una especie de flujo de conciencia colectiva en que todas las voces, por más discordantes que puedan parecernos, nos están transmitiendo una sola idea: esto es el cine. Antes y después de todos los efectos especiales, esto es el cine.
Como en todos los proyectos de este tipo, es lógico que algunas piezas van a resultar mucho más interesantes que otras, o mejor logradas o sencillamente que a uno le gusten más. También es algo necesario que uno sienta ya cierto apego por estas piezas pequeñas y mudas o puede que todo le parezca demasiado anacrónico. Por suerte, creo yo, si uno tiene en general un interés por la visión del cine que tienen sus creadores, toda la parte documental les resultará tan didáctica como valiosa, y es que seguro que nunca está de más sentir que nuestros directores favoritos nos hablan a la cara y nos dicen lo que están haciendo.
¿Pieza favorita de esas primigenios fragmentos cinematográficos? (y me refiero a los cortos de los Lumière, de Méliès y demás)
Porque uno necesita ver de vez en cuando películas sobre un montón de animales, o animales gigantes, o un montón de animales gigantes, fastidiando a la población humana. Y como uno suele enfocarse en los sospechosos comunes (esos animales que se ve a kilómetros que se aprovecharían de la población humana en caso de tener oportunidad), es de agradecer cuando nos encontramos con animales atípicos dentro de esas tramas. Como conejos, cientos de conejos gigantes.
"Attention! Attention! Ladies and gentlemen, attention! There is a herd of killer rabbits headed this way and we desperately need your help!"
Los productores y distribuidores de la película trataron de ocultar la trama esencial el mayor tiempo posible. Quizá con justa razón, porque seguro que el público que se arriesga a ver una película sabiendo de antemano lo de los conejos gigantes, se reduce drásticamente incluso entre los que verían serie B sin problemas. De modo que el título es casi eufemístico, los posters no mostraban ningún conejo y luego cruzaron los dedos, o algo así.
Creo que lo mejor de la película, que fue también la razón por la que me enteré de su existencia y por la que pensé en buscarla, es que al inicio hacen una introducción seudo-científica en que se habla de las posibilidades terroríficas de los conejos aunque todos los vemos muy bonitos. Y entonces pasan pietaje real de invasiones de conejos (no gigantes y no asesinos, claro) en Australia u otras regiones. Haciendo un énfasis muy claro en que como mascotas seguro que son de lo más tiernos, pero cuando tienes sembradíos y llegan un montón de conejos salvajes a meterse contigo, con tu sustento, con tu casa y etcétera, te lo piensas dos veces. Y en parte de esos hechos es que nace la descaballeda idea de agregarles también los rasgos de gigantes y asesinos. Y volverlos serie B.
En el desierto de Arizona tienen problemas con las invasiones de conejos. Casual. Y todo sería molesto pero regular hasta que unos científicos comienzan a experimentar con ellos a ver si pueden conseguir algún tratamiento hormonal que interrumpa su reproducción desenfrenada y ayude a que en un futuro no hayan tantos. Pero, claro, los científicos nunca saben lo que hacen y entre una cosa y otra resulta que los conejos comienzan a crecer y quedar sedientos de sangre. Que tampoco iría mucho más allá si el laboratorio tuviese mejor seguridad y no regalasen conejos creyendo que no han sido utilizados en experimentos a cuanto niño se aparece queriendo adoptar una bella criaturita. Claro, todo lo que puede salir mal sale mal y pronto la población se verá desplazada cuando cientos de conejos gigantes comiencen a destruir todo a su paso.
Fuera de que la idea es de lo más delirante y sería casi la única razón por la que alguien podría buscarla, la película en sí resulta considerablemente divertida. Sí que tiene algunos problemillas bastante lógicos, como los primeros ataques-conejo que están un poco piratas (tampoco es que podamos pedirle mucho más a una película del estilo), y que en algún punto es difícil darle un seguimiento con mejor ritmo y tenemos que detenernos largo rato en conejos corriendo, gente corriendo, gente muerta, conejos manchados de sangre. Y, bueno, que no está para asustar a nadie a menos de que le tenga fobia a los conejos, cosa que debe ser poco frecuente. Aún en estos puntos tiene algunos grandes aciertos, como no hacer de los conejos sencillas botargas ridículas y asesinas, sino que incluso gran parte de las escenas se graban con conejos de verdad en maquetas al caso. Se notan pero le da un aire mucho mejor logrado que si hubieran tratado de hacerlo más dinámico, creo yo.
Sigue siendo, claro, anecdótica, y supongo que pronto tendré que complementarla con "Black sheep" como películas de especies que fácilmente podrían invadir Australia y/o Nueva Zelanda. Con el tiempo que llevo queriendo ver a esas ovejas mutantes asesinas.
Entre tantas curiosidades de Cervantes alguna vez habíamos tratado superficialmente este documental, de la película que Terry Gilliam siempre ha deseado hacer y se le escapa una y otra vez. Y el hecho de que sea basada en el Quijote no podría resultar aún más simbólico dada la imposibilidad del proyecto.
"That's our trailer, right there!"
Debo aceptar que tiene algo de interesante ya la sola idea de perseguir una película imposible. Keith Fulton y Louis Pepe, los directores de este documental, al parecer ya tenían un interés especial en Terry Gilliam cuando se decidieron a seguirlo además en su nueva aventura de tratar de recrear cinematográficamente "El Quijote" una vez más. Además que seguro que cualquier buen fan de Johnny Depp se sintió más que intrigado en algún momento por el hecho de que el actor hubiese sido escogido para representar a Sancho Panza. Probablemente no un personaje con el que asociaríamos al actor de entrada.
A través del documental, entre seguimiento y reflexión sobre el particular director, nos centramos tanto en su obsesión con la obra del Quijote como su particular modo de trabajo, su personalidad algo caótica y el modo en que eso ha repercutido en alguno de sus trabajos. Todo guíado a través de la idílica figura del Quijote, un proyecto varias veces iniciado pero siempre interrumpido y que en ese momento se disponía a llevar adelante una vez más con Johnny Depp y Jean Rochefort como protagónicos (Rochefort debe ser uno de los mejores Quijotes que he visto en pantalla, no dudo que hubiera sido perfecto para el papel). Y el modo en que este nuevo proyecto terminaría siendo un total fracaso, una vez más.
Yo no soy realmente una seguidora de la obra de Terry Gilliam, de hecho creo que he visto más bien pocas películas de él con resultados bastante irregulares que van desde las que me encantaron completamente hasta las que encuentro olvidables. De modo que de entrada tampoco es que tuviese un especial interés en adentrarme en él como personaje y persona, y aún así los directores consiguieron atraparme dentro de la que supongo es su visión del mismo. Que, acertadamente, es una visión que no se centra sólo en la admiración fácil sino que incluso alaba principalmente ciertos rasgos que podrían no ser los más apropiados en algunos momentos: el caos dentro del cual se maneja siempre y del cual lo mismo pueden salir sus grandes piezas como muchos problemas sin solución. Además que se nos encamina a mirarlo un poco con una cierta retrospectiva cervantina, convirtiendo de tal modo el documental, el rodaje de la película y todo ese proyecto conjunto que pasa de ser dos a uno mismo, en una verdadera épica quijotesca.
Es de esos casos en que con justa razón se dice que algunas de las mejores películas son las películas nunca realizadas (hace poco hablábamos en clase de la nunca realizada "Dune" de Jodorowsky). Y es que a mí después de mirar "Lost in La Mancha" me queda la sensación de que Gilliam no necesita ya grabar una película del Quijote para haberla logrado del mejor modo posible. Incluso logró que Johnny Depp como Sancho Panza fuese la mejor decisión posible (y aunque me encante Johnny Depp, realmente era algo de decir).
El otro día me comentaba José, y ahora lo corroboro en imdb, que al parecer Gilliam va a la carga una vez más y supongo que espera que ésta sea la buena. Está previsto para el 2011 su "The man who killed Don Quixote". Lo que no sé si me convence del todo es que su nuevo cast incluya a Robert Duvall como el Quijote (aunque estaba claro que Jean Rochefort no podría regresar), a Ewan McGregor como el Sancho Panza y a Eva Basteiro-Bertoli como Dorotea (que no me suena de nada, que en su caso creo que me convence mucho más que Vanessa Paradis). Habrá que esperar lo que tiene entonces Gilliam para nosotros.
Una película a la que le traje ganas durante mucho tiempo antes de que llegara a mí. Probablemente porque nunca está de más mirar a la bellísima Aishwarya Rai y más aún si está emparejada una vez más con Shahrukh Khan. Además que la producción era una manifestación de majestuosidad sobre majestuosidad. Sin duda tenía que verla.
"Chandramukhi, I can't say how the gods of virtue will judge you. But, I do know if I meet you again, in another life, I will not be able to resist you"
'Devdas' es una de las grandes historias de la India, se ha recreado cinematográficamente un montón de veces y la gente parece amarla así que cada cierto tiempo aparece una nueva película para actualizar la trama, agregar más bailes y que todos estén contentos. Pero eso al parecer no era suficiente para Sanjay Leela Bhansali cuando se decidió a adaptarla por ahí del 2002 (bueno, para entonces ya llevaba algunos años trabajando en el proyecto), ya que se dispuso a juntar en pantalla a todas las grandes estrellas del momento, tirar por la ventana el presupuesto, construir palacios monumentales dignos de las familias protagónicas, y, bueno, hacer una película para recordar, en el menos gentil de los casos.
La historia es bastante típica, sobre todo para aquellos que han podido notar los elementos que aparecen de una película bollywoodense en otra. Está basada en la novela homónima de Sharat Chandra Chattopadhyay, escrita en 1901 así que es probable que por aquel entonces no fueron tan tópicos. Pero todos sabemos que las tramas que ya conocemos aún son capaces de atraparnos, especialmente si ya les tenemos algo de cariño.
Devdas está a punto de regresar a casa después de haber pasado años estudiando en Inglaterra. Años en que nadie de su familia lo ha visto y ahora la casa entera está vistiéndose para su regreso. Pero no sólo en su casa es que lo esperan. La familia vecina, conformada únicamente por Sumitra y su hija Paro, también lo esperan a su manera. Devdas y Paro solían ser inseparables de chicos y la joven ha mantenido una vela encendida durante esos diez años en espera del momento en que pueda volver a ver al joven. Una historia de amor no tan imposible, en el caso de Devdas y Paro lo que jugará en su contra no será esencialmente la diferencia de castas entre ambas familias (diferencia latente y que cobra bastante importancia en algún punto pero sigue sin ser el factor decisivo) sino sus propios caracteres. La lucha de control por el otro, los deseos de resistirse hará que se vayan alejando en los momentos en que más cerca quisieran estar. Lo que nos llevará a través de una épica amorosa de 185 minutos donde pasaremos de los grandilocuentes palacios familiares a los burdeles de la ciudad, de los matrimonios espectaculares a los trenes que se alejan. Todo en espera de que en algún momento los mundos de Devdas y Paro puedan colisionar entre sí y ellos puedan estar juntos. Cosa nada sencilla en uno de estos melodramas indios.
Está claro que ante una mirada fría hay un montón de elementos tópicos y que los personajes a veces caen en elementos de personalidad estereotípicos dependiendo de las situaciones que estén pasando. Incluso es cierto que hasta llega a ser molesto el hecho de que no puedan dejarse de tonterías y estar juntos porque siempre encuentran el modo de arruinarse el momento y uno quiere golpearlos. Pero si esto podría llegar a ser considerado negativo en algún punto, cualquiera de los aspectos técnicos está ahí para rescatar la situación por completo. Desde las imponentes escenografías, los vestuarios, los colores, la música, los bailes, los fantásticos protagónicos, son suficientes para tenernos al menos completamente hipnotizados con la pantalla hasta que algún giro de acción pueda recomponer cualquier bache. Eso, claro, si ya sabes que las películas bollywoodenses surten efecto en ti, porque está claro que si no disfrutas de los bailes suntuosos cada cinco minutos puede que la película se vuelva una tortura.
Yo seguro que en algún momento si que quise golpear a algún personaje. No sé si más a Devdas que a Paro pero seguro que sí más a Devdas (y seguro que mucho más a la madre y tía de Devdas), pero ahora la recuerdo incluso con emoción. Si ya había disfrutado gratamente con las puestas escenas de otras producciones del género, aquí las posibilidades escénicas cobraron toda una nueva dimensión. No por nada ha sido una producción que batió records en su propio país y que ha sido ampliamente reconocida en otros. Sin ir más lejos ha sido la primera película del bollywood actual que se ha presentado en Cannes, con Aishwarya Rai siendo ese mismo año la primera actriz de la India en formar parte del jurado del prestigioso festival. Y así hay más datos meramente técnicos y otros un poco más curiosos, pero sin duda lo relevante sería ver la película. Yo ahora lo que no sé es si arriesgarme con otra de sus versiones más antiguas.
Y para muestra, un botón: http://www.youtube.com/watch?v=mmV_kWtkbPI
Creo que ya había alguna vez comentado sobre un paquete que me compré y que venía siendo algo así como "50 películas serie B por 10 dólares". Un buen trato por donde se vea. Aunque a veces me pregunto si el título más ilustrativo de las mismas debió haber sido "50 películas serie B que dado que valen 10 dólares usted mirará bajo su propio riesgo".
"You know what I’ve always hoped? That when my time comes, there’ll be a few seconds of ecstasy, and then- oblivion. Just think about it boys; coming and going at the same time"
Es decir, 'el ataque de las chicas abejas' suena como un título ganador para mí, bastaba con que la trama lo llevase adelante hasta sus últimas consecuencias y cualquier fanático de la serie B se hubiera sentido mínimamente satisfecho. Tenemos por un lado mujeres, con todas las libertades sexuales que la serie B pueden permitirnos. Tenemos por otro lado abejas, como buenos bichos en montón para andar por el mundo. Y tenemos finalmente una invasión, mezclándola con los elementos anteriores no sabemos cómo podría salir mal.
El primer problema es que quieran poner otra trama, como si la necesitara. Se encuentra una serie de hombres muertos aparentemente por agotamiento sexual. Ajá, bueno, al menos eso nos remite a la parte de 'facilidades sexuales sobre las mujeres en la serie B'. Luego todo parece indicar (después de muy lógicas investigaciones, como pueden suponer) que las responsables son mujeres a las que una fuerza cósmica las ha convertido en abejas. En realidad algo así como una metáfora de las abejas aunque quizá hubiesemos agradecido el híbrido. Hasta aquí podrían decirme que todo parece seguir indicando que la película sí que vale la pena pero eso sólo es aparente. O también se vale decir que eso depende en lo que uno espere sobre la serie B, y aunque yo entiendo que lo de cine barato da un margen suficientemente amplio, a mí me sigue gustando que una película sea entretenida. No sé qué tanta pretensión tenga con ello.
Así que digamos que hay dos modos de dividir la película, entre la perspectiva que comparto y entre la que entiendo y respeto pero no comparto. Fácil. A mí la película no es que me haya parecido terriblemente pero sí que me pareció considerablemente aburrida. Hay poca acción relevante y entre algunos momentos importantes y otros hay secuencias interminables en que no estoy segura qué trataron de mostrar. Y si tomamos en cuenta que el título nos dice 'mujeres abeja' pues, me hubiera gustado ver más abejas (que mujeres diría que la medida era justa, hasta eso). Y leo muchas críticas que dicen que la película es divertidamente delirante pero yo en realidad creo que en ese aspecto se queda bastante corta, no que esté mal, pero sí que no explotó una premisa bastante clara al respecto. Por otro lado hay visiones mucho más extensas del papel de las mujeres en esta metáfora sobre el control cósmico y la relación abeja que sin duda habla también mucho del papel de las mujeres como objeto sexual pero paradójicamente de control en el género serie B del momento. Que me parece sin duda interesante pero, al menos para mí, no quita que la película me haya resultado bastante aburrida durante la mayor parte del tiempo.
Y ahora, está claro, tengo miedo de mirar otro de los títulos con grandes promesas textuales que al final resulten en tan sólo lo que podían pagar mis 10 dólares. Oh.
Para que no se piensen que sólo veo películas de terror, aquí tenemos un poco de animación ancestral. De hecho mi hermano la consiguió porque es la película de animación más antigua que existe actualmente.
"Prince Achmed was young and brave and not afraid of any adventure"
Aunque está claro que siendo de 1926 no es para nada parecida a la animación a la que estamos acostumbrados actualmente. De hecho la más clara inspiración para la película son los teatros de sombras que resultaban uno de los entretenimientos visuales más antiguos. De hecho incluso la trama nos recuerda un tanto a la tradición oral sobre fábulas de Medio Oriente. El príncipe Achmed es, claramente, heredero de un gran reino, y un día por su casa se aparece un mago que trata de conseguir la mano de la princesa, hermana de Achmed. Para sacar al valeroso príncipe de en medio lo engaña regalándole un caballo volador que antes de que lo pueda controlar lo lleva al otro lado del mundo donde comenzarán sus aventuras, que involucrarán más bellas princesas, más brujos, más emperadores, incluso a Aladdino, vamos.
La historia tiene sin duda el encanto particular de esos cuentos que se nos narraba en la infancia, aunque con la particularidad de que la mayor parte de la trama se enlaza únicamente a través de las imágenes, claro está. En ese aspecto, además de caer bajo el encanto de ese toque de lo cotidiano, es imposible no apreciar el trabajo que se encuentra detrás de toda la producción. Con un fondo de luz de colores variables, las figuras se van moviendo como figuras de papel (bueno, no 'como' figuras de papeles ya que en realidad eran figuras de papel unidas de forma que permitieran mover algunas partes de manera independiente, colocadas sobre la luz para crear sombras). La misma lógica que el teatro de sombras pero llevado a su límite al poder utilizar toda clase de variaciones para las figuras y sus respectivos elementos movibles dependiendo de la necesidad de la trama. Imdb nos da el dato de que la animación duró 3 años durante los cuales se grabaron alrededor de 250 mil imágenes fijas que luego se ordenarían y editarían para crear la película.
Si tomamos en cuenta que el propio teatro de sombras es un espectáculo en peligro de extinción en nuestros días (si no es que ya lo está, yo en realidad jamás he visto uno más que referido en otras películas), lo cierto es que resulta una trampa en la que se puede caer fácilmente. Sobre todo aquellos que tienen gusto por las películas de animación, especialmente por aquellas que se basan más en la tradición clásica de cuentos infantiles más que en grandes efectos visuales.
Además que es una película bastante corta, con apenas una hora de duración y tiene su modalidad anecdótica, poco reconocida en realidad ya que yo no la había escuchado nombrar antes. Y nunca está de más ponerse a buscar estos pequeños vestigios históricos. También es de destacar que la dirigió una mujer, que en realidad también es casi una nota al pie pero que no está de más considerar.
Bueno, aquí también confieso que mi infancia se conformó de forma importante sobre cuentos de Medio Oriente, así que tampoco sé que tanto haya de general en el fenómeno y en el consiguiente disfrute de esta clase de cuentos actualmente. Aunque yo sostengo que al menos como curiosidad sigue siendo recomendable.
Otra de esas terribles películas de terror tailandesas que por algún modo extraño se cuelgan a veces en las carteleras. En este caso no estuvo demasiado tiempo y no me dio la oportunidad de mirarla en pantalla gigante (uy) pero ya me había picado la curiosidad, como sucede siempre que ponen terror tailandés en cines comerciales y yo caigo y al final me acuerdo por qué no me gusta el terror tailandés. Pero ahí voy de nuevo.
