"Kalevet", Aharon Keshales & Navot Papushado

Día 5 del Maratón de Cine Film Focus. Nos vamos con algo de terror inusual de países de los que no solemos hablar demasiado en este género, o en ningún género: Israel.

"Are you sure this is the way?"

Generalmente, cuando una cinematografía no tiene una tradición para el género del terror, suelen optar por dos posibles caminos: aferrarse a algún elemento muy propio de su cultura para marcar la diferencia, o tratar de repetir las fórmulas que han visto han funcionado centenares de veces. Ambas estrategias son engañosas y conllevan sus propias facilidades y dificultades. "Rabies" parece optar descaradamente por la segunda, cambiando al usual grupo de adolescentes estadounidenses idiotas por un muy atractivo grupo de adolescentes israelitas idiotas. Parece todo tan evidente que uno puede creer que está por caerse de un momento a otro, pero los ases bajo la manga de esta cuidada producción apenas están por comenzar.

En realidad "Rabies" no comienza exactamente como la típica historia de adolescentes idiotas, y de hecho en un primer momento creemos que estamos por ver una reproducción de la fórmula de terror-tortura al estilo "Saw". Pero eso no dura demasiado, acto seguido nos encontramos con los cuatro protagonistas perdidos en medio de una carretera alejada de la civilización. Queda claro que uno no puede alejarse de la civilización en ningún país porque toda la naturaleza ya está poblada por criaturas y seres horribles. Israel no va a quedarse atrás. A partir de una serie de hechos desafortunados los jóvenes van a encontrarse con que el peor día de sus vidas está por comenzar.

Desde un primer momento puede parecer raro esa puesta en escena que parece tan preocupada por reproducir estereotipos al grado de hacerlos ver extraños. La serie de subtramas que convergerán dentro de ese punto inhóspito en medio del bosque se acercarán a su manera a distintos tipos de terror, sin buscar mucho más que ser funcionales en lo inmediato. Nos preguntamos constantemente a qué le tenemos que temer más: ¿a las implicaciones del terrible hecho que los detuvo? ¿a esos primeros personajes envueltos en una secuencia que se tarda en recuperar? ¿a las tensiones internas del grupo que están por explotar en cualquier momento? ¿a la policía israelí? (introducción de un buen elemento, yo siempre me inclinaré por temerle al abuso de poder) (aunque si me encuentro en medio de un bosque cuasi maldito quizá me lo replanteé, quizás). 

No hay que pensarlo mucho, "Rabies" consigue su mejor efecto precisamente en ser tan usual que resulte inusual. En abusar sólo un poco de sus mismas propuestas y exagerar las reacciones de sus personajes hasta inclinarse casi hasta la sátira. Sólo que no es una sátira, son personajes 'serios' tomando decisiones absurdas. Es un casi absurda película de terror contada con la más común de las estructuras del género. Justo en la línea en que uno puede verla como un terrible desacierto o quizá una estrategia mucho más pensada de lo que parecía en un principio.

Y yo me quedo con lo último. He leído bastantes malas críticas sobre ella cuando pienso que en el peor de los casos es una película que cumple con las mínimas expectativas de 'hicieron algo que no debían y se los llevo el carajo', que es lo que uno espera usualmente en estas películas. A mí este punto de exagerar las malas decisiones y hacer que el 'terror' se vuelva casi algo provocado por los mismos protagonistas, me pareció una buena decisión para hacer avanzar a la trama alejada de los tópicos con los que se concibe. 

Nada mal, Israel. Ya quiero ver la nueva película de Keshales y Papushado que al parecer está teniendo muchas mejores críticas que ésta.

¿Tengo que repetirlo? Día 5 del Maratón de Cine Film Focus. Pásele, pásele.

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"Mizu no onna", Hidenori Sugimori

Día 4 del Maratón de Cine Film Focus.

Japón, Tadanobu Asano, mujeres de agua. Todos mis amores.

"If only we could wash away names and pasts like we wash our bodies"

Aunque Hidenori Sugimori no parece tener demasiadas credenciales ("Woman of water" es, de hecho, su única película), a nadie extraña la maestría de los directores japoneses para retratar una apacible tristeza. Mundos lentos, quietos, inmutablemente dolorosos. A todo ello se suma el primer elemento clave: el agua.

Ryo, 'agua limpia y fresca', es una mujer que ha pasado toda su vida rodeada de agua. Por el oficio de un padre dedicado a llevar unos baños públicos, por la marca de la naturaleza en los momentos más trascendentes de su vida. Ahora está sola, en ese pequeño mundo que se le vuelve enorme y que se muestra azul y húmedo todo el tiempo. Un día se encuentra con Yusaku, un joven cuya fijación por el fuego lo presenta como el ideal para ocupar el puesto de encargado de las calderas. 

Ryo y Yusaku hablan poco, representan elementos opuestos, no se conocen. Pero sus naturalezas opuestas conviven armónicamente dentro de los baños, poblando sus silencios y dando un nuevo sentido a las señales casi premonitorias que habían compuesto la vida de Ryo. Pero no por demasiado tiempo.

"Woman of water" es una película que comunica con su estética todo lo que le falta en diálogos, consiguiendo lúcidos y elocuentes silencios. Ese micro-universo conformado por pocos espacios sirve para representar una serie de vidas que se han vuelto inmensas en su despoblada soledad. Haciendo que por momentos la historia de acción-reacción que conecta los encuentros entre la pareja protagónica y los pocos otros personajes errantes parezca menos importante que ese ritmo oscilante con que se presentan las escenas, fluidas, como olas que se  mueven o agua que se estanca.

Con una belleza y una fuerza fascinante es de lamentar que sea tan poco conocida, o que el director parezca ser una figura-excusa para concebir una historia que gire alrededor del protagonismo de la cantante japonesa Ua, quien interpreta a Ryo. Un protagonismo muy bien logrado y que además invita a reflexionar sobre las producciones por las que suelen inclinarse las cantantes en Japón, quizá a diferencia de otros países (pienso en los casos de Chara y Cocco, quizá también Salyu).

De Tadanobu Asano, ¿qué más puedo decir? Que me encanta.

Y una vez más, durante estos días no dejaremos de recordarles que se pasen por el Maratón de Cine Film Focus. Hasta parecer disco rayado.

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"Yawar mallku", Jorge Sanjinés

Día 3 del Maratón de Cine Film Focus. Momento de hablar de industrias cinematográficas de las que poco hablamos y sabemos: Bolivia.

"La ciudad se ha olvidado de los dioses"

La visión del indígena, un comodín no del todo desconocido para el cine latinoamericano, casi siempre ha estado condicionada por el filtro de la civilización: son personajes superditados a la presencia del Otro, al mundo planteado por la Civilización. En parte, claro, porque es difícil poner las palabras en la boca de grupos que en muchas ocasiones se han vuelto ajenos e incomprensibles para nosotros, o que hemos vuelto ajenos e incomprensibles. 

"Yawar mallku" significa, en quechua, "La sangre del cóndor". Retrata una de las situaciones de abuso social que se sabe han vivido muchas comunidades indígenas a lo largo del continente. Y el intento que se hace por cambiar la cámara de ángulo, por contar la situación desde el otro punto de vista, es sincero. 

La producción ha sido llevada a su mínimo: un rudo blanco y negro, una imagen de poca calidad, una casi inexistente preocupación estética. No se necesita un gran presupuesto para retratar la realidad más cruda. En una pequeña comunidad indígena de Bolivia una serie de retratos muestran los estragos de la pobreza, la falta de educación, la trampa de las organizaciones internacionales que con 'buena voluntad' les tienen la mano a los indígenas. Un hombre arrastra a su hermano que ha sido herido hasta un hospital en pésimas condiciones. Una pareja discute por qué los dioses no les han permitido tener más hijos después de la muerte por enfermedad de los suyos. Un grupo de estadounidenses se mueven entre sus viviendas de lujo y la marginalidad extrema a su alrededor como si fuese parte de su cotidianidad.

En muchos momentos históricos se ha abogado por la esterilización forzada con el argumento de que es necesaria. Disfrazadas de ayuda médica humanitaria, han habido organizaciones que se han dedicado a esterilizar a las mujeres indígenas sin siquiera decirles, ante un cierto razonamiento de que no tiene sentido que su raza continúe reproduciéndose en 'esas condiciones'.

Independientemente de ser un tema espinoso, los argumentos usuales oscilan siempre desde posiciones asumidas por individuos ajenos a la situación. "Yawar Mallku" propone revertir esa perspectiva, darle voz a los indígenas aunque no puedan formular sus razones del mismo modo en que nosotros. Dotando a la narración de una cierta extrañeza, de una oscuridad que se va disipando conforme vamos entendiendo lo que sucede.

Pese a su más que sencilla propuesta técnica, las imágenes y la historia cobran una fuerza increíble a través de las más pequeñas acciones. Conformando un retrato duro pero que de algún modo es necesario ver, de esos rincones oscuros en los que usualmente no nos detenemos demasiado. 

Por el cine boliviano me muevo bastante a tientas, difícil saber cómo continuar con él. Supongo que la opción será buscar más películas de Jorge Sanjinés y ver hacia dónde nos llevan.

No se olviden de pasarse por el Maratón de Cine Film Focus.

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"Haute tension", Alexandre Aja

Día 2 del Maratón de Cine Film Focus. Un poco de terror y violencia francesa nunca caen del todo mal. Si el papel de Alexandre Aja dentro del cine de terror estadounidense no ha terminado de cimentarse por completo, no sucede lo mismo con su pieza "Alta tensión", muy bien colocada dentro de la 'nueva ola' de terror hiperviolento francés.



"I won't let anyone come between us any more"

A estas alturas es difícil que alguien vaya a descubrir el hilo negro en lo que respecta a cine de terror. "Alta tensión" no lo pretende, incluso se construye en cierta medida como un tributo a los slashers de los años 70/80, con un estilo renovado y una nueva visión sobre esas recurrentes tramas de guapas jóvenes siendo perseguidas por asesinos casi paranormales.

Alexa invita a Marie, amiga y compañera de universidad, a pasar un fin de semana en la casa de su familia, en la campiña francesa. A estas alturas ya todos sabemos el horror que esconde la campiña francesa, ¿no? Claro, lo que debiera ser un fin tranquilo a mitad de la nada termina por teñirse de sangre cuando un hillbilly francés irrumpe en el hogar y todo se va al diablo. Marie está dispuesta a sobrevivir, sin importar lo que sea necesario, y a recuperar a Alexa, quien ha sido secuestrada por el siniestro desconocido.

Una trama bastante conocida, compuesta en gran medida por escenas de acoso y persecución, brilla bajo una nueva luz gracias a la fantástica capacidad del director para manejar la acción y el suspenso, y por el modo en que se aprovechan los elementos más típicos sin perder de vista su cliché pero renovándolos en cierto sentido. Un oportuno exceso de sangre y una revisión de las psicologías criminales que hicieron el festín de tantos slashers nos lleva hasta una cinta que si bien puede pecar (sobre todo vista a unos años de su creación) de ser algo ya visto, consigue incorporarse bastante bien en esta línea de terror sangriento muy francés que ha aparecido en los últimos años.

Marie, pese a tener un *giro inesperado* final que ya hemos visto un centenar de veces, es un personaje interesante y carga muy bien con casi todo el peso de la trama. 

Si bien no es una de mis películas favoritas del estilo producidas en Francia, es cierto que la mejora en la cuestión de hiper-violencia y revisión psicológica ha mejorado exponencialmente hasta ejemplos más recientes como "Mártires".

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"Rentaneko", Naoko Ogigami

También fue una cálida noche de verano cuando me tocó ver "Rentaneko", el intento felino de Ogigami de llenar con gatos el vacío de nuestros corazones. Porque para eso están los gatos, ¿no? Y no se me ocurre un mejor modo para iniciar con el 2o Maratón de Cine Film Focus que hablando de esta fantástica película.

"Este gato seguro que llena el agujero de la soledad en tu corazón"

Hay tantas películas sobre lo tiernos y maravillosos que son los perros que parece casi injusto que el sector demográfico online de los gatos sea casi exclusivo para los videos de youtube. Que tampoco es que nos vayamos a quejar. Naoko Ogigami, quien ya ha conseguido excelentes retratos íntimos de mujeres inusuales nos introduce ahora a Sayoko, una mujer japonesa que ya desde su presentación nos resulta de lo más inesperada: muy alta y torpe para el estereotipo de la mujer nipona. Su mundo siempre ha sido raro y ella nos los narra con toda la naturalidad de quien está reconciliada con su realidad, por extravagante que puede parecer.

'Desde que era pequeña siempre me han seguido los gatos'. La casa de Sayoko está poblada de gatos callejeros, ella los acepta dentro de su reino pero también está consciente que del mismo modo en que tu papel en el mundo ha sido acoger a todos esos gatos, sabe que cada uno de ellos tiene un destino propio que cumplir. Todos los días sale a la calle jalando su pequeño carrito que constituye su innovador negocio: Renta Un Gato. A modo de episodio Sayoko se encuentra con diversos personajes que están en momentos difíciles de su vida, y que no podrían cargar con la responsabilidad de adoptar un gato a tiempo completo. El gato no es una excusa, es parte del mismo destino que cada uno debe cumplir. Sayoko les renta los gatos sabiendo que cuando hayan cumplido su cometido podrá ir por ellos y empezar de nuevo. Su lema es que cada uno de esos gatos es capaz de llenar el vacío en el corazón de las personas. 

Una película bellla y curiosa, que lo mismo se inclina hacia la comedia que nos presenta una fantástica y compleja reflexión sobre la vida y sus decisiones. Más que una película sobre mascotas es una película sobre interacciones humanas, que no siempre tienen que ser necesariamente sólo entre humanos. Sobre los momentos cruciales de nuestra vida y todo lo que nos rodea en ellos y se incorpora en nuestro universo. En este caso los gatos, peludas y encantadoras compañías que bien pueden llenar algún vacío. 

Ogigami una vez más consigue una película que parece cimentarse sobre la idea de reencontrarse a uno mismo. Una idea mutable, inexacta, pero que cobra por completo sentido una vez cerrado el ciclo que compone la historia. Creo que nunca pensé encontrarme con una película tan bien lograda sobre gatos (ya sabemos que tienen su buena fama de ser unos malagente).

No olviden seguir el Maratón de Cine Film Focus. Arrancamos.

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"Átame!", Pedro Almodóvar

¿A dónde van los desaparecidos? Un rato sin pasarme por acá, oh. Un poco en contra de mi voluntad, confesaré. Pero igual trataré de remediarlo rápidamente hablando de Almodóvar.

"Ser libre significa también estar solo"

Principios de los 90 y Almodóvar viene de sus mujeres al borde de un ataque de nervios. Su cine desenfadado, surreal, colorido, está por verse inyectado de esa discreta y transformada fijación por la violencia, sumada a la condición irreal de toda la puesta en escena. Ricky es un hombre que ha crecido en instituciones mentales donde ha aprendido un poco a la mala a vivir, pero también a permanecer dentro de ese mundo fantástico que hay en su cabeza. Ahora que está por ser *liberado* se encuentra de golpe con esa realidad que no es tan bonita después de todo. Excepto que él tiene un plan, un plan muy sencillo con el que planea encaminar el resto de su vida: encontrar a Marina, actriz porno, y encerrarla hasta que se enamore de él. Porque así es como funciona el amor.

Y sí, de algún modo 'así es como funciona el amor' en Almodóvar. La realidad más cruda no es ajena a esa extravagancia propia de su cine y Ricky no es un personaje tan anómalo como la situación parece sugerir. Es un loco en un mundo de locos, donde la perspectiva de su plan de secuestro es totalmente viable y la historia que plantea es sin duda una historia de amor. El amor en los tiempos del síndrome de Estocolmo, porno y musicales incluidos.

"Átame!" conjuga varios de los distintos elementos que definen el cine de Almodóvar: historias de raíces violentas, de propuestas trasgresoras, presentadas con un desenfado extremo, hiladas por un cierto sin-sentido que parece querer proclamar que 'cosas más raras se han visto'. Que esa extraña y retorcida historia de amor perseguida por un jovensísimo Antonio Banderas es tan solo una extravagancia más, que incluso puede permitirse todos sus clichés. 

Sin duda el reino de Almodóvar en una de mis manifestaciones favoritas. 

Me encanta. 

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"High noon", Fred Zinnemann

Y para concluir, de una vez, este prolongado mini maratón de Zinnemann, la que debe ser su película más conocida y un clásico del western: "High noon", o "Solo ante el peligro".

"You risk your skin catching killers and the juries turn them loose so they can come back and shoot at you again. If you're honest you're poor your hole life and in the end you wind up dying all alone on some dirty street. For what? For nothing. For a tin star"

A pesar de ser considerado uno de los mejores westerns de todos los tiempos, también se ha descrito a la película como 'un western para aquellos a los que no les gustan los western'. Y algo de razón tendrán, porque para ser una película protagonizada por vaqueros y regida por el eterno tópico de 'en este pueblo no entramos los dos', su desarrollo se aleja de lo que el género suele ofrecernos. Consiguiendo una suerte de maravilla en todos los aspectos.

Aunque es asociado de manera bastante directa con la acción, no todo son balazos al por mayor cuando estamos hablando de cine de vaqueros, pero es cierto que hay un movimiento constante, una serie de situaciones que se inclinan hacia esos momentos en que todo tendrá que arreglarse por las buenas o por las malas. Y apenas comenzar la película eso es lo que parece prometernos: el sheriff Will Kane se encuentra con que su ansiado momento de casarse y colgar su placa se verá pospuesto por la llegada de un grupo de criminales encabezados por Frank Miller (quien luego se haría famoso por sus novelas gráficas, obviamente) quienes arriban al pueblo para vengarse del justiciero. Kane podría sólo irse y desligarse del problema pero ya sabes que así no eran los vaqueros de antaño y está dispuesto a defender la ley hasta sus últimas consecuencias, aunque eso signifique dejar de lado a su bellísima esposa. 

Y aquí es cuando empiezan los balazos y la lucha a destajo, ¿no? No.

En un revés nada usual para el género, la película se construye precisamente sobre la inacción. En un primer momento porque la espera se prolonga desde el inicio hasta su clímax último, construyendo parte del concepto de la película sobre la hora que le da título. Pero la falta de acción también constituye a los personas, sobre todo los que se van alejando de la dicotomía bien/mal representada por Kane y Miller. El pueblo entero se verá involucrado en este encuentro pero las horas de Kane se irán en moverse entre una indiferencia peligrosa y violenta. Pocos serán los que tomen una posición consciente respecto a la situación, y en muchos de los casos esta misma posición poco contribuirá a lo que parece irse perfilando como una tragedia a punto de suceder.

Para una historia que en cierta medida puede describirse como una larga espera, el desarrollo de la trama es fantástico y potente. Al tiempo que una antítesis de la estructura más usual del cine western es una excelente representación y cuidadoso análisis del mismo. Y no sólo eso, en su momento representó también una sutil pero fuerte crítica a la sociedad estadounidense y a la industria cinematográfica por ser incapaces de actuar contra los sucesos políticos del momento y las intransigentes leyes de censura que comenzaban a apoderarse de las producciones. Carl Foreman, guionista y productor de la película, fue una de tantas víctimas de las listas negras de Hollywood.

Del reparto ni qué se diga, poco necesita hacer Gary Cooper para construir la película a su alrededor de modo tan contundente. Y su cuasi triángulo amoroso entre Grace Kelly y Katy Jurado, tremendas féminas antagónicas, configura una de las mejores subtramas de la película, sin que sea del todo necesario el componente romántico para que disfrutemos de la fuerza en pantalla de ambas actrices (sobre todo de Jurado, y que me perdone Grace).

Y ahora sí, ¿tienen alguna película de Fred Zinnemann favorita?

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"A man for all seasons", Fred Zinnemann

Continuando muy lentamente con el mini maratón de Fred Zinnemann: otra película histórica, aunque un poco más de época que la anterior. Nos vamos con el rey Enrique VIII y Tomás Moro.

"You're honest. And what is more to the purpose, you're known to be honest. Those like Norfolk follow me because they're jackals with sharp teeth and I'm their tiger. A mass follows me because it follows anything that moves. And then there's you"

La película se concentra en un momento histórico que todos sabemos a grandes rasgos que sucedió pero del que quizá desconocemos los detalles, o a cuyos personajes hemos reducido a un conjunto de conocimientos generales y perfiles acartonados. Enrique VIII, en algún momento de su reinado, rompió con la Iglesia Católica cuando ésta se negó a permitirle el divorcio y dejarlo volverse a casar bajo la bendición de la Iglesia. Detalles más, detalles menos. Enrique VIII sin duda fue un personaje histórico de lo más interesante, aunque aquí al 'hombre para todas las estaciones' al que alude el título no es él, sino otro hombre no menos interesante históricamente, Tomás Moro.

Si la premisa real ya da bastante de sí para una trama de intrigas de la corte, de tensión constante entre las partes que se encuentran y desencuentran en el plano de la acción y de la teoría, la película cobra fuerza sobre todo en su capacidad de reproducir con detalle un momento tan complejo, con una red de relaciones, máscaras e ideas tan basta, con un cuidado ejemplar y sin restarle en absoluto fuerza al perfil de sus protagonistas. Tomás Moro, representado por Paul Scofield, cumple a la perfección con representar una personalidad tan fuerte que consiga conjuntar los aspectos más espirituales del magisterio religioso y una verdadera pasión por la vida. Un hombre excepcional insertado dentro de una estructura religiosidad poblada por individuos que aprovechan sus majestuosos ropajes con finalidades muy poco católicas (no es que a nadie sorprenda). Pero aunque es él el eje principal de la película, eso no impide que el abanico de personajes con los que se encuentra a través de la trama, sobre todo Enrique VIII, consigan transmitir una imagen tan potente incluso cuando sus participaciones sean algo breves. Por ahí se nos aparece el buen Orson Welles enfundado como cardenal.

La estructura a modo de intrigas políticas por momentos puede predisponernos a esperar un poco más de acción de la que la historia finalmente los ofrece, mucho más centrada en una revisión filosófica y moral de los personajes y la época, que sin duda cumple a la perfección. 

Esta producción confirma mis sospechas de que a Zinnemann realmente se le dan las adaptaciones históricas, aunque ahora es difícil superar mi amor por el ficticio Chacal.

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"The Day of the Jackal", Fred Zinnemann

Y continuando con mi nueva pasión por los mini maratones, me tocó continuar con un director cuyo nombre no suena tan conocido pero cuyos méritos lo llevaron a incluirse en mi eterna lista de opciones para mini maratones: Fred Zinnemann. Y comenzando con el Día del Chacal.

"We are not terrorists, you understand. We are patriots. Our duty is to the soldiers who died fighting in Algeria, and to the three million French citizens who have always lived there"

Todo esto del Chacal yo lo relacionaba rápidamente con Bruce Willis, en la suerte de remake (o re-adaptación de la novela original) que co-protagonizó junto con Richard Gere en los 90. Que se inclinaba mucho más a la acción, las grandes secuencias de asesinato y el más puro estilo Willis noventero. No es que vaya a quejarme pero eran expectativas muy distintas a las que parecía presentar este proyecto, varias décadas atrás, y alejado del gringo-centrismo de crímenes estadounidenses dirigidos a figuras públicas estadounidenses y frustrados por la inteligencia estadounidense.

Francia, inicios de la década de los 60. Un grupo de la resistencia ha intentado en varias ocasiones asesinar al presidente Charles de Gaulle, aunque sin mucho éxito. El grupo sobrevive gracias a robos que continúan financiando sus proyectos pero han decidido que es hora de tomar las cosas en serio y contratar a alguien que solucionará sus problemas de una vez por todas. Tienen al hombre adecuado: un mercenario reconocido por sus trabajos políticos en las circunstancias más excepcionales a nivel internacional. Adoptando el nombre clave de El Chacal, planeará un delicado plan para lograr su objetivo, al tiempo que la policía francesa tiene que hacer gala de todos sus recursos para seguir una trama tan aparentemente fantasiosa como difícil de rastrear.

El cuidado histórico es uno de los primeros elementos que consiguen sumergir en la historia, ya que si bien intento de asesinato no es un hecho real (es casi una pena, con lo bien elaborado que está) todos los detalles a su alrededor están colocados para hacerlo lo más verosímil posible. Olvidando todo lo que Bruce Willis podría habernos hecho creer, la historia se centra más en el aspecto de planeación y el difícil seguimiento policial, que en los pocos vestigios de acción. Y no se necesita mucho más, los trazos con los que se construye el gran plan son tan sólidos y bien planeados, la construcción de todos los personajes es más que oportuna y la batalla planteada a partir de pequeños pasos, las lecturas constantes del enemigo. Toda la tensión de táctica y estrategia que está inmejorable. Y el principal responsable de ello es sin duda El Chacal, que no sólo es un excelente personaje sino que está increíblemente representado por el actor Edward Fox. Creo que consigue encarnar a la perfección todo lo que nos imaginamos de esos enigmáticos asesinos a sueldo inteligentes: es carismático, serio, cuidadoso, capaz de ir de la teoría a la acción sin pestañear. Uno diría que conjuga lo mejor de Sherlock y Moriarty. Sin duda es su peso capital en la historia uno de los grandes responsables de que el conjunto, ya de por sí excelentemente planeado, funcione y atrape. 

Sin duda el guión basado en la novela de Forsyth es un buen punto de partida pero todo parece indicar que a Zinnemann se le dan las cuestiones históricas. Seguiremos hablando al respecto.

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