"Profundo carmesí", Arturo Ripstein

Crímenes a la mexicana con Ripstein y su "Profundo carmesí".

"Te regalo mi navaja y mi vida"

Arturo Ripstein, además de ser uno de los directores más reconocidos del cine mexicano reciente, es también un autor especialmente interesado en los aspectos más oscuros de la psique humana. Aprovechó diversas historias reales y novelas nacionales para sus películas, al igual que llevó tramas de otras culturas a aterrizar en su pequeño universo mexicano. Tal es el caso de los Asesinos de los Corazones Solitarios, una pareja de estadounidenses que se dedicaron a la estafa y el asesinato durante los años 40. 

Coral Fabre es una enfermera que vive con sus dos hijos y que sueña con el hombre ideal encarnado en la imagen de un actor francés. Nicolás Estrella es un hombre que busca relaciones a través de avisos de periódico y que presume de su parecido con el actor. Un encuentro fortuito lleva a una obsesión que construirá una sangrienta carrera criminal. Las estafas de Nicolás, quien gusta de sentirse un casanova, se ven condicionadas por la presencia controladora de Coral, quien asume rápidamente un papel de hermana para vigilar a su hombre, llevando los encuentros hasta extremos fatales. 

"Profundo carmesí" respecta muchos de los detalles originales de la historia, como el sobrepeso de Coral, el origen español de Nicolás y las dinámicas para los crímenes; pero en el punto en que la historia consigue sobrepasar su condición de 'basada en hechos reales' es en la delibera atmósfera enrarecida que Ripstein consigue al combinar distintas tendencias. Grabada con un aire a cine clásico criminal estadounidense, los escenarios mexicanos lucen excéntricos por comparación, agravado por el patetismo de los personajes encarnados por Regina Orozco y Daniel Giménez Cacho haciendo gala de desastrozos atributos físicos. La tendencia del director hacia un realismo mágico decadente y anacrónico complementa una serie de secuencias donde la puesta en escena llega a brillar incluso más que la historia, en la que destaca la obsesión amorosa antes que los detalles puntuales. 

Aunque resulte quizás más reconocida que de las mejor logradas dentro de la filmografía del director (difícil compitiendo contra "El lugar sin límites" o "El evangelio de las maravillas") se trata de una curiosa adaptación tras-cultural de un crimen clásico, cuya misma naturaleza epistolar no hace sino sumarse a ese extraño pero contundente resultado. Sin duda Ripstein es de esos directores de los que tengo que plantearme ver todavía más películas.




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"Juan de los Muertos", Alejandro Brugués

Ya no recuerdo la última vez que me pasé por acá, qué mal atendido tengo mi pobre blog. Esperemos que este regreso no sea muy fugaz y celebremos con ¡zombies cubanos!

"Éste no es un disidente"

Tenía pendiente ver "Juan de los Muertos" desde hacía mucho tiempo, pero la película me evadía en cada oportunidad. Que además, aunque el hecho de ser una película de zombies de una cinematografía inusual como la cubana (es la primera producción que reseñamos aquí), ya la hacía más que apetecible, recuerdo que en un primer momento las críticas que leí no eran demasiado favorables y me quedé con la impresión de que sería un chiste local tipo serie B sin demasiada repercusión y la guardé para uno de esos maratones desconecta-tu-cerebro-con-cine-de-zombies. Menuda sorpresa. La película no aprovecha sólo esa corriente que ya va decayendo un poco de sátira de zombies, de un modo muy particular, sino que consigue mezclar el aspecto más tradicional del género con los aspectos más propios de una cultura. Juan es un cubano que vive con lo que se pueda y que no tiene demasiadas ganas de hacerse responsable por las cosas, cuando se encuentra en medio de una 'invasión de disidentes' que le da la oportunidad no sólo de lucirse frente a la hija adolescente que no quiere saber mucho de él, sino lucrar un poco con el asunto ese de matar zombies. Todo con un fantástico humor cubano.

La película no sólo es uno de tantos ejemplos de 'imaginemos que hay zombies en...' que nos llevan a otros países que muchas veces quedan como un contexto general para una historia muy conocida. El uso de la metáfora política, la construcción de los personajes, el juego con las condiciones de la isla, dan para re-construir la típica trama de zombies de un modo bastante particular y bien logrado. No pude evitar recordar un poco el pasaje de la novela "Guerra Mundial Z" en que tratan cómo atravesó Cuba por la crisis zombie. 

El único personaje que sentí un poco forzado fue el de Camila, la hija medio española, que parecía un poco para cubrir la cuota de chicas guapas y de actores españoles para justificar la co-producción. Si para mujeres guapas ahí estaba La China, claro.

Cuando uno cree que entre tanta producción zombie ya no puede destacar nada demasiado, "Juan de los Muertos" me devolvió un poquito la fe en el subgénero y me proporcionó unas muy buenas carcajadas. Pero sin emocionarnos demasiado, porque está visto que cuando uno decide que siempre sí le gustan los zombies, puede aparece alguna otra *producción independiente* para arruinarnos el día. 

Pero ¿qué espera Alejandro Brugués para hacer otra gran comedia cubana?

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"Map of the sounds of Tokyo", Isabel Coixet

Isabel Coixet y yo empezamos con el pie derecho pero a lo largo de nuestra fugaz relación llegamos hasta este punto. Un gran título, una extraña premisa, una innecesaria incursión en mi amado Japón. Era una prueba demasiado difícil para mí.

"We have to fit into the idea they have of us"

En realidad no pensaba verla. Necesitaba muy poco para saber que no me iba a gustar y ni siquiera había recibido buenas críticas de nadie, ya no digamos alguien que claramente tiene una posición muy subjetiva respecto a retratar Japón a través de la mirada extranjera. Ya no digamos que Coixet, supuestamente, intentó contar una historia *desde adentro* (según ella, claro). Ésta no es otra loca película de occidentales en Japón, no, no, no, no la malinterpreten.

Como mala profecía la película abre con una secuencia en que un montón de empresarios (occidentales y japoneses) comen sushi sobre el cuerpo desnudo de unas jóvenes. Un japonés mayor se queja de la estupidez de la escena y de que su sushi esté tibio por el chistecito exótico. Un joven junto a él le responde que ya sabe cómo son los occidentales, pero que tienen que 'ajustarse a la idea que tienen de Japón'. Seguro que Coixet pensó que eso era un gancho irónico y convincente pero parece que el chiste no le salió de lo mejor.

Ryu es una joven que compagina su trabajo en un local de pescado en un mercado con los asesinatos a sueldo. Parece que la única persona con la que mantiene comunicación es con un hombre mayor obsesionado con los sonidos, quien muy amablemente nos ilustra la historia con su voz en off. Un día le encargan a Ryu asesinar a un español que vive en Tokio, a quien los padres de su última pareja culpan de su suicidio. Ryu comete una imprudencia al acercarse a David, quien lleva un negocio de vinos en la capital nipona, y a través de un doloroso inglés terminan por involucrarse en una intensa relación sexual que claramente interfiere con los planes de asesinato.

Todo eso fue una larga excusa para poner a la japonesa misteriosa (pero alejada del estereotipo más sumiso, ella es una discreta femme fatale) y un montón de secuencia fortuitas de sexo en moteles extravagantes. Es lo único que me queda en claro de la película. Porque los demás sub-tramas (el hombre obsesionado con los sonidos, un par de miradas al pasar de la capital, el contexto de la propia Ryu) apenas si hacen acto de presencia para decorar la situación y se van. Terminando por concentrarse todo en un intento de 'apasionada historia de amor' que queda débilmente irracional y que ni siquiera tiene demasiada química. Yo no voy a cuestionar las habilidades histriónicas de Sergi López, a quienes muchos se refieren como un gran actor (no lo recuerdo en ninguna de las películas que al parecer he visto de él), pero es difícil tomárselo en serio con ese terrible inglés, que tampoco es que el de Rinko Kikuchi sea mucho mejor. Y yo no puedo ponerme en los pies de posibles japonesas enamorándose de occidentales mayores sin grandes atractivos físicos, pero es que tampoco la química o tensión sexual entre los protagonistas parece convincente. Llevando a una serie de secuencias que a mi parecer fueron totalmente prescindibles. 

Y si a todo eso le agregamos ese intento de hacer una película de *el Japón profundo* que tiene un gran número de inconsistencias culturales y que termina quedando como una mal remiendo de una historia de pasión inter-cultural que no se sostiene por ninguna parte. Si la película ya me parece de por sí mala, la decisión geográfica ya sólo terminó por indignarme. Nada podía salir bien de todo esto. Y nada lo hizo.

Coixet y yo ya habíamos tenido nuestros altibajos, pero ahora siento que no puedo volver a confiar en ella. 

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"Viridiana", Luis Buñuel

Y para continuar con Buñuel, más de sus obras maestras que no pueden faltar en cualquier revisión de su filmografía.

"Conozco bien mi debilidad y todo lo que haga ha de ser humildemente, pero ese poco quiero hacerlo sola"

En un punto medio entre su etapa española y mexicana, "Viridiana" logra juntar en pantalla dos enormes figuras de la época como Fernando Rey y Silvia Pinal en los misterios de una enorme casa y los oscuros rincones del alma humana.

Viridiana es una joven monja que está a punto de hacer sus últimos votos cuando su superiora le ordena ceder a los constantes ruegos de su tío y benefactor quien le pide desde hace tiempo que lo visite. Viridiana había conseguido aislarse del mundo y la idea de volver a él no le emociona demasiado, aunque accede a cumplir la orden y se adentra en la lejana mansión donde su tío viudo vive, añorando el recuerdo de una mujer. 

La película configura dos universos propios. El de Don Jaime, aferrado al pasado y poblado de fantasmas y deseos imposibles de alcanzar, y que encuentra único consuelo en la existencia (y luego presencia fugaz) de su bella sobrina Viridiana. La enorme casa, casi abandonada y triste, parece emular la propia existencia del anciano y sostenerse para sostener así la ilusión. Mismo lugar que en un segundo momento reproducirá la fe y las aspiraciones de Viridiana de configurar un refugio del mundo, como ha sido para ella el convento. Un mundo que se verá poblado por diversas figuras, grupos de pobres a los que se les ha abierto la puerta, y que serán un choque constante entre los ideales puros de Viridiana y la mundana realidad a la que planeaba dejar afuera.

Hay varios momentos que pueden aislarse y cobran fuerza por sí mismos a lo largo de la historia, muchas secuencias que incluso aunque no tuvieran contexto están tan bien logradas que son casi un símbolo en sí mismas, como la gloriosa escena del banquete de pobres. De algún modo "Viridiana" habla de la pureza de las ideas, de los deseos, y del necesario choque que tienen que sufrir con una realidad inclemente. Personajes que se aferran al pasado, a los conceptos más altos de la moral, pero que son incapaces de conciliar sus presencias en su vida más inmediata. 

No puedo menos que lamentar que Silvia Pinal sea tan reconocida por su larguísima participación en "Mujer, casos de la vida real", una telenovela con excusa de derechos de la mujer, habiendo logrado un punto tan alto en su carrera desde tan joven con esta película o "El ángel exterminador". Sin duda Buñuel sacó lo mejor de ella.

¿No Buñuel saca lo mejor de todos nosotros?

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"Le charme discret de la bourgeoisie", Luis Buñuel

Acabamos de terminar hace poco con uno de los mini maratones y ya vamos con el siguiente, además de un director que me encanta y del que esperaba el momento de poder sumergirme más en su filmografía: Luis Buñuel.

"You're better suited for making love than for making war"

Tremenda pieza tenemos aquí. Desde un fantástico título, un poster de lo más sugestivo y quizá la trama surrealista mejor lograda por el director, que no es cualquier cosa. La historia puede resumirse tan sencillo como que un grupo de individuos, claramente pertenecientes a una clase social acomodada, se reúnen para cenar pero siempre alguna situación inesperada (y muchas veces absurda) se interpone entre ellos y su cena.

"El discreto encanto de la burguesía" es una sátira contra muchos elementos de la cultura, no sólo de manera exclusiva la burguesa, ya que puede pasar de los escándalos amorosos hasta ficticios grupos terroristas latinoamericanos. El grupo protagónico conforma en sí mismo un sector social propio, un snobismo que no sólo se corresponde con un nivel económico sino con una actitud ante la vida. Para hilar todos estas secuencias de latente surrealismo y onirismo, Buñuel se vale de esta eterna búsqueda de un momento para cenar que puede entenderse de algún modo como una frecuente frustración del deseo, manifestado en la comida. La búsqueda de este banquete imposible es lo que conforma el repertorio de una realidad absurda, incoherente, por la que los personajes se mueven con toda naturalidad, incorporándose ellos mismos sin resistencia a este propio absurdo, que a la vez se resiste y se ofrece a ellos.

¿Han notado la importancia del banquete en el cine de Buñuel? Representa no sólo el rito social que une a las personas bajo el momento del 'encanto' cinematográfico (el punto en que los personajes de "El ángel exterminador" se condenan a permanecer dentro de la casa, o cuando la inversión de roles en los personajes de "Viridiana") sino que encausa la acción como una metáfora tangible del deseo y sus posibilidades. Aquí cobra toda su dimensión precisamente en su imposibilidad: toda clase de alimentos y mesas puestas se cruzan por los caminos de los 'burgueses' quienes parecen eternamente condenados (cual Tántalos franceses) a sentarse frente a ellos y no poder probarlos. 

Una obra enorme.

Difícil tener favoritos dentro de la filmografía de Buñuel pero no es extraño en absoluto que ésta sea de sus piezas más populares y reconocidas. Es tan impecable, tan bien lograda, como divertida y llena de detalles. De lo mejor el papel de Fernando Rey como embajador de un ficticio país latinoamericano, Miranda, y todas las situaciones que la ignorancia de los otros genera a su alrededor.

Un gusto decir que seguimos con más películas suyas.

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"Carmina o revienta", Paco León

Sin duda el primer y más grande gancho de esta película es que Paco León se estrene como director de largometrajes. Pero también es cierto que sus estrategias de distribución fueron una apuesta interesante y arriesgada para el cine español.

Y a mí es que él me encanta.

"Muchas veces me entran ganas de tirar los trapos al carajo, irme con un tapicero y que me haga un traje como un sofá de tres plazas con cojines incorporados"

La idea parte de un guiño al cine de Vicente Aranda y al ladrón Eleuterio Sánchez, y de la confianza de que uno siempre tiene una historia qué contar, y que muchas de esas historias nacen en la familia. Paco León ha hecho de sus orígenes andaluces un tremendo personaje cómico y lo que queda claro es que el asunto corre en la sangre.

A modo de falso documental, todos los personajes son y no son quien se supone sean. Carmina Barrios es la madre de Paco León pero también la dueña de una pequeña tienda que sobrevive a duras penas después de unos robos. María León es la hija que ayuda en lo que puede aunque la relación con la madre no siempre sea la mejor. Y un variopinto reparto de personajes que son cercanos a la familia León y que intercalan anécdotas reales con su participación en la trama ficticia que mueve la película.

Lo de menos son los jamones desaparecidos y el plan que Carmina se monta para recuperar lo que ha perdido. Los 70 minutos de película se sostienen en la capacidad que tienen algunas personajes de atrapar a su interlocutor contando cualquier cosa. Y la historia es eso, un clavado entero en Carmina Barrios, persona y personaje, y el extraño y andaluz universo que la rodea. Un universo del que el director (y guionista) parte y que sabe muy bien cómo adornar, exagerar, transformar, para convertir la trama más sencilla en un atractivo retrato cómico-costumbrista.

Es, sin duda, un humor muy particular y me imagino que difícil de traducir culturalmente en algunos momentos, pero al que mucho aporta su breve duración, buena edición y buenos personajes. Con la premisa sencilla de dejarlo todo en familia, Paco León consigue que un proyecto pequeño cobre vida propia y despunte a su manera. Siendo además la primera película en España que se estrenó de manera simultánea en cines, dvd y para renta online. Rentabilizando un producto mucho más de lo que hubiera sido seguir los canales usuales y arriesgarse con una taquilla cada vez menos amable, aunque ahí es claro que el nombre del director jugó un papel importante. 

Al parecer ya se planea una segunda parte, que me cuesta un poco imaginar aunque León advierte que será 'más ficción y menos documental'. Me parece que no es algo que el proyecto necesite y que no vendría mal que intentara repetir su apuesta audiovisual con otras historias. Pero ya se verá.

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"Átame!", Pedro Almodóvar

¿A dónde van los desaparecidos? Un rato sin pasarme por acá, oh. Un poco en contra de mi voluntad, confesaré. Pero igual trataré de remediarlo rápidamente hablando de Almodóvar.

"Ser libre significa también estar solo"

Principios de los 90 y Almodóvar viene de sus mujeres al borde de un ataque de nervios. Su cine desenfadado, surreal, colorido, está por verse inyectado de esa discreta y transformada fijación por la violencia, sumada a la condición irreal de toda la puesta en escena. Ricky es un hombre que ha crecido en instituciones mentales donde ha aprendido un poco a la mala a vivir, pero también a permanecer dentro de ese mundo fantástico que hay en su cabeza. Ahora que está por ser *liberado* se encuentra de golpe con esa realidad que no es tan bonita después de todo. Excepto que él tiene un plan, un plan muy sencillo con el que planea encaminar el resto de su vida: encontrar a Marina, actriz porno, y encerrarla hasta que se enamore de él. Porque así es como funciona el amor.

Y sí, de algún modo 'así es como funciona el amor' en Almodóvar. La realidad más cruda no es ajena a esa extravagancia propia de su cine y Ricky no es un personaje tan anómalo como la situación parece sugerir. Es un loco en un mundo de locos, donde la perspectiva de su plan de secuestro es totalmente viable y la historia que plantea es sin duda una historia de amor. El amor en los tiempos del síndrome de Estocolmo, porno y musicales incluidos.

"Átame!" conjuga varios de los distintos elementos que definen el cine de Almodóvar: historias de raíces violentas, de propuestas trasgresoras, presentadas con un desenfado extremo, hiladas por un cierto sin-sentido que parece querer proclamar que 'cosas más raras se han visto'. Que esa extraña y retorcida historia de amor perseguida por un jovensísimo Antonio Banderas es tan solo una extravagancia más, que incluso puede permitirse todos sus clichés. 

Sin duda el reino de Almodóvar en una de mis manifestaciones favoritas. 

Me encanta. 

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"Una lucertola con la pelle di donna", Lucio Fulci

Emocionada por el nuevo asunto de los mini maratones, no tardé demasiado en saltar al siguiente director. Cambiando de país, género y época: Lucio Fulci, uno de los maestros del giallo. 

"Very often the truth comes to light in very odd colours"

Las propuestas que tuvieron lugar en Italia para un género tan aparentemente simple como 'asesino mata a todos' son increíbles si tomamos en cuenta lo que sucedería luego con el slasher y hasta nuestros días. Si ahora nos ceñimos a una estructura bastante típica, en aquel entonces, sin perder de vista su objetivo principal (asesinatos al por mayor), se conseguían unas historias impresionantes, extrañas, estéticamente impecables. Y si yo ya amaba a Dario Argento por su importante papel en ese momento cinematográfico, Lucio Fulci llegó para rockear mi mundo un poco más.

Comenzando por el detalle de esos títulos maravillosos: "Una lagartija con piel de mujer" nos habla mucho de lo que estamos por encontrarnos mientras nos deja todavía con un misterio (por no mencionar que el italiano original lo hace sonar todo mucho más espectacular). 

Una mujer le cuenta a su psicoanalista un extraño sueña que ha tenido últimamente y que tiene que ver con su vecina, una mujer muy liberal que no es bien vista por el resto del vecindario, mucho más conservador. Aunque ella suele colocarse de este lado, en su sueño tiene una extraña interacción sexual con esta mujer que termina en su muerte. Lo que en principio podría ser una simple manifestación del inconsciente, se vuelve algo mucho más complicado cuando la vecina en cuestión es encontrada muerta en condiciones bastante similares a las descritas por Carol a su terapeuta. 

A partir de este misterio casi paranormal es que Carol comienza a involucrarse en el caso. Por una parte porque su relación, aunque onírica, parece implicarla de alguna manera, al punto que ella misma parece sospechar de su cordura y debatirse entre creer que realmente tiene algo que ver o que ha sido inculpada por alguien. Entre su exaltada percepción y su necesidad de entender lo que sucede, Carol tendrá que sumergirse en el delirante mundo de la víctima en busca de la verdad.

La película no deja de ser un lineamiento general para este tipo de historias, y de hecho puede recordarnos algunas tramas típicas de personajes (muchas veces mujeres) implicados en un crimen. Pero desde el particular cuidado de la estética (ese preciosismo italiano que conseguiría proyectar al giallo por mérito propio) hasta la libre cantidad de extravagancias para complicar la historia, la sensación que transmite "A lizard in a woman skin" es tan extraña que cautiva y la distingue de otras propuestas. Eso sin demeritar en absoluto la calidad de su guión, que partiendo de una estrategia simple consigue destacarse a base de sus detalles, y sobre todo por el marcado interés del director en temas de parapsicología.

Resulta más que grato encontrarse con una película que pareciendo no tener más ambición que ser un divertimento sangriento, consigue un nivel increíble sin perder el encanto de los asesinatos extravagantes. 

Lucio Fulci, creo que tú y yo vamos a ser buenos amigos.

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"Carnage", Roman Polanski

19/05/13

Y bueno, después de "Wanted and Desired", creo que el sentimiento de "¡Quiero ver algo de Roman Polanski YA!" era más que natural.

"Morally you're supposed to overcome your impulses, but there are times you don't want to overcome them"

Siguiendo el rumbo reciente de la filmografía de Polanski, "Carnage" puede resultar una intromisión inesperada y demasiado simple. Del drama histórico de un pianista judío durante la Segunda Guerra Mundial, pasando por la adaptación del clásico de Dickens sobre las aventuras de un huérfano, y el thriller político de un escritor fantasma, llegamos a la reunión casual de dos padres para discutir las desavenencias entre sus hijos. Y en apariencia eso es todo: cuatro personajes, un departamento, una discusión delimitada. Una aproximación a un tema más que en boga, el bullying, desde una perspectiva tan evidente que resulta difícil creer que no sea la más común: no, no los trágicos sucesos por los que muchos niños atraviesan al ser sistemáticamente molestados, sino lo que hay detrás de cada uno de esos niños, los que abusan y los que son abusados.

Con un cuarteto más que apropiado de protagonistas, las dos parejas de la película, los Longstreet y los Cowan, representan dos de los extremos más desafortunados de la paternidad: aquellos que ignoran y justifican las acciones de sus hijos escudándose sobre su incapacidad de influir en ellos, y aquellos cuya preocupación e interés se convierten en un exceso de control y no les permiten desarrollarse de manera natural. Ni siquiera es necesario recurrir a los ejemplos más melodramáticos, no hay en apariencia un abandono fragante o violencia física intrafamiliar, ambas parejas están dispuestas a un encuentro que en principio debería ayudar a la relación entre los dos hijos ausentes. Ponemos el té y los pastelillos sobre la mesa y todo sale terriblemente.

El guión original es de una pieza teatral y sus estrategias son evidentes. Todos los hechos suceden dentro de un espacio más que delimitado cuyo ritmo lo marcan las idas y venidas de los personajes sobre el espacio, a modo de una sutil danza donde no pueden quedarse quietos y donde los altibajos de la discusión los llevarán a variar sus acciones y su posición. Sin recurrir a sobresaltos inesperados el diálogo va construyendo, transformando y revelando a los personajes cuya verdadera presencia será sin duda bastante sintomática de los hechos que condujeron finalmente a la reunión. Una madre hiper-preocupada por formar en exceso a sus hijos, controladora pero incapaz de contener las acciones pasivo-agresivas de un esposo descuidado. Una madre más interesada por ella y su condición que por su familia y que justifica las acciones de su pareja en una especie de relación amor-odio. Un padre que pretende pasar como el 'buen tipo' y que cree que dar rienda suelta a su mujer es todo su deber en la casa, aunque tome decisiones impulsivas que atenten contra ese equilibrio. Un padre adicto al trabajo al que sólo le preocupa darle dinero a su familia y que lo dejen en paz. 

"Carnage" es una obra en apariencia simple y en apariencia menor pero con una manufactura inmejorable. Las actuaciones de todos los involucrados consiguen no sólo una disección puntual de los problemas familiares en las sociedades actuales sino que tienen la fuerza suficiente para llenar todo el espacio, el tiempo y el diálogo arrastrándolos a su antojo en una puesta en escena fantástica. Es de esas ocasiones en que con pocos elementos se puede notar la calidad que un intérprete y un guión pueden tener. 

Es difícil no detenerse en las actuaciones, y también es difícil inclinarse por una sola pero es que Christoph Waltz es enorme en pantalla. Es increíblemente cínico, calculador, pero a su modo carismático y turbulento. Hace no demasiado tiempo que apareció en el panorama cinematográfico más comercial y creo que ha demostrado de sobra que es de los mejores actores actuales. Y me encanta. Y ahora imagínenlo junto a Kate Winslet, como si se necesitara más. Incluso para cumplir con el papel de mujer arrogante y medio pasiva es una maravilla verla. Jodie Foster no se queda atrás como la mujer culta y madre que se esmera por ser la mejor, quizá una de las más convincentes en su papel. Y aunque John C. Reilly es quizá el que menos destaque no por eso tiene menos mérito ya que la competencia era difícil. Aunque entre esto y "We need to talk about Kevin" comienzo a temer que verdaderamente sea un terrible padre. 

Seguro que yo termino haciendo esto con todas las de Polanski, pero es que es una maravilla.

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"Embrión", Gonzalo López

27/04/13

Cosas más raras se han visto, pero un remake español de un clásico de pinku eiga no deja de ser un suceso rarísimo. Y lo cierto es que el sólo intento de remakear a mi amado Wakamatsu ya me hacía sospechar y rechazar esta cinta, que tampoco es que la haya visto demasiado por convicción, ni siquiera curiosidad.

"Después de la revolución sólo queda la tristeza"

Uno podría colgarse fácilmente del 'libremente inspirado en' pero Gonzalo López parecía realmente preocupado por dejar en claro que el guión original era de Masao Adachi, guionista fetiche de Wakamatsu allá por los 60. Y que su película, si bien se tomaba algunas libertades sobre la idea, era tal cual un remake de "The embryo hunts in secret", una de las piezas clave en la filmografía del director nipón.

Y todos comenzamos a sospechar, ¿no?

Ya he hablado de "The embryo hunts in secret" pero recordemos un poco la trama. Un hombre y una mujer regresan al departamento de él después de una fiesta con intenciones claramente sexuales. Tras un irregular preámbulo no sucede nada pero él aprovecha para drogarla, golpearla y amordazarla. A partir de entonces la mantendrá encerrada, humillándola y regresando obsesivamente a sus traumáticos recuerdos sobre su madre y su ex-esposa. 

42 año después tenemos a "Embrión". Un hombre y una mujer regresan al departamento de él después de una noche de copas con intenciones aparentemente sexuales. El hombre comienza a comportarse un poco extraño y ella decide mejor irse, entonces es que él aprovecha para drogarla, intentar violarla y amordazarla. A partir de entonces la mantendrá encerrada, cuidándola y haciéndole entender por qué está haciendo lo que está haciendo y esperando que ella lo comprenda del modo en que nadie más lo ha comprendido.

Ajam. Podría parecernos que la trama es bastante similar, pero en realidad es una premisa muy corta (el meollo del asunto comienza a las pocas escenas, cuando la mujer ya está cautiva) y lo suficientemente general como para que podamos relacionarla del mismo modo con cualquier otra película de 'chico conoce chica - y la encierra en su casa'. En el propio cine español, sin irnos tan lejos, tenemos películas por el estilo, como "Palabras encadenadas" o incluso mucho más similares, como "Átame!". De hecho, fuera del breve inicio en que se llega al departamento de forma consensual, "Embrión" tiene mucho más que ver en su desarrollo con la pieza de Almodóvar que con la de Wakamatsu. Sus protagonistas, finalmente, tienen una fijación concreta con una mujer concreta (no con una encarnación de la feminidad y maternidad, como aluden los traumas del protagonista de "The embryo hunts in secret") y aspiran a ser entendidos por ello, de modo que si bien su cautiverio no es la situación más cómoda del mundo, dista de ser una catarsis violenta de una sexualidad reprimida (porque para ambos el contexto sexual no deja de estar relacionado con sus aspiraciones amorosas).

Y bueno, tampoco sería ningún problema si la producción sencillamente resultara no demasiado parecida a sus supuestas bases originales, el principal problema de "Embrión" es que trata de desarrollarse con recursos limitados (supondré que es más cuestión de presupuesto que una declaración artística) que nunca termina por aprovechar. Tiene dos únicos actores que no son particularmente buenos ni convencen demasiado dada la situación (sobre todo ella), tiene un guión que se sostiene apenas con agujas y que parece más preocupado por encontrar diálogos que saquen a relucir las diversas ideas y reflexiones que compulsivamente quieren dejar en claro, antes que configurar perfiles psicológicos coherentes. Si uno está dispuesto a aceptar que hay mujeres que deciden irse con el rarito de la oficina a revolcarse un rato, y que hay hombres que tienen impulsos criminales que los llevan a encerrar mujeres en sus casas, poco a poco va perdiendo la voluntad de creer que el modo en que la situación se desarrolla tiene un poquito siquiera de sentido común. Resulta inverosímil e insoportable la voluntad de los protagonistas de perpetuar una premisa que se va diluyendo rápidamente. 

Los flashbacks, el intento de contextualizar a Carlos, el limitado departamento en que se mueven, rápidamente, y pese al no muy largo metraje (apenas hora y media), se vuelve una película absurda, lenta, nada interesante, y que se preocupa más por una idea mal desarrollada que por cualquier cuestión técnica o creativa. Ya no es sólo cuestión de si tiene que ver o no con lo que declara ser su fuente primaria (a las pocas escenas a mí me quedó claro que ahí de Wakamatsu no había nada así que dejé de pensarla en relación a "The embryo hunts in secret") sino de que no se supo desarrollar la premisa cinematográfica que tenía y terminó por colgarse de la referencia freak de 'remake de una película japonesa porno' antes que procurar méritos propios.

La terminé de ver porque no dejo películas a medias. Y porque ya había pagado los 2 euros que cuesta en Filmin (ya sé, yo solita me expongo).

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"Guerriller@s", Montse Pujantell

11/04/13

Llegué a "Guerriller@s", hace ya un buen rato, por recomendación directa de Descubrepelis. Porque sonaba como un documental de lo más interesante y para que no se piense que cuando le pongo en los comentarios que buscaré alguna de las películas de las que habla, en realidad lo olvido inmediatamente.

"Nuestros cuerpos son campos de batalla"

Uno podría pensar que la premisa de la que parte el documental es sencillamente el retrato de personas que están atravesando un cambio de género, un retrato sobre transexuales y transgénero como probablemente ya hemos visto en otras ocasiones y donde la particularidad radica en la localización exacta de los ejemplos. Y creo que uno de los problemas de este tipo de temáticas es que a veces nos puede parecer que, a menos que estemos directamente involucradas en ella, nos resultan por completo ajenas, son 'cosas que les pasan a los otros'.

Montse Pujantell lo que busca, precisamente, es eliminar esa distancia, hablar del género como algo que nos concierne a todos sin importar el posicionamiento que tomemos al respecto. Las palabras con las que ella explica son proyecto resultan bastante esclarecedoras: "El hecho de ser 'mujer' me ha atravesado y ha constituido el núcleo de mi identidad desde el momento de mi nacimiento, y desde que tengo uso de razón no he dejado nunca de luchar por encajar o desencajar en eso que se llama lo femenino. Después de un largo camino, lo único que me resulta claro es que hay algunas cuestiones aparentemente simples por resolver: ¿qué es ser mujer? ¿qué es ser hombre?".

La identidad de género es un tema de todos que en realidad se ha querido convertir en problema de unos pocos. Para romper esa barrera la directora nos muestra ejemplos aparentemente dispares pero que constituyen un campo de batalla diario, con sus propias complicaciones. Individuos transgénero que asumen una identidad que no necesitan ver *justificada* por una operación, mujeres que han vivido oprimidas por la idea social de lo femenino, hombres que han querido experimentar con la perspectiva del género opuesto, transexuales que no saben cómo deben presentar su nueva identidad. La cuestión del género vista desde la aparentemente simple tendencia social de que hay reglas que te dicen cómo debes ser, y que no siempre somos capaces de cumplir.

La realización es de lo más simple, a base de entrevistas, diálogos, y una serie de imágenes que nos transporten a través de las ideas que los entrevistados van desarrollando. Con una producción de lo más austera el gran mérito del documental es conseguir un ritmo atractivo, fluido, e involucrar a personas cuyos argumentos resultan no sólo valiosos sino muy bien desarrollados. El que sea de corta duración (poco menos de una hora) sin duda ayuda bastante pero creo que es el tiempo necesario para desarrollar su idea y conseguir un golpe contundente con la propuesta. Demuestra de manera clara cómo no es necesario un tema complejo o una producción complicada para lograr un documental bien realizado y que maneje a la perfección una temática espinosa. 

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"Mama", Andrés Muschietti

07/02/13

Estrenos de terror, muchas gracias. Lo cierto es que "Mama" tenía muy buena pinta, aunque el nombre de Guillermo del Toro como productor, al contrario que a muchos, a mí me hace sospechar un poco.

"A ghost is an emotion bent out of shape, condemned to repeat itself time and time again"

La película parte de un corto, dirigido por el mismo director, rodado unos cuantos años antes. Y Guillermo del Toro tomándolo bajo su ala, básicamente. El corto es bastante breve y sólo muestra lo que será una de las escenas más emblemáticas de la película. A partir de ese enigma total es que nace la historia de "Mama".

Un hombre asesina a su ex-esposa y secuestra a las dos hijas que comparten. Tras un accidente terminan refugiándose en una cabaña en mitad del bosque helado donde algo terrible sucede. Elipsis, cinco años. El hermano de ese hombre nunca ha desistido en la búsqueda para encontrarlos, y cinco años después esa búsqueda es recompensada al encontrar a las dos pequeñas. Vivas. 

La premisa debe ser de las cosas más interesantes que he visto últimamente en estrenos de terror. Tanto por la originalidad como por las posibles implicaciones. Siendo que casi todas las historias de terror parten de un acontecimiento abrupto y funesto, aquí de algún modo parten de una cierta ternura. Si 'mama' es un ente diabólico paranormal, para esas niñas fue, literalmente, su madre. Y ahora ellas, en un estado casi salvaje, tienen que reincorporarse al mundo civilizado. ¿Pero va su madre a renunciar tan fácilmente?

Gran parte del contenido de la película gira de algún modo alrededor del tema de la maternidad. La pareja del tío que las encontró es una chica rockera y rebelde que no tenía en absoluto planeado hacerse cargo de hijos, ya no digamos de hijos ajenos cuasi salvajes. En la custodia legal por las pequeñas aparece también otra tía, por parte de la madre, que está convencida de que es la mejor opción para hacerse cargo de las pequeñas, aunque nunca ha sido madre. De tal modo que por momentos toda la dinámica de terror gira en torno a un mundo cuyas figuras clave son mujeres, donde los hombres sólo alcanzan a mirar desde afuera sin poder participar del todo. 

Si dividimos la película en dos partes, debo decir que la primera es magistral. El modo en que se introduce la premisa, los personajes, las primeras secuencias en que 'mama' va introduciéndose sutilmente. Dejando de lado que a veces cae en la tentación de los sustitos abruptos y fáciles (siendo que, además, no es especialmente terrorífica), consigue generar una atmósfera fantástica que en gran parte debe su fuerza a la misteriosa y ominosa figura de esa 'mama' que apenas suponemos.

El parteaguas se da cuando llegamos a ver a 'mama' completamente, en toda su digitalidad. Es realmente un arte en el cine de terror saber cuánto mostrar de tus criaturas. Un arte difícil de manejar y en este caso debo decir que "Mama" no supera en absoluto la prueba, y de hecho ahí es cuando comienza su primera debilidad. Dejando de lado el tipo de movimientos sobrenaturales elegidos, que en sí son bastante efectivos, el diseño del personaje de 'mama' es terrible. Y ya no sé si es sólo su diseño en sí o también los efectos con los que lo representaron, pero no me explico cómo a alguien podría haberle parecido mejor mostrarla de frente, plenamente, y no dejarla eternamente con la media luz que tanto le favorecía al principio. 

