"Vