"María Candelaria (Xochimilco)", Emilio Fernández

Y continuamos, muy lentamente, con otra película más de la lista de las 100 mejores películas mexicanas (hasta los años 90): en el lugar número 37, la mítica María Candelaria.

"Hay cosas que nada más con tocarlas, sangran. Ésta es una de ellas"

"María Candelaria" (nunca he entendido muy bien esa suerte de subtítulo de "(Xochimilco)") es una de las poquísimas películas mexicanas que han sido ampliamente reconocidas a nivel internacional, llevándose incluso la Palma de Oro en Cannes (aunque, todo sea dicho, ese año le dieron la palma a medio pueblo). Y que le valió un merecidísimo reconocimiento también al fotógrafo Gabriel Figueroa y a su protagonista, Dolores del Río. Además de inaugurar un tipo de tramas dentro de la filmografía de Emilio 'el Indio' Fernández y que sería festín de tantas otras películas del Cine de Oro Mexicano: la idealización del indígena.

María Candelaria es una indígena que vive en Xochimilco, donde es rechazada por todos los demás habitantes por hija de una prostituta. Ella necesita poco para ser feliz y tiene a su lado a Lorenzo Rafael, un hombre que la ama pese a todo pero con quien no puede casarse porque diversos obstáculos se interponen entre ellos. Nos adentramos a su vida a través de un retrato, frente al cual el artista la rememora y repite su triste historia, llena de infortunios y tragedias. 

Como muchos dramas mexicanos, el romance entre María Candelaria y Lorenzo Rafael (en el que no faltan terceros, añadidos, opositores y de todo) es una martirología que parece pretender sublimar a sus protagonistas a través de la tragedia. De algún modo esa perspectiva del director englobaba al concepto general del indigenismo, al que retrata como una raza pura, aislada, marcada por un destino funesto ante la incomprensión social contra la que no pueden revelarse. Sospechamos (sabemos) desde un inicio que los protagonistas están destinados a sufrir porque eso los ennoblece a ellos y a su amor. Los obstáculos por los que atravesarán son una serie de convenciones sociales que, por más dramáticas que puedan parecer en algunos puntos de la historia, por desgracia tienen arraigos en males reales que no están tan lejos de nosotros como nos gustaría creer. 

Aunque en retrospectiva uno puede cuestionar muchos de estos mensajes y sus implicaciones en el retrato de cierta sección de la población que era real y no sólo una oportuna 'raza de bronce' cinematográfica, lo cierto es que "María Candelaria" es un excelente representante de su género y una maravilla técnica. Desde los propicios escenarios de Xochimilco pasados por el fantástico lente de Gabriel Figueroa, hasta la apropiada composición para un melodrama en toda norma, no es de extrañar que sea una de las piezas clave en la carrera de todos los involucrados. Aunque hay que aceptar que Dolores del Río y Pedro Armendáriz no lucen precisamente muy indígenas pero ¿cuándo le ha importado eso al cine?

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"Calvaire", Fabrice Du Welz

Y seguimos con cine francés del bueno. O, ajam, el bueno que involucra un montón de sangre y gente siendo perseguida por misteriosas y aterradoras razones.

"Are you going to crush my heart again?"

Llegué a "Calvaire" (me encanta cómo suena en francés) porque alguien me comentó sobre una lista de 'las películas más violentas y perturbadoras' que incluía un par de títulos en los que se podía confiar, como "Mártires" e "Irreversible". Que es debatible, como todo, si son las *más* violentas y perturbadoras pero sin duda son un precedente real. Entre ellas, "Calvaire" pintaba para ser algo importante, además de ser también francesa. Y yo no necesito muchas excusas para inclinarme hacia la violencia extrema. 

La trama es de libro de texto sobre terror: un hombre, que se dedica a hacer pequeños espectáculos en distintos lugares, va viajando por una carretera perdida de la mano de dios (¿qué les he dicho de la campiña francesa?) cuando su auto se descompone cuando la noche está por caer. Ahí es cuando debió saber que estaba condenado, pero no, llega a una pequeña posada cercana donde un muy amable (quizás demasiado amable) hombre lo recibe emocionado. Y, el horror.

Es injusto pensar en "Calvaire" en simples términos de violencia y perturbación, sobre todo si hay otras películas como para punto de referencia. Uno puede pensar en "Frontiere(s)" y esperar que de un momento a otro aparezca la familia caníbal, salten las oscuras criaturas escondidas detrás de las paredes, la persecución comience y todo se vuelva una cacería o un escape a gran velocidad. Pero nada de eso pasa, la película se toma todo el tiempo del mundo para presentarnos una historia *típica* y hacernos sentir incómodos hasta que no podamos más, creando personajes contradictorios, confusos, con los que resulta difícil sentir simpatía. Es esta primera atmósfera en que sabemos que algo va a pasar pero no reconocemos la puesta en escena y eso nos incomoda, la que construye la película desde el inicio, desde el primer momento en que Marc, el cantante en cuestión, aparece por primera vez y no terminamos de saber si es un hombre que merece nuestra lástima (dado que vemos a kilómetros dónde va a terminar) o si es un personaje algo patético, algo cruel. Pero no del todo, del mismo modo en que Bartel, el amable hombre que le abre las puertas de su posada, no termina tampoco de ser el hostelero amable, porque sabemos que hay algo más detrás.

Y luego, claro, el horror.

El resto de la película puede verse también como un desarrollo que en cuestión de estructura no sorprende a nadie, pero su posicionamiento lejano, frío, la simplicidad brutal con la que muestra la violencia, nos mete en la trama como si estuviéramos sufriendo la historia por primera vez. De algún modo sabemos, en términos generales, qué es lo que sucede, no hay mayor ciencia, pero al mismo tiempo no sabemos nada, no conocemos las motivaciones reales de nadie, sólo seguimos la *historia de terror* como se nos ha planteado largamente sin entender. Y esa ignorancia es también incómoda, y dolorosa. 

Es, sin duda, una película difícil de definir y para muchos puede que esta falta de adrenalina, explicaciones o construcción más compleja de los personajes, termine por perderlos un poco y hacer ver la película como si le faltara algo. Para mí, en su justa y extraña medida es un ejercicio maravilloso y perturbador de cómo se puede reinventar una trama conocida. Laurent Lucas y Jackie Berroyer son increíblemente poderosos en todas sus dimensiones y sobrellevan de manera excelente todo el peso de la trama. Lucas de por sí ya tiene un noséqué encantador y siniestro a la vez.

¿Cuál película pondrían ustedes en una lista de *las más violentas y perturbadoras*?

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"It's a wonderful life", Frank Capra

Y para terminar de una vez por todas con el maratón del buen Frank Capra, nos vamos con la que es sin duda su más grande clásico: "It's a wonderful life".

"Strange, isn't it? Each man's life touches so many other lives. When he isn't around he leaves an awful hole, doesn't he?"

Me imagino que a estas alturas ya queda bastante claro que Frank Capra y yo en definitiva no estamos hechos el uno para el otro. Para culminar con una cereza en el pastel de mi amarguez, debo confesar también que no me gustan las películas navideñas ni las que tienen la típica estructura del tipo '¿qué hubiera pasado si...?'. Sí, el mejor modo para encontrarse con "It's a wonderful life".

George Bailey es un hombre muy bueno, que ha dedicado su vida entera a ayudar a la pequeña comunidad en la que vive sacando adelante el negocio navideño y contraponiéndose a los intereses del malvado Mr. Potter que controlaría la ciudad si pudiera. Porque así funcionan las pequeñas comunidades en Estados Unidos, al parecer. Poco antes de navidad la tragedia se cierne sobre la compañía de Bailey al perder el dinero que tenían que pagar para saldar sus deudas. Cuando todo parece ir de mal en peor Bailey se encuentra en ese momento de su vida en que un hombre se cuestiona de qué ha servido toda su vida y sino sería mejor para todos que desapareciera de la faz de la tierra. Y oh oh, el milagro navideño viene a mostrarse primero en su modalidad menos agradable.

A James Stewart al parecer le vienen bien esos papeles de idealista máximo y aquí tiene hasta un poco de mérito extra porque el hombre estaba regresando de la guerra y no se sentía tampoco de lo más convencido de poder dar una actuación como era necesaria para el tono de la película. La historia se construye en su totalidad, como bien nos lo advierte el título, sobre el mensaje de que la vida es maravilla y todas nuestras pequeñas acciones, por buenas o malas o nimias que puedan parecer, contribuyen a componer la totalidad del universo en nuestra interrelación con las demás personas. A través de imágenes duras Bailey deberá recuperar las ganas de vivir y todos sabemos que ese es el milagro navideño. 

Entiendo que el hecho de que la película haya salido casi inmediatamente después del fin de la Segunda Guerra Mundial habla mucho de la historia, que sin duda era necesaria para un pueblo tras el duro golpe vivido. Pero claro, que si me pongo a pensar en implicaciones socio-políticas del momento y la construcción de este mensaje hollywoodense, hasta esa sutil manipulación me va a parecer terrible. Si le sumamos que no me gustan este tipo de historias y que el pastelazo tan evidente me empalaga muy pronto, es claro que le voy a fallar eternamente a una cierta fracción del cine clásico de Hollywood.

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"Mr. Smith goes to Washington", Frank Capra

Continuando con el pequeño maratón de Frank Capra y sus idealistas proyectos cinematográficos: "Mr. Smith goes to Washington" (o como extrañamente fue traducido en algunas partes: "Un caballero sin espada").

"Liberty's too precious a thing to be buried in books, Miss Saunders. Men should hold it up in from of them every single day of their lives and say: I'm free to think and to speak"

Viendo la situación por la que atravesaron muchas de las producciones de Frank Capra, da la sensación de que fue un hombre bastante incomprendido en su tiempo. Quizás demasiado idealista, o quizás el mensaje concreto que quería transmitir es difícil de distinguir del más aparente en sus historias, como podría suceder con este caso.

Mr. Smith es un hombre de provincia, que se mueve más cerca a su sociedad que a la política dura. Por unos caprichosos azares del destino es llamado para cubrir un puesto en el Senado de la capital y parte lleno de ilusiones a Washington. Él no lo sabe pero sólo ha sido elegido por ser una buena imagen y porque es casi en extremo ingenuo. Una vez en el senado se le trata de mover a favor de cualquier interés de su partido y cuando busca hacer cualquier avance mínimo para su comunidad es tratado de manera bastante despectiva. A la mala tendrá que aprender cómo se mueven los intereses de la nación, de los partidos políticos y de todos los demás grupos que se mueven a su alrededor, cuando una especie de complot parezca cernirse en su contra y ante el cual deberá demostrar su inocencia.

No es difícil ver la imagen del caballero idealista que *verdaderamente quiere lograr un cambio* y se encuentra de golpe con la dura realidad. Y no sólo con ella sino con todos aquellos que se aprovechan y lucran con ella. A través de situaciones difíciles, altibajos y una batalla también muy idealista, es que este caballero tendrá que salir adelante con los consabidos valores del modo de vida estadounidense que a día de hoy las películas nos siguen recordando a la mínima excusa. 

Como tal, la película sigue al pie de la letra la conocida estructura y hace gala de un ideal que también parece formar parte de la perspectiva de vida del propio Capra. Y Mr. Smith es sin duda el caballero *sin espada* pero con muchos ideales capaz de conmover y llevar la verdad hasta los corazones de todo Estados Unidos. O algo así. 

Desde mi perspectiva de amargada que no disfruta de por sí de este tipo de películas, el guión peca sobre todo de no tener una problemática demasiado interesante. Es parte de su chiste, sí, que el asunto sea tan cotidiano y que de todos modos un hombre pueda verse tan asfixiado en él, pero si uno no disfruta esta tópica lucha por los ideales de una nación se encontrará que, además, la situación en sí misma no da demasiado jugo.

Y luego está el asunto de que en su momento la opinión sobre la película fue en exceso dividida. Tal vez por ese afán de enfatizar el idealismo mismo, sin involucrarse demasiado con sus circunstancias o sin querer congraciarse con nadie más que con el texto y el personaje en sí. Paradójicamente fue una cinta muy atacada por el gobierno en turno y agrupaciones cercanas (como la de periodistas encargados de cubrir la política) por su clara alusión a la corrupción y flujo de intereses en el congreso (pero qué sorpresa), al tiempo que fue prohibida en muchas dictaduras o similares en otros países por considerar que daba una imagen muy positiva de la democracia. A la co-protagonista, Jean Arthur, le parecía que James Stewart era un Mr. Smith no lo suficientemente viril y a los Boy Scouts no les interesó que su nombre fuera asociado con la agrupación juvenil que apoya al bueno de la película y que tuvo que cambiar de nombre. 

Y sin embargo, años después, tenemos una película que no sólo es uno de los grandes clásicos del director sino que ha sido señalada como un gran impulsor para jóvenes que luego decidieron incursionar en la política. Oh, eso es lo que consiguen los ideales estadounidenses, al parecer. Yo es que sigo sin entenderlos (o apreciarlos, supongo) demasiado.

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"It happened one night", Frank Capra

Como siempre, me desaparezco. Aunque en este caso tengo una justa excusa y es que mi computadora renunció a seguir a mi lado y dijo que nunca más, dejándome sola y sin mucho acceso a otra tecnología durante algún tiempo. Pero ya tendré mi venganza. Mientras ello sucede, nos vamos con otro mini maratón, ahora de Frank Capra.

"Any guy that'd fall in love with your daughter ought to have his head examined"

Con Billy Wilder pensé que quizá estaba superando mi usual aversión a las comedias estadounidenses, pero tal parece que no es sino una excepción. Creo que estoy incapacitada para conectar con el género, por más clásico que sea, sobre todo cuando se acerca a sus manifestaciones durante la Gran Depresión. Y eso es lo que sucede con "Sucedió una noche".

Todo parece indicar que no soy la única: casi todas las personas que estuvieron involucradas en la producción, o que podrían haberlo estado, aborrecieron la historia y todo su proceso. Cosa que quizá al final pueda haber resultado positiva en cuanto a que los protagonistas realmente parecían odiarse en pantalla. Y Claudette Colbert era realmente insoportable.

La trama ahora puede parecernos casi un tópico pero en su momento fue la primera 'screwball comedy'. Películas que emulaban en cierta medida al film noir, tenían poderosas e impulsivas protagonistas femeninas, trataba la cuestión de clases y temas como el matrimonio. Casi nada. Ellie es la hija de un millonario quien parece decidida a arruinarle la vida a su padre tanto como pueda (oh, el psicoanálisis), lo que en ese momento se entiende como ir a casarse con un hombre contra el que su padre se opone. Hace su espectáculo de huir de su yate privado para tratar de ir al encuentro de su amado con sus propios medios. Pero por ahí se aparece Peter Warne, un aparente 'buen samaritano' que no tiene tampoco demasiada paciencia y que en realidad es un reportero que sigue a Ellie para escribir sobre ella. Y ¿pueden imaginar? Del odio nace el amor.

La película se fundamenta en enorme medida sobre esta idea de que dos personas que en principio se detestan y se hacen la vida imposible, pueden ir acercándose peligrosamente el uno al otro. Y también la comedia de situación que se aprovecha de sacar a personajes de sus estratos sociales para verlos enfrentarse con *la difícil realidad*, como es el caso de Ellie quien se cree que puede hacer lo que quiera, como siempre le ha funcionado. 

No sé si suponer que gran parte del encanto de la película depende de sus protagónicos (que no fueron precisamente los primeros en ser llamados para los papeles pero ¿ya les comenté que nadie quería salir en la película?) o si toda la estrategia era realmente tan novedosa en ese momento. Vista a la distancia y con mis particulares relaciones con el género, no puedo entenderlo muy bien y de lo poco que me quedó claro es que Ellie era increíblemente odiosa. Clark Gable, por otro lado, consigue que la trama sea al menos entretenida, aunque a mí me cuesta no sentir que de pronto tiene un cierto aire a Tin Tán. Oh.

Está claro que mi relación con Frank Capra no va a ir mucho mejor.

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"Sui yuet san tau", Alex Law

Películas que alguien me recomendó en algún momento aunque ya no lo recuerde. "Echoes of the rainbow", Hong Kong entre la nostalgia y la fantasía.

"And in the end the greatest thief of all is time"

El cine chino de antaño, al igual que muchos otros equivalentes nacionales, tenía su correspondiente punto débil por el drama. Como sociedad parece que nos encantan esas historias capaces de conmovernos y, en casos como éste, de devolvernos a otra época y a otro modo de ver las historias. "Echoes of the rainbow" se presenta como una oda nostálgica y bella al Hong Kong de años atrás, y al modo en que se hacía cine en aquel entonces (cuando no era cuestión de artes marciales o criminales, que seguirán siendo el sello característico de Hong Kong en el imaginario popular).

Orejas Grandes es un niño que no parece tomarse la vida demasiado en sueño, en medio de sus ensoñaciones, sus gustos particulares y su tendencia a no responsabilizarse por nada, nos introduce a su vida y todo lo que la compone. Sus padres tienen una pequeña zapatería local, su hermano mayor es todo lo opuesto a él: estudioso, responsable, excelente en todas las áreas en las que se maneja. 

Lo que en un principio parece un recuento de las aventuras de Orejas Grandes, entre las alegrías y las desgracias familiares, filtradas por una excelente fotografía con un toque fantasioso, se ve convirtiendo de manera inexorable en una lección de vida y en el camino que dirige al niño hacia el punto en que su vida tendrá que cambiar y se verá forzado a madurar. Ese íntimo y doloroso tránsito en el que se abre por primera vez los ojos y se comprende lo que se ha vivido hasta entonces. Matizado por una historia que sigue los cánones del buen melodrama y que pierde un poco su efecto cuando nos damos cuenta (por haber visto ya tantas veces la misma historia) hacia dónde nos dirigimos y cuál es el final típico que la trama persigue. 

Lo que tiene en esmerado cuidado estético, ambientación, buenas actuaciones y un buen manejo de las escenas dispersas, lo va perdiendo en originalidad, ya que termina por ceñirse mucho a varios tópicos del melodrama sin siquiera tratar de maquillarlos o transformarlos un poco. Tal vez como parte de la misma intención de retomar historias conocidas, apegándose fielmente a ellas aunque puedan parecer un poco anacrónicas (acorde a la ambientación misma de la película), pero a menos de que se sea especialmente fanático del género y no se esperen muchas sorpresas, el efecto puede ir decayendo hacia el final. 

Y sin embargo de Alex Law tengo otras películas pendientes, aunque tampoco recuerde por recomendación de quién. Ya veremos después cómo maneja otros proyectos.

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"Carmina o revienta", Paco León

Sin duda el primer y más grande gancho de esta película es que Paco León se estrene como director de largometrajes. Pero también es cierto que sus estrategias de distribución fueron una apuesta interesante y arriesgada para el cine español.

Y a mí es que él me encanta.

"Muchas veces me entran ganas de tirar los trapos al carajo, irme con un tapicero y que me haga un traje como un sofá de tres plazas con cojines incorporados"

La idea parte de un guiño al cine de Vicente Aranda y al ladrón Eleuterio Sánchez, y de la confianza de que uno siempre tiene una historia qué contar, y que muchas de esas historias nacen en la familia. Paco León ha hecho de sus orígenes andaluces un tremendo personaje cómico y lo que queda claro es que el asunto corre en la sangre.

A modo de falso documental, todos los personajes son y no son quien se supone sean. Carmina Barrios es la madre de Paco León pero también la dueña de una pequeña tienda que sobrevive a duras penas después de unos robos. María León es la hija que ayuda en lo que puede aunque la relación con la madre no siempre sea la mejor. Y un variopinto reparto de personajes que son cercanos a la familia León y que intercalan anécdotas reales con su participación en la trama ficticia que mueve la película.

Lo de menos son los jamones desaparecidos y el plan que Carmina se monta para recuperar lo que ha perdido. Los 70 minutos de película se sostienen en la capacidad que tienen algunas personajes de atrapar a su interlocutor contando cualquier cosa. Y la historia es eso, un clavado entero en Carmina Barrios, persona y personaje, y el extraño y andaluz universo que la rodea. Un universo del que el director (y guionista) parte y que sabe muy bien cómo adornar, exagerar, transformar, para convertir la trama más sencilla en un atractivo retrato cómico-costumbrista.

Es, sin duda, un humor muy particular y me imagino que difícil de traducir culturalmente en algunos momentos, pero al que mucho aporta su breve duración, buena edición y buenos personajes. Con la premisa sencilla de dejarlo todo en familia, Paco León consigue que un proyecto pequeño cobre vida propia y despunte a su manera. Siendo además la primera película en España que se estrenó de manera simultánea en cines, dvd y para renta online. Rentabilizando un producto mucho más de lo que hubiera sido seguir los canales usuales y arriesgarse con una taquilla cada vez menos amable, aunque ahí es claro que el nombre del director jugó un papel importante. 

Al parecer ya se planea una segunda parte, que me cuesta un poco imaginar aunque León advierte que será 'más ficción y menos documental'. Me parece que no es algo que el proyecto necesite y que no vendría mal que intentara repetir su apuesta audiovisual con otras historias. Pero ya se verá.

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"El gallo de oro", Roberto Gavaldón

Yo, ya lo sabrán, llego tarde a todas partes. Y aunque no pudiera cerrar al tiempo el Maratón de Cine Film Focus y este mini maratón de Roberto Gavaldón, no olviden pasarse por el primero para leer todas las notas de esta última edición. 

Y bueno, vamos con Ignacio López Tarso, Juan Rulfo y Carlos Fuentes, interesante combinación.

"Qué lindo es mi Dios cuando lo visten de charro"

Con este repaso de Gavaldón parece que también hicimos un fugaz repaso de distintos escenarios en el Cine de Oro mexicano. De la ciudad a las zonas rurales más pobres, y ahora nos vamos un poco con las charrerías y el modo en que juntan a una serie de personajes tan dispares y apasionados.

Dionisio es un hombre pobre, un pregonero, que asiste de pronto a las peleas de gallos y un día ve como uno es abatido por su contrincante. Casi al borde de la muerte, pide a su dueño si puede regalarle aquel maltratado gallo dorado y se dedica desde entonces a cuidarlo por encima de todas las cosas. Sus cuidados serán recompensados y pronto se verá envuelto en el mundo de las ferias y los palenques, las ferias y los hombres importantes que participan y se benefician con ellas. Dionisio es, finalmente, un hombre que quiere ganar, y quiere ganarlo todo.

La estructura de la película sigue las líneas generales de esas historias en que la figura asciende a puntos que jamás imaginó, se encuentra con una serie de obstáculos, pasiones, engaños, y se encuentra en riesgo de perder todo lo que ni siquiera imaginaba que podría haber ganado. Su particularidad se centra en el retrato de un muy particular estrato de la sociedad mexicana de aquellas épocas, aunque resulten en tópicos parecidos a los de otras películas: el pobre que comienza a ascender, la bella mujer atrapada en una vida que no quería, el hombre poderoso que no teme valerse de la fuerza para conseguir cualquier cosa. Todo bastante colorido, girando alrededor de las ferias de pueblo, las peleas de gallos y la música de mariachis. Un retrato que se beneficia sin duda, una vez más, de la maravillosa fotografía de Gabriel Figueroa, aunque luzca un poquito menos cuando no está usando el blanco y negro.

Resulta una película entretenida y correcta, como no podía esperarse menos, sin embargo deja la sensación constante de que quizá sea  mucho texto para lo que finalmente condensa la película. No solamente por la noción conocida de que el libro siempre será mejor de la película, sino porque ese modo que tenía de embellecer la miseria el Cine de Oro poco tiene que ver con la crudeza de las historias de Juan Rulfo. Y lo que sin duda debió ser la narración del ciclo de alegrías y desgracias de un hombre miserable, aquí se convierte en una pequeña y colorida épica de triunfos y pérdidas no en exceso lamentables.

Para este mini maratón opté, a diferencia de otros, por recurrir a las películas del director que ya tenía pendientes, en lugar de buscar lo mejor de su filmografía, así que sospecho que Gavaldón todavía podría esconder algunas sorpresas. Aunque ya no espero que ninguna sea tan deslumbrante como "Macario".

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"El rebozo de Soledad", Roberto Gavaldón

Día 13 del Maratón de Cine Film Focus y continuamos también con mi mini maratón de Roberto Gavaldón. En mi mente esta película se llama "El rebozo de la Soledad" que, aunque sólo cambia un artículo, suena mucho más poético que el título original.

"Tengo cuarenta años, estoy a la mitad de la vida, a esa altura del camino cuando el hombre se pregunta qué es lo que ha sido capaz de dar a sus semejantes o qué es lo que ha recibido de ellos"

 "El rebozo de Soledad" se encuentra dentro de ese grupo de películas del Cine de Oro Mexicano muy volcadas a la imagen rural, a una cierta reconstrucción de la provincia más pobre y desolada. Una faceta que, como ya hemos mencionado, significaría un punto culmen en la carrera de Gavaldón con "Macario", y también se conseguirían escenas icónicas de esas tierras retratadas por el célebre director de fotografía Gabriel Figueroa.

El Dr. Robles es el protagonista y una suerte de puente entre mundos. Se educó en la ciudad pero decidió regresar a su pueblo para tratar de ayudar a alguien con sus conocimientos de medicina. Llevar un poco de luz a ese sitio poblado por la miseria y las supersticiones. En el pueblo coincide con gente cercana a pesar de las apariencias (el sacerdote del lugar, aunque las creencias de ambos hombres puedan parecer opuestas) pero también se da de golpes contra la opresión y el poder ciego. Y es entonces que a su vida llega Soledad, la hermana de un hombre al que le salvó la vida y que ha decidido encomendarse al médico para pagarle sus atenciones. Pero Soledad está también en la mira del cacique del lugar, y los encuentros que se darán entre estos personajes reflejaran la dura situaciones de aquellos que parecen tener la vida en deuda desde su nacimiento. 