"Base on the most horrifying true story"
Probablemente si algo podría llamarles la atención como para ponerla en cartelera sería el asunto de la piratería, o al menos esa es mi teoría y es también el eje central de la película. Algo así como ¿qué pasaría si en lugar de frustrarte durante tus últimos siete días de vida te dedicaras a copiar piratamente el video de "El aro" y repartirlo por todos lados?
En la película nos encontramos con un grupo de personajes que convergen en un cine comercial en Tailandia, todos trabajan ahí en distintos sectores. En los próximos días está por estrenarse la película "Un espíritu vengativo" (esos bellos títulos que tanto nos conquistan desde Asia) y un par de los personajes, que trabajan dentro de una red de piratería, se encargan de copiarla para luego poder distribuirla. Todo estaría bien si no fuera porque al parecer la película es suficientemente terrorífica como para poner a todos demasiado nerviosos, o será que verdaderamente el espíritu de la bruja que muere en el film y jura venganza estará luego paseándose por los pasillos del cine. Aterrorizando a todos excepto aquellos que no han visto la fatídica escena de la película en cuestión.
Aunque la trama sigue la línea tópica de 'espíritus capaces de encontrarse en cualquier rincón y regresar por una turbia venganza', lo hace de modo tan sin pretensiones que incluso resulta entretenida. El propio tono de la película parece querer burlarse dentro de la idea de 'si haces piratería morirás' combinándolo con los elementos típicos de fantasmas horribles que salen de todos lados y te persiguen, a veces incluso interponiéndose en secuencias más relajadas. No es tampoco que vaya a ser una gran película, porque es claramente un churro, pero al menos se libra de ese montón de películas de producción tailandesa que son tan rebuscadas y con efectos digitales tan malos que uno termina por odiarlas aún antes de que terminen. Sí que tiene un par de momentos en que tratan de confundirnos y complicarse con recursos innecesarios, pero son lo menos y la mayor parte del tiempo nos encontramos con una trama entendible y palomitera en el rango de las películas de terror. Con algunos detallitos que además que la hacen ser suficientemente original como para no confundirla con tantas y tantas producciones de horror asiático que se nos vienen encima.
Por otro lado es curioso porque la idea de la película maldita (es decir, la trama que hay dentro de la trama primera) es incluso suficientemente interesante como para ver una película al respecto. Es sencilla y si le quitas que el espíritu vengativo luego venga por ti, seguro que podría funcionar. Pero esa soy yo, que le gustan las 'historias reales' de brujas malditas de pueblo. Pueblos tailandeses.
No diría que recomendable, pero si uno se dispone a ver una película de terror de fin de semana y no es particularmente exigente con ella, seguro que podría darle una oportunidad. Es decir, para las cosas luego que produce Estados Unidos en cuestión de género y que terminamos viendo incluso en cines, no es que tengamos demasiado que perder.
¡Y hablando de la saga de "Saw"! Y como ya he dejado en claro innumerables veces que no tengo respeto por mí misma, era un hecho entonces que tenía que ver la séptima parte (y se supone que la última). Digo, si ya había visto las seis primeras, no iba a quedarme sin enterarme del final.
"You wanna know the only thing that's wrong with killing you, Jill? I can only do it once"
Además, ¿en 3D? Creo que es maravilloso que al menos la franquicia se respete tan poco a sí misma como sus espectadores, al menos hay un poco de balance en ello. Y de hecho creo que de alguna manera esta última (esperemos que sí sea última y no nos espere luego un "Jigsaw vs Jason" o algo así) fue algo así como la gran broma, que la verdad le sienta mucho mejor que tomarse en serio como trataron de hacer de la tres a la seis. Pero a lo que vamos.
Primero confieso que yo no la vi en 3D así que no puedo hablar al respecto y es una pena. No estoy muy segura de qué tanto para bien o para mal podría haber afectado dicha tecnología una trama como ésta y ahora quizá nunca lo sepa. A menos que consiga una de esas pantallas super tecnológicas que pasarán todo el tercera dimensión sin necesidad de lentes. Veamos, ¿alguien realmente recuerda lo que pasó en todas las anteriores? Porque yo no, de hecho al principio tardé en acomodar a los personajes básicos y agradezco que nada más hayan sido un par porque de otro modo no lo hubiera logrado. Tenemos por un lado al malévolo Hoffman, el peor secuaz que Jigsaw pudo haber conseguido en el mundo, y a Jill, la viuda de Jigsaw. Persiguiéndose a la muerte. Muchas trampas y Jill tratando de ser protegida por la policía y Hoffman matando a gente a diestra y siniestra. De hecho hay muchas trampitas sueltas que no están de todo mal, incluso la película abre con una trampa colocada en el aparador de un centro comercial que se acciona en la hora punta. Imagínense qué hermosa imagen para retener cuando te diriges a comprar tu almuerzo. Bueno, sub-trama, una sola por suerte. Bobby es un sobreviviente de Jigsaw y ahora se ha vuelto famoso contándole al mundo su historia y vendiendo libros y apareciendo en televisión. Las sutiles referencias que ya encontrábamos en otras películas sobre que las trampas le habían cambiado las vidas a las personas que las sobreviven (y seguro que también a las que mueren, jo) ahora cobran un cariz muy estadounidense: testimonios públicos en televisión de 'aprecia tu vida ahora que sobreviviste a una elaboradísima trampa mortal'. Y, bueno, Bobby se hace millonario con ello. Hasta que tan tan tan taaán, lo atrapan ¿de nuevo? y lo ponen en una de estas trampas en que en estás dentro de un edificio y vas pasando distintos escenarios con posibilidad de salvar o no a distintas personas, en este caso pasando por todo su equipo de publicidad. Y, bueno, está claro que aún le faltarán cosas por demostrar al buen Bobby.
Bueno, excepcional está claro que no es, pero tiene grandes puntos positivos. Lo primero es que es completamente seguible. Nada de esas subtramas sobre subtramas y personajes que se parecen y todos persiguiéndose a todos. Aquí sabes exactamente lo que sucede y regresas al viejo gusto de enfocarte en las trampas y tan tán. En ese aspecto tampoco es que hayan innovado demasiado ya que incluso son menos interesantes que de costumbre. De hecho mientras la veía me dio la sensación de que por momentos incluso se veían peores los efectos en algunos puntos, como los cuerpos al ser desmembrados o algo así. Me pareció muy raro ya que no lo recuerdo de las anteriores pero mi teoría es que eran los momentos 3D en que yo debía sentir que esos trozos de carne machacada se lanzaban sobre mí. Y como no fue así, me quedé con la sensación pirata, oh. Por el lado positivo, creo que hay un par de toques curiosos, como que Chester Bennington (el vocalista de Linkin Park) aparezca fugazmente. O que Jigsaw utilice la ironía en una trampa creo que por primera vez en la saga. O que reaparezca el Dr. Gordon, de la primerísima película de "Saw" aunque sea brevemente. De resto no mucho más.