Y a partir de ahí es que se va desinflando. La historia comienza a dar vueltas por los aspectos más tópicos del terror y no se enfocan en detalles que más pudieron haberse aprovechado (y que son más inusuales). Cae en la estructura usual, con los sustos usuales y yendo hacia un desenlace usual. Si acaso dan uno o dos giros 'inesperados' que en realidad es sólo mover un detalle de lugar para que no sea tan tópico, pero nada. De hecho hacia el final no es tanto terror como fantasía oscura, que yo sé que es algo que le encanta a Del Toro pero está visto que sus discípulos no han logrado dominarlo en absoluto. No termina ni por ser tan terrorífico como prometía, pero tampoco aprovecha esa connotación de ternura que debió haber sido el elemento más fuerte de la segunda parte. 

Lo mejor de la película es la niña pequeña, interpretada por Isabelle Nélisse, quien no sólo es increíblemente adorable sino que lleva adelante la difícil tarea de representar a una niña salvaje y aun así representar todas las posibilidades de la historia. La amé.

Debo decir, además, que muchas veces en películas de terror termino divagando por los aspectos terroríficos y más bien legales de las acciones de los personajes. En este caso, teniendo un juicio por custodia legal de por medio, me cuesta creer cómo van los 'tutores legales' a justificar todos los sucesos (sobre todo los del final) sin tener que decir "ah, es que fíjense que hay una entidad diabólica paranormal que ellas creen que es su madre". 

Entretenida pero no la recomendaría especialmente. Una pena porque creo que tenía potencial para ser una joya.

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"Elefante blanco", Pablo Trapero

28/11/12

Aprovechando que ahora la muestra de la cineteca se encuentra en diferentes cines, aproveché una salida para ver cualquier cosa que estuvieran poniendo en el más cercano. Y me encontré gratamente con Darín, ni cómo decirle que no.

"Señor, sueño con morir con ellos. Ayúdame a vivir por ellos"

Nicolás es un sacerdote belga que sirve en una pequeña comunidad en el Amazonas. Después de un episodio violento, el padre Julián viaja hasta el corazón de la selva para buscarlo y llevarlo a su villa en la periferia de Buenos Aires.

La villa se forma alrededor de la colosal estructura conocida como Elefante Blanco, un edificio que fue planeado como el hospital más grande de América Latina y cuyo proyecto fue abandonado en varias ocasiones hasta quedar desolado. La labor que hace el padre Julián en el barrio es bastante difícil, lidiando con la pobreza, la violencia, el olvido gubernamental, el olvido eclesiástico. Una lucha que es todos contra todos, aunque él y otros voluntarios quieran inclinar inútilmente la balanza. Ahora Nicolás tendrá que aprender a desempeñar su labor en estas nuevas circunstancias, aunque su perspectiva de la posición que deben adoptar sea diferente de la de Julián.

Ya había visto antes anunciada la película y creo que lo que me producía un poco de desconfianza era el hecho de enfocar los hechos en los dos sacerdotes. Siento que es bastante sencillo que las películas que los usan de figura central caigan en un maniqueismo extremo: o son muy buenos muy buenos, o son unos malditos que usan el hábito como cubierta. Si bien al inicio podría uno creer que estos dos en particular se inclinarían hacia la primera parte, al tomar en sus manos tremenda misión, pronto nos damos cuenta de que su condición, si bien es bastante loable, es perfectamente humana. Cada uno carga con una serie de problemas personales que también se reflejan en su forma de ser y que resultan perfectamente entendibles aunque en un principio uno diría que están ahí para escandalizar. En particular la problemática de Julián (aunado a mi amor por Ricardo Darín, quien lo interpreta) es brutal, tiene unas secuencias devastadoras alrededor de él.

Los conflictos de fondo se van hilando a través de una serie de circunstancias al principio independientes: jóvenes que recaen en las drogas, dimes y diretes entre dos bandas de narcotraficantes, promesas de construcción obstaculizadas por la burocracia, culpas y agresiones dirigidas hacia cualquiera. Aunque la trama se va encausando para cobrar un sentido lineal, mantiene siempre una fuerte sensación de ciclo, de círculo vicioso, donde por más que trate de romperse el curso de las cosas regresa siempre a su mismo punto. Y es precisamente contra ello con lo que se pelea inútilmente.

La realización de la película es más que adecuada para sostener estos sentimientos: unos personajes centrales bastante bien trazados, una recreación puntual de los conflictos cotidianos del barrio, y un ambiente funesto que empapa todo a su alrededor. Aunque por momentos las particularidades de los conflictos de los protagonistas puede que distraigan la atención del conjunto, que resulta mucho más interesante. Sobre todo en el caso del padre Nicolás, que siento que por momentos cayó en los conflictos más típicos de sacerdotes cinematográficos, y que si bien no están alejados de la realidad resultan menos interesantes que los demás asuntos sociales que se tratan.

Es la primera película que veo de Trapero y la verdad me ha cautivado de manera bastante positiva, por ahí tengo pendiente desde hace un buen rato la de "Leonera" y "Carancho", donde también encontramos a Darín  (en una) y a Martina Gusman (en todas, al parecer es algo así como su actriz fetiche).

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"La piel que habito", Pedro Almodóvar

28/10/12

Hablando de películas que es bueno dejar reposar y hablar de ellas un poco en la distancia, supongo que de "La piel que habito" debí hablar desde el año pasado. Pero toca hoy.

"Lo que no pueda conseguir el amor de un loco"

Aunque Almodóvar es un director que suelo disfrutar en general, tampoco es que me emocione particularmente enfrentarme con sus nuevas películas. Tengo un par de grandes favoritas en su filmografía pero de resto creo que es un director al que hay que saber agarrarle la vuelta para poder disfrutarlo, al menos de mi parte, y toda la euforia que desató en su momento sentimientos extremos cuando se estrenó ésta su última película hasta el momento, hizo que no me dieran demasiadas ganas de verla. Con todo y el regreso de Antonio Banderas bajo su dirección. Aun cuando la trama involucrara médicos locos y reconstrucciones corporales.