Melodrama bien narrado, con especial cuidado en el aspecto visual y técnico, resulta una película de ver porque como muchas en su género parece por momentos regodearse en la miseria y los enredos trágicos. Y no es que uno dude, en absoluto, que hayan existido y existan todavía tramas como aquellas, pero es que por momentos parece demasiado evidente que el gusto del espectador mexicano por estos desesperados enredos telenovelescos por momentos raya en el morbo. Y uno se queda un poco con la sensación de que ha sufrido un poco en vano (o por gusto).

El reparto de actores, sobre todo los masculinos, están más que bien colocados en su papel. Estela Inda, quien encarna a Soledad, no es que me parezca esencialmente mal pero me sucede con muchas actrices de este tipo de películas (por más que entienda que era la convención de la época, y que tampoco nos hemos alejado demasiado): no me la creo demasiado como mujer indígena (o de pueblo, si se gusta). 

No olviden: Día 13 del Maratón de Cine Film Focus.

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"Doña Macabra", Roberto Gavaldón

Día 10 del Maratón de Cine Film Focus. Y tiempo de uno de mis mini maratones personales de directores pendientes. Gracias a "Macario" yo habría querido ver cualquier producción de Gavaldón, y entonces le llegó su momento.

"Lo sentí, no fue una separación sino un desgarramiento"

La premisa de "Doña Macabra" parecía acercar la historia a un punto parecido del que parte la misma "Macario": elementos entre una realidad inmediata y una ficción palpitante y un poco sobrenatural. Espacios de posibilidades con un trasfondo social mexicano. La Doña Macabra a la que alude el título es una mujer de clase acomodada a la que se le acusa de practicar brujería en su enorme casa, en compañía de su criada y algunos otros invitados. Difícil precisar lo que esconde esa enorme mansión, o la propia historia detrás de sus enigmáticos personajes.

O eso querríamos creer, en un principio. Quizá fue un poco ingenuo pasar por alto el hecho de que muchos directores en esos años se dedicaban de manera arbitraria a diversos géneros cinematográficos, sin un compromiso claro con todas las producciones en las que se involucraban. Además de que 12 años separaban ya a esta pieza de la fantástica obra que fue "Macario". Ya con colores, un tono más desenfadado y una estructura entre la comedia y el terror, "Doña Macabra" da inicio con una colorida escena que si bien todavía nos remite a la idea de 'brujería', no tardaría en dejar en claro sus verdaderas intenciones. Ya para cuando aparece una joven Carmen Salinas en pantalla la estrategia es clara: utilizar viejos recursos donde la premisa de 'terror' sirve para toda clase de gags cómicos donde una pareja de desafortunados se calzan en una situación más allá de sus posibilidades. Dichos desafortunados son Carmen Salinas y Héctor Suárez, menuda pareja que pretende entrar en casa de la señora Armida, Doña Macabra, aludiendo a lejanos lazos familiares, cuando en realidad están en busca del tesoro que se dice que la anciana tiene escondido en alguna parte de su propiedad. Sus intenciones no pasarán desapercibidas para Armida y Lucila quienes se esmerarán en hacerles pasar una estancia no muy agradable.

El terror queda reducido a los típicos elementos cómicos del esqueleto en el armario, o los pasajes secretos, y similares. La premisa es bastante simple y todo lo que gira alrededor de ella es una excusa para generar momentos de simplona comedia y poco más. En retrospectiva la película se salva de muchas terribles producciones que siguieron caminos parecidos gracias a una cuidada fotografía y una ambientación que ha sobrevivido a los años, aunque ello le valga la sensación de que, incluso con todos sus tópicos, era una historia que podría haberse aprovechado mucho mejor. En especial la figura de Doña Macabra, bien encarnada por Marga López.

No el mejor inicio para este pequeño maratón y que me haría temer un poco de las siguientes sorpresas del director. 

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"Jedné noci v jednom meste", Jan Balej

Nos perdimos un día y ahora estamos en el día 8 del Maratón de Cine Film Focus. Y nos vamos hasta República Checa, porque su animación no nos suele fallar.