Y si sueno incluso mucho más positiva de lo que diría, probablemente se deba al hecho de que no esperaba que a estas alturas aún pudieran lograr una buena película. Y si bien no es que sea una *buena* película en norma, si está por encima de la degeneración absoluta de la saga (de nuevo, que abarca de la tercera a la sexta). Incluso tiene un buen final, un buen modo de cerrarlo todo y decir "fue bonito mientras duró". Que es mucho más de lo que esperaba de esta película, ciertamente.
Ahora esperemos que vaya en serio y dejen descansar en paz a "Saw" y podamos quedarnos sólo con los bellos momentos de las dos primeras partes. Y no es que me moleste la idea del 'juego siniestro', pero tampoco creo que moverle un poco a la trampa afecte la intención inicial.
Ja, ¿y vieron la noticia del cine en Estados Unidos que comenzó a pasar "Saw 7" en lugar de "Megamind" en una sala lleno de niños?
Antes de que "Saw" nos hiciera pensar continuamente en posibles y complicadísimas máquinas de matar, ya Dario Argento nos había sacudido con sus torturas de bajo presupuesto pero igualmente efectivas. Algo tan sencillo como una chica cayendo dentro de una habitación llena de alambre de púas conseguía, ante la cámara, convertirse en una escena bastante siniestra. Y me faltaba aún ver la que me parece también una imagen fantástica y que define en muchos sentidos al director: la joven con agujas bajo los párpados.
"I am nothing like my mother. Nothing like her"
Uno podría fácilmente creer que la película está vagamente inspirada en "El fantasma de la ópera", lo cuál sería un poco curioso tomando en cuenta que Argento tiene otra película que lleva el título exacto de la novela. Supongo que la explicación más simple es que a Argento le gustan las óperas (como buen edificio siniestro) y en esta primera producción la obra le sirvió como base para montar una trama un poco más actualizada. Betty es una cantante de ópera que aún no ha sido completamente descubierta, en realidad ella es tan sólo la suplente de la cantante principal quien muere repentinamente poco antes del estreno de "Macbeth". Betty no sabe muy bien lo que quiere y de pronto tiene explosiones adolescentes pero termina por aceptar y comienzan los ensayos. Aunque pronto comienza a resultar evidente que cuando alguien tiene algún encuentro poco agradable (o peor aún, demasiado cercano) con Betty, termina invariablemente muerto. Sin duda que no es precisamente el fantasma de la ópera que la joven hubiese querido, ya que encontrarse en la mira de un psicópata puede no ser la situación más agradable.
Tenemos, como es usual en Argento, una trama encaminada a destacar una figura femenina central y una amenaza constantemente latente detrás de ella. La figura, a su vez, carga un oscuro pasado que resulta desconocido hasta por ella misma, y parte de la revelación tendrá que ver con enfrentarse a dicha amenaza. Todo esto aderezado con muertes, mucha sangre y constantes persecuciones.
Por una parte se podría hacer una disertación entera sólo con el motivo de las agujas en las ojos. Uno podría pensar que, sencillamente, se trata de otra tortura en una película de Argento, pero eso no tiene demasiado sentido si tomamos en cuenta que lo sufre la protagonista que todos sabemos que siempre es el plato final. Además que Argento no suele ser del tipo delicado que golpea un poco y deja huir, y está claro que esas agujas no iban a matarla. La idea provino de una broma del director cuando hablaba de lo que le molesta que la gente aparte la mirada en las escenas más shockeantes de sus películas cuando precisamente su propósito es que sean vistas. Se les debería poner agujas en los ojos al público y obligarlo a ver. Y ta-rán. Porque precisamente eso es lo que hace Argento con sus personajes: obligarlos a ver aquello que es desagradable pero necesario. En algunos casos bastante desagradable, pero sin duda el reto constante a las féminas protagonistas es que se han negado a ver durante años, y ahora esa visión resulta dolorosa pero necesaria, y no pueden apartar sus ojos de ella. Y precisamente Betty no es la víctima (inmediata, al menos), pero tendrá que ver cómo los otros lo son, como se extiende un sacrificio ante ella. Además de conformar una escena que si bien no tiene demasiada gloria dentro de la película, termina por ser una imagen bastante bella. O seré yo.
Por otro lado es una pena que la película en general no aporte demasiado más a la filmografía de Argento. Sin duda que quienes disfrutan del director la disfrutarán igualmente, pero se mantiene apenas por encima de lo esperable. Y es que yo a veces pienso si no será una pena que la primera película que haya visto de él sea "Suspira", tan magníficamente bella, y después de ella me encuentre que todas las demás están un poco por debajo. No mal, pero sí por debajo. Una pena. Aún así yo seguiré viendo tus películas, Argento, aunque a veces sea un poco difícil y aunque no quieras pagarle a Adrien Brody. Oh.
Realmente el género romántico es uno de los que menos visito ya que no suelo disfrutarlo demasiado, pero de vez en cuando también uno tiene ganas de ver una película linda y sin complicaciones. Y por el momento creo que prefiero arriesgarme un poco más con los romances asiáticos un poco más particulares. Como una película llamada "Cyborg girl", claro está.
"I had nobody who would celebrate my birthday in the entire world with me before I met her"
Bueno, la trama es más que tópica en los aspectos generales y no creo que nadie espere mucho más que un robot. Jiro Kitamura es el típico chico sin suerte en el amor (ni en nada más, al parecer) que está resignado a pasar uno más de sus cumpleaños solo. Eso hasta que inesperadamente coincide con una guapa chica que lo sigue sutilmente a todos lados y termina celebrando la noche con él en lo que es, sin duda, el mejor cumpleaños de su vida. Pero la magia acaba cuando al terminar la noche ella desaparece sin más. Un año después él repite todos los pasos de su cumpleaños anterior y la chica vuelve a aparecer, pero aunque parece ser ella en realidad es completamente distinta. Pronto se enterará de que ella es un cyborg que fue enviado desde su yo del futuro para cuidarlo. Pero el punto que no dejará de atormentar a Jiro es cómo esa bella y dulce joven que él conoció terminó siendo tan sólo un robot frío y con pocos modales.