Un médico está obsesionado con crear una especie de traje-segunda piel que pueda proteger y ayudar a regenerar los cuerpos quemados. Aunque su misión parece loable, el hecho de estar experimentando ilegalmente en su propia casa con una conejillo de indias que no parece estar ahí por su voluntad, hace que las cosas luzcan sospechosas. Es claro que hay un pasado tormentoso que persigue a Robert, el médico, y también que Vera, esa enigmática joven presa, tiene algo que ver con él, pero habrá que ir adivinando de dónde vienen y hacia dónde llevan esas heridas ocultas que ambos parecen tan preocupados por esconder.

Lo cierto es visto fríamente la película tiene una gran cantidad de elementos que deberían atraparme por sí mismos. Antonio Banderas, médicos medio locos, reconstrucción corporal, cuestiones de identidad, locura, crimen, y otros detalles algo mórbidos que serían grandes spoilers pero que generalmente se incluyen en las listas de todo lo que me gusta en una película. Un thriller que avanza hacia atrás y hacia adelante y que funciona precisamente del mismo modo que el trabajo de Robert: reconstruyendo un nuevo rostro.

En su momento es posible que me dejara guiar por alguna clase de aversión a la película que venía del hecho de que tanta gente la alababa sin recelo. Es cierto que como thriller cumple bien su función y, principalmente, que es una película increíblemente estética. La armonía de los cuerpos en pantalla, las simetrías, la claridad de los enfoques, la hace posiblemente una de las películas del directores que más he disfrutado de ver, al mismo tiempo que tiene un ritmo especialmente favorable (que quizá desentona un poco con la abrupta subtrama del Tigre que aparece tan de repente y muy pronto, pero voy a perdonarla).

Sin embargo también creo que tiene algunos problemas bastante claros y que para mí le restaron fuerza a un visionado que debió ser mucho más contundente. Por una parte los personajes, que tienen un excelente trasfondo detrás, no terminan de desarrollarse demasiado más allá de que se nos dé la información necesaria. En especial creo que Banderas podría haber conseguido un personaje brutal y violento en sus dos extremos, y sin embargo se queda casi en lo anecdótico. Sus cambios de temperamento, a pesar de resultar difíciles de comprender, se aprecian en pantalla casi como algo natural y no llega a manifestarse ni tan terriblemente loco, desesperado ni apasionado como uno intuye que es, tomando en cuenta todo lo que hace. Elena Anaya es perfecta en físico y presencia, pero tampoco termina de convencerme por completo de cómo se llega a configurar como Vera, de todo el proceso que la separa de su anterior yo. 

Y finalmente creo que es una película cuyo mayor golpe es un momento preciso. El giro de revelación juega un papel trascendental en el visionado y creo que si uno no lo recibe por completo entonces el resto de la película se queda un poco en el nivel de 'está bien' y mucho más. Y para mí eso jugo un papel decisivo porque por varios factores, que no fueron exactamente spoilers, vi venir lo que pasaba desde antes, y entonces aunque no dejó de parecerme una trama poderosa, tampoco me golpeó ni sorprendió en su momento, de modo que el resto de la historia transcurrió casi con normalidad. Y no es nada favorable que una película de este calibre dé la impresión de normalidad en ningún momento.

Me parece una gran elección de historia pero me deja una sensación clara de que Almodóvar ha hecho muchas mejores cosas y que se mueve más cómodamente por otros géneros. Y que aunque es una película muy bien hecha, no termina de aprovechar un potencial que es más que claro que ahí tiene y que podría haber dado para muchísimo más. 

O soy yo que tiendo a ver joyas escondidas en todo lo que insinúe métodos inusuales de expresar la locura y la obsesión. Y me dejó a medias.

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"Gritos en la noche", Jesus Franco

30/09/12

En algún momento nos tenía que tocar hablar de alguna de las obras de Jesus Franco. Y ésta era la que tenía más a la mano de él y le tocó su turno en la lista de espera.

"Es triste pensar que esa juventud, esa fragancia, puedan ser cegadas por la muerte"

Una serie de desapariciones de bellas mujeres comienzan a tener lugar en la ciudad. Un detective pronto seguirá la pista del Dr. Orlof y su deforme asistente Morpho, quienes están detrás de esos crímenes con una motivación mucho más oscura.

No toma demasiado tiempo darse cuenta que nos encontramos con algo así como una versión de "Eyes without a face" de serie B, apenas dos años después de haberse presentado la maravillosa pieza de Georges Franju. Las operaciones faciales y corporales están a la orden de la escena y se trata de ceñir a una estructura narrativa similar añadiendo detalles tópicamente macabros y más dramáticos para compensar el cambio de estilo y el delicado manejo estético de la cinta francesa. Así que básicamente se trata de una película más o menos típica de científicos locos, con todo y ayudantes medio deformes, que aprovecha otros momentos tópicos detectives o terroríficos para aprovechar al máximo su corta duración. 

Aparentemente ese fue el gran encanto de Jesus Franco, un maestro del cine exploitation en su época y que aprovechaba cualquier elemento para armar sus películas como grandes compilados del terror del momento. Es difícil juzgar la primera pieza que veo de él y que además tiene una referencia tan directa y poco favorecedora como la película de Franju que es una de las mejores películas de terror de aquellos años e incluso hasta ahora. A lo que le sumamos que imdb cataloga ésta como su segunda mejor película y es históricamente de las que más se relacionan con el director. 

Ciertamente para ser una cinta tan desenfada y serie B aprovecha bien sus elementos, tiene un par de buenos detalles y en general no parece pretender mucho más que entretener durante la hora y media que dura al tiempo que mete sangre y detalles mórbidos a cada oportunidad. 

A mí en lo particular me costó verle sus méritos propios ante la constante de compararla con "Ojos sin rostro" a cada parecido, cosa que no le favorece en absoluto. Y aunque sé que tengo que ver algunas películas más de la filmografía del director, tampoco es que tenga demasiadas ganas de hacerlo pronto.

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