"Estimado maestro Paríku. Soy un árbol. Un árbol de manzanas. Te ofrezco mi cuerpo. Quiero hacer de mí una guitarra"

"Una noche en una ciudad" es un título tan ambiguo como la premisa que nos ofrece la película en un primer momento: pequeñas secuencias animadas, retratos mínimos e íntimos, de personajes que se mueven en un mundo de plastilina y luces tenues. No es necesario saber más y es mejor no saber nada más cuando uno se encuentra con la historia, se sumerge en ella, casi como un sueño. Casi como una pesadilla.

Sin diálogos, sin un guión que nos guíe, sin lazos claros entre una escena y otra, "Jedné noci v jednom meste" se desarrolla ante nosotros con un tono que oscila extrañamente entre la ternura, la inocencia, y un cierto toque siniestro o triste. Personajes que bien parecen emular caricaturas entrañables, criaturas antropomorfas y felices, pero también otros que se escurren en la oscuridad, se mutilan a sí mismos, se entregan a tramas crueles. Como un cuento infantil que se torna doloroso, malvado. 

Una mujer espera largamente a alguien que quizá no llegará. Un hombre disfraza a su perro de otros animales salvajes. Un pez y un árbol son mejores amigos. Un violinista se encuentra con la oreja de Van Gogh. Un hombre recibe a dos inmutables gemelas. Y más, todos atravesando la noche, una noche, en una ciudad. Y la magia extraña y cautivante de lo que nos dice y no la oscuridad.

Los aficionados al cine de animación checo ya sabrán la clase de maravillosas sorpresas que suele esconder. Y ésta sin duda es una de ellas.

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"Bol", Shoaib Mansoor

Día 6 del Maratón de Cine Film Focus. Y continuamos acercándonos a cinematografías de las que no solemos ver ni hablar mucho. Ahora le toca el turno a Pakistán.

"Dejad de llorar. Habéis llorado bastante toda vuestra vida"

Con todo y mi amor por Bollywood, que los países quedan muy cerca y que la producción pintaba para ser algo parecido, la premisa tampoco me parecía especialmente interesante. Tampoco el poster. Quizá sobre todo el poster.

Una mujer está a punto de ser ejecutada tras haber sido condenada por un grave delito. Su último deseo es que se le permita contar los hechos desde su perspectiva, su historia, ante los medios. 

Hasta la puesta en escena parece remitirnos a otras estrategias cinematográficas: el personaje que quiere contar la historia hacia atrás para que podamos entender plenamente. En realidad hasta ese momento no sólo no entendemos: no sabemos nada. Una mujer va a morir en la horca por un crimen que desconocemos y ante una sociedad con la que tampoco estamos muy familiarizados. Cuando todos los ojos están puestos sobre Zainub, esa mujer, es que todo empieza.

Zainub es una de siete hijas de un matrimonio ultra-conservador. Con un padre obsesionado por un hijo varón, encerrada en su casa impuesta por su género, acostumbrada a una vida de abusos constantes. El primer detonador de la tragedia se da cuando su madre por fin parece tener un hijo varón, sólo para descubrir que se trata en realidad de un hemafrodita, una realidad que su padre no puede soportar.

Los hechos que se van encadenando en la vida de Zainub y su familia podrían parecernos, al enumerarlos, el guión hiperbólico de una telenovela. Drama, desgracias concatenadas, felicidades que tienen que vivirse a escondidas. Y aunque el amor por esta clase de historias no se trata de esconder en ningún momento, la narración no se ensaña con ninguno de estos momentos, pasando sobre ellos con la naturalidad con la que podemos suponer una vida que ha estado marcada por la tragedia desde sus inicios pero que no ha buscado innecesariamente la pena de los demás. Con los aires de una súper-producción y con estrategias narrativas heredadas de Bollywood, "Bol" es incluso una película mucho más colorida y musical de lo que uno podría imaginarse por su trama. 

Es fácil caer en la trampa del melodrama fácil y de la revisión, aunque quizá exagerada, de una sociedad tan lejana y de sus representantes más ortodoxos. 

Además que, se imaginarán, yo esperaba acercarme un poquito más al cine de Pakistán y el paquete me incluyó una cierta revisión sobre cuestiones de género, relacionadas con un tema que ya saben me encanta que es el hermafroditismo, dentro de sus estructuras sociales y religiosas. No podía pedir más.

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