De entrada la película, tanto por los personajes como el modo en que se desarrolla la acción, nos recuerda bastante a "My sassy girl". Claro que yo me enteré hasta el final de la película que eso no era tan raro tomando en cuenta que se trata del mismo director, aunque ahora a cargo de una producción japonesa. En ambos casos la historia gira entorno al chico torpe y con poca suerte que se resigna a seguirle los pasos a la chica linda porque es lo único bueno que le ha pasado en la vida, y también en ambos casos la chica linda es un poco bestia aunque por evidentes distintas razones. Probablemente la diferencia principal (y no me refiero a los elementos de ciencia ficción rosa) es que mientras en "My sassy girl" casi toda la trama sucedía un poco 'porque sí' (es decir, no había ningún misterio en esa relación) aquí sí que hay una trama oculta que el protagonista y nosotros vamos tratando de armar para que todas las piezas lleguen a acomodarse en su lugar. En ese aspecto me pareció mucho más interesante, ya que sin perder los momentos tiernos nos encontramos también con una historia interesante detrás que los van uniendo. Y los detalles de ciencia ficción sin duda que le harán el día a todos los amantes de las chicas de anime de ciencia ficción, no en vano una de las primeras relaciones que se establecen con la cyborg es con Rei Ayanami.
Haruka Ayase, la protagonista, es increíblemente bella, incluso cuando es brusca y sin expresiones. No es de extrañar que Jiro esté loco detrás de ella.
De resto tampoco es que sea una película mucho más compleja y repite básicamente todos los elementos típicos de estas historias de amor un poco atípicas que se han vuelto tan frecuentes en Asia. Que en cierta manera es de agradecer que se esfuercen un poco más en hacer la vuelta de tuerca menos evidente, mientras que en las producciones hollywoodenses se ha visto una inovación mínima en este género. En definitiva sólo es recomendable cuando uno está buscando justamente lo que la película ofrece. Y en ese aspecto yo diría que resulta bastante tierna y disfrutable. No sé si como para repetir una tercera propuesta de Jae-young Kwak, por temor a que vuelva a ser un poco de lo mismo, pero probablemente sí para querer ver en cualquier otra cosa a Haruka Ayase.
Película bastante clásica como para mirar un domingo por la tarde. Mi madre, desde que habíamos visto "Priscilla, la reina del desierto" tenía ganas de volver a verla y la conseguí para un día familiar de películas. En que los travestis y sus números musicales no están para nada de más.
"You know, I used to feel that way too until I found out that Alexander the Great was a fag. Talk about gays in the military"
Bueno, supongo que todos tienen una clara idea de por dónde va la cosa. De hecho el título que le pusieron en México, "La jaula de las locas", es bastante explícito al respecto. Armand y Albert son una pareja que es dueña de un cabaret llamado, precisamente, "The birdcage". Armand es como el administrador y el encargado de toda la organización mientras que Albert es la estrella. Suelen estar peleando todo el tiempo por sus carácteres tan opuestos y especialmente porque Albert necesita ser una diva a tiempo completo. Sin embargo llevan varios años juntos y la cosa parece funcionar. Hasta que el hijo de ambos, Val, se aparece con la noticia de que va a casarse pero los padres de la novia (quienes se disponen a ir a conocer a la familia del novio) son una pareja de importantes políticos de un partido muy conservador. Lo que significa que la opción de presentar a la pareja gay, dueña de un antro, que viven en una casa de lo más extrafalaria, no es realmente una opción. Pero explicarle a Albert por qué tiene que irse de la casa y por qué todo tiene que ser reubicado no será tan fácil.
Es curioso porque casi siempre en este tipo de películas la trama aparece a la inversa: un personaje *normal* que por alguna situación tiene que travestirse y convertirse en algo que no es. Aquí, en realidad es al contrario (en "Priscilla, reina del desierto" había también un poco de esto, pero muy poco), una pareja que han aceptado abiertamente lo que son y como son, que de pronto se ven obligados a entrar por la fuerza en el canon de lo normal. Que es al parecer incluso más difícil, en especial si tienes que complacer a una pareja extra conservadora. Al final todo enmarcado por el bello mensaje de que, llegado a un punto, valemos por lo que somos y todo eso.
Debo aceptar que a mí me pareció un poco cruel el planteamiento. En la mayoría de los casos suelo entender muy bien las situaciones enrevesadas en las que se meten los personajes antes de transformarse en otros, pero aquí la razón me pareció bastante egoísta. Yo quería matar a Val quien habiendo crecido en ese hogar de pronto le pedía a su figura materna, Albert, que se fuera mientras cualquier otra personaje ocupaba su lugar. Yo quería matarlo, la verdad, aunque entiendo que era la acción necesaria para que el resto de la trama girara y también para que se explicara que al final uno hace cualquier cosa por un hijo. Aunque sea un malagradecido irresponsable impulsivo.
La película a mí me parece bastante graciosa y tierna, sin que el histrionismo exagerado que a veces tiene Robin Williams llegue a resultar molesto (de hecho originalmente le habían asignado el papel de Albert pero él prefirió probarse con un personajes menos exagerado), aunque donde definitivamente quienes se llevan la película son Nathan Lane y Hank Azaria (quien interpreta a Agador, el sirviente en la casa de la pareja protagonista). El resto del elenco también es bastante reconocido, ya que encontramos a Gene Hackman, Dianne Wiest, Calista Flockhart y Christine Baranski; pero al final son casi anecdóticos porque sus papeles son bastante limitados, aunque claro que consiguen buenos momentos cuando están en escena. Especialmente Gene Hackman como el senador ultraconservador que termina atrapado en, una jaula de locas.
El otro día Diana me comentaba que había visto la versión original francesa, "La cage aux folles", y me comentaba que estaba mucho mejor. Cosa que no dudo porque probablemente el humor francés le sentase de maravilla a la trama, pero aún así es una película que yo sigo disfrutando bastante cuando me la encuentro por casualidad, y que creo que miraría siempre que la encontraran en la tele. Pero ya todos saben que los travestidos son mi debilidad.
Mi hermano era quien había conseguido esta película y propuesto que la miráramos. Supongo que parte del incentivo fue que se trataba de historias de terror japonesas (yeah, otra vez) que habían ganado el premio del jurado de Cannes por allá del 65.
"I don't want to sleep for a moment so I can keep you forever"
Se trata de cuatro historias que más que de terror en sí de tratan del folklore fantasmal japonés, contadas de manera casi poética y con un ritmo propio en cada uno de los casos. De manera resumida, la primera, "black hair" (oh, se veía venir la importancia del cabello en las tramas de terror cinematográfico asiático) trata de un samurai que abandona a su esposa pobre para ir a conseguir fortuna en otro lado y lo que encuentra al regresar muchos años después a su antigua casa. "The woman in the snow", trata de un leñador que vive en una fría región y un día se encuentra con el espíritu de una mujer en la nieve a quien hace una promesa. "Hoichi the earless", cuyo fragmento es del cual podemos encontrar más imágenes y que incluso es el que encontramos en el poster, trata de un monje ciego que es llamado todas las noches por los espíritus de quienes murieron en una batalla para que les cante sus propias canciones épicas. Y, finalmente, "in a cup of tea", nos encontramos con un hombre que siempre ve reflejada en el agua el rostro de otro.
Digo que los fragmentos se trabajan cada uno con su ritmo porque no se trata de que todos tengan la misma duración (de hecho ésta varía considerablemente entre algunos) e incluso el tono en ellos puede cambiar un poco dependiendo de la trama. Que eso solemos encontrarlo cuando los conjuntos de cortos son dirigidos por distintos directores pero aquí resulta interesante el modo en que un mismo director decidió adaptar cada uno dependiendo de lo que necesitara. El problema con ello, me parece a mí, es que en lugar de conseguir una unidad completa, cae fácilmente en que algunos fragmentos resulten mucho más interesantes o parezcan mejor logrados que otros, dependiendo del espectador y sus preferencias folklóricas, supongo. En lo personal me encontré con el ritmo de la selección, al menos para mí, iba de un corto no tan bueno a uno que me gustaba mucho y de nuevo lo mismo. "The black hair", aunque tiene una gran ambientación, me pareció quizá demasiado simple y con una historia demasiado específica, sobre todo tomando en cuenta que es la historia que te abre la película y siempre es importante la primera impresión. "The woman in the snow", por otra parte, aunque trata de un elemento del folklore mucho más común en otras partes del mundo (espíritus femeninos relacionados con ciertas condiciones de la naturaleza que vagan con propósitos ya sean buenos o funestos) me pareció mucho más bello (bueno, en ambos casos es destacable la ambientación, que casi resulta teatral, pero hay que decir que el panorama de nieve también le beneficiaba). La historia es igualmente simple pero a mí me pareció mucho más bella y mejor lograda. "Hoichi the earless" es el fragmento más largo, creo que llega casi a la hora, y te predispone de alguna manera por ser la cara de toda la película y porque la imagen es de lo más sugerente. Sin embargo, aunque trata de ser amigable y adentrarnos en la batallada entre los Genji y los Heike, resulta con un ritmo que deja la sensación de que la historia se ha alargado innecesariamente. Para cuando llegamos a la parte climática de la historia la verdad es que ya estamos algo cansados de Hoichi y no nos importa demasiado ya lo que le pase. Finalmente, "in a cup of tea", que es probablemente el de tono más relajado porque además se nos advierte que es la historia de un escritor y el juego de la metaficción permite un margen para mantenernos fuera del marco, es fantástica. También porque mirar el reflejo de otro en el agua no parece un elemento tan solemnemente folklórico pero sin duda que resulta bastante siniestro y uno puede entender fácilmente que el personaje se esté volviendo loco.
Probablemente sea mucho también cuestión del ánimo con que uno se disponga a ver la película. Seguro que si está consciente de lo que está por ver y es precisamente lo que espera, puede que las historias resulten mucho más afortunadas. Sin duda que la producción es magnífica y tiene un toque muy particular que hace que uno pueda disfrutarla las historias aunque no siempre resulten de lo más interesantes. También es cierto que yo esperaba otra cosa y al final no me ha quedado muy claro mi impresión total (y desinteresada, jo) del conjunto.
¿Película favorita sobre el folklore de cualquier país?
Y de regreso a nuestras viejas reseñas. Ya no sé ni cuánto llevaré de retraso pero supongo que eso es lo de menos. Ya antes había reseñado la primera película conformada por fragmentos de terror "Three extremes" y explicado que en realidad se editaron al revés en occidente. Así que la que dio a conocer el nombre, que es ésta, en realidad es la segunda parte. Pero teniendo a Miike y a Park Chan-Wook supongo que es fácil darle prioridad.
"I want to be you. To sleep like you. To have nice dreams.
La película se compone de tres historias de terror, fragmentos de unos cuarenta minutos que en realidad no tienen una secuencialidad entre ellas ni nada que las una más allá del género.
La primera es "The box", de Takashi Miike, producción japonesa. Es curioso porque Miike es fácilmente asociado con un director de terror cuando en realidad no es precisamente el género en el que más se mueva, y de hecho sus pocas producciones de terror resultan algo particulares. Lo cierto es que después de "Imprint" y "Una llamada perdida" no sabía demasiado bien qué esperar. Y aunque tuviera alguna imagen clara seguro que no se acercaría a lo que se expone en "The box". Una mujer, escritora aparentemente, tiene distintas visiones de un circo en medio de la nada en que un par de niñas bailarinas-contorsionistas realizan una presentación orquestadas por un hombre vestido como pájaro al estilo de las máscaras venecianas. Una sutil trama de celos y muerte se cierne sobre ellos y podemos aventurarnos a creer que parte de esas visiones podrían corresponder al pasado de la mujer que sueña. Es una historia completamente onírica, en que realidad nunca tenemos del todo claro que pasa o qué forma parte del sueño y qué de la realidad. Además de con un giro final bastante extraño también. A mí personalmente me encantó aunque creo que fácilmente podría decirse que no es del todo de terror y seguro que a muchos no les gusta precisamente por resultar algo vago. A mí la atmósfera y las imágenes me parecieron preciosas, además que me encanta que Miike reivindique el papel de los siameses en el género del terror, que deberían ser mucho mejor aprovechados.
El siguiente corto es "Dumplings", de Fruit Chan, producción de Hong Kong. No estoy segura de cómo haya sido el proceso en relación con la película que existe también sobre la misma trama (y que en realidad es el corto alargado, ya que utilizan las mismas escenas y en la película se le anexan subtramas para completar las horas, claro), si fue primero uno o el otro. Yo vi la película hace algunos años y si bien me pareció bastante interesante hubieron algunos puntos que no me convencieron del todo. Mirando el corto me parece que la duración le favorece mucho más y que limitar la trama únicamente a la relación de la mujer millonaria obsesionada con su perdida juventud y de la cocinera excéntrica que prepara dumplings para la eterna juventud; fue un buen acierto que hace la idea mucho más disfrutable. Me parece curioso que a la mayoría de la gente que conozco que ha visto estos fragmentos les parece éste el mejor de los tres, quizá porque la idea es menos tópica, aunque en cuestión de desarrollo me parece el menos destacable.
El último es "Cut", de Park Chan-Wook y que tiene un dejo curioso a "Saw" aunque al parecer fue presentado incluso poco tiempo antes, oh. Protagonizado por el hace poco mencionado Byung-hun Lee, trata de un director que de pronto se encuentra secuestrado por un extra loco que lo tiene de rehén a él y su esposa en un escenario de lo más exagerado y cuyas intenciones no están del todo claras. Won-hie Lim queda fantástico como el extra loco que orquesta todo, aunque al final la historia parece un poco tópica en cuestión de los elaborados juegos macabros (que lo más probable es que sea tópica ahora que los hemos visto hasta el cansancio, aunque quizá por aquellos años todavía no lo era tanto).
Si bien es probable que un amante del terror asiático más usual se encontrará un poco decepcionado al no presenciar susto alguno en la historias, también es cierto que la presentación de las tres y la cohesión que se forma entre ellas a mí me pareció de lo mejor. Quizá también porque se agradece un conjunto de fragmentos que no se basen en los sustos fáciles y en las historias tópicas de fantasmas y venganzas y brujería que es lo que usualmente encontramos en estas colecciones. Deberían sacar incluso un "Three extremes III". Con Kiyoshi Kurosawa y Ji-woon Kim y mmmmmmm ¿Hua-Tao Teng?
¿Sugerencia para otro conjunto de cortos de terror?
Y, bueno, la última película que me tocó ver en Sitges. Para que no vayan a creerse que el festival fue infinito y que jamás dejaremos de hablar de él (por una parte ya tenía ganas de regresar a mis reseñas de películas no tan recientes pero por otro lado no me molestaría seguir viendo películas recién salidas del horno). Y, bueno, ¿qué mejor modo de cerrar bien las cosas que con Woody Harrelson?
"There are at least eight ways to break out of this dump. I'm taking the front door"
Durante el festival habían dos o tres películas que tenían la nueva temática de superhéroes cotidianos, ya saben, en el estilo "Kick ass" de un hombre que un día decide que las mallas le sientan bien y se pone a tratar de patear algunos traseros. Era difícil guiarse entre una y otra y yo seguí a Woody Harrelson y lo demás no importaba. Aunque aún me esperarían algunas otras sorpresitas.
Comenzamos con Defendor, es decir, Woody Harrelson mal vestido de superhéroe de negro, tratando de impartir justicia de algún modo torpe pero excesivamente animoso. Todo para ser arrestado después mientras comía hot cakes en algún restaurante cercano. ¿Qué lleva a un hombre a sentirse superhéroe? En el caso de Arthur Poppington, el alter-ego regular de Defendor, la situación está clara: alguna especie de retraso mental. Arthur es un adulto perfectamente independiente pero con la mente de un niño que ha llevado sus fantasías de superhéroes a un nuevo nivel implementando armas como avispas dentro de un frasquito o un rociador de jugo de limón. Es tan inesperado que incluso funciona por momentos. Por no mencionar que su buena constitución física lo hace bastante resistente a los golpes, y su espíritu heróico le evita rendirse antes de que pueda vengarse del Capitán Industria, el malévolo villano que mató a su mamá.
Gran parte de la película la vemos a modo de flashback. Arthur, ya con su traje de la prisión, se encuentra hablando con una psiquiatra (interpretada por Sandra Oh, a quien no nos cuesta en absoluto mirar como doctora) que va haciéndole preguntas sobre su breve carrera de superhéroe, y entre respuesta y respuesta nos vamos encontrando con las escenas que han llegado hasta ese punto. Defendor es tópico hasta la muerte porque Arthur ha aprendido todas las frases de los comics y no puede esperar el momento para usarlas. Y entre lío y lío termina por salvar a una prostituta drogadicta que lo guía, sin querer, sobre la pista de un importante traficante ruso y un supuesto policía encubierto que en realidad es corrupto. Pero ¿quién va a creerle a un retrasado que se viste de negro y se cree superhéroe? Defendor tendrá que tomar la situación en sus propias manos si es que espera que alguien imparta justicia.
La película compagina bastante bien un abanico de géneros, por un lado la comedia está bastante clara ya que prácticamente todas las situaciones son hilarantes, también tiene su buena dosis de acción aunque está bastante limitada en cuestión de sangre y tal pero bien aderezada por los toques cómicos, y finalmente es terriblemente tierna, que es obviamente lo que tenemos que esperar cuando la película tiene a un protagonista con problemas de este tipo. Aunque por una parte es de agradecer que tampoco se abuse de manera fácil de ese recurso ya que, como mencioné, Arthur es perfectamente dependiente y fuera de su actitud infantil nunca sentimos realmente lástima por él. Al contrario, sirve perfectamente para representar los sentimientos heróicos que despiertan los comics en los niños y que está claro que se van perdiendo con la 'racionalidad' (que es la contraparte de todas las personas que rodean a Arthur en la película). Pero es inevitable no caer en el juego de Defendor, porque en el fondo todos esperamos algún superhéroe.
Y ni qué decir que Harrelson está magnífico, hasta cuesta creer, al verlo, que pudiera ser el mismo tipo duro de "Zombieland", ya que sin notarse una actuación muy esforzada, logra dos papeles tan opuestos. Y adorables, ambos. También a destacar a Elias Koteas que a mí me gusta encontrármelo sin más por las películas.
Me encantó, me pareció bellamente tierna aunque quizá debí haber estado advertida porque las películas que tratan de personas con alguna deficiencia mental son mi talón de Aquiles y me hacen lagrimear a la primera de cambio. Aún cuando la película no es eminentemente dramática, enfatizo. De hecho es una gran película de acción y una gran visión del superhéroe que todos (o, bueno, yo al menos, y seguro que muchos más) quisimos ser de niños. Que supongo que es la idea con este nuevo sub-género de superhéroes 'reales', pero yo caigo en la trampa.
La película está basada precisamente en la figura del general George S. Patton, quien fue una figura apasionada aunque cuestionable entre los distintos dirigentes de tropas norteamericanas durante la Segunda Guerra Mundial. Comenzamos con un muy elocuente discurso, bandera al fondo, que de entrada nos deja muy en claro la actitud del general tanto como de los valores estadounidenses del momento. El discurso está hecho con varias frases del propio personaje, algunas de las cuales seguro que les sonarán bastante, y está armado con el explícito propósito de hacer un collage introductorio del mismo. A partir de ese momento seguiremos el paso del militar a través de distintos países y estrategias, no siempre en sus mejores momentos ya que pasa de ser un héroe a un loco con bastante facilidad, pero siempre fiel a sus propias ideas y congruente con las mismas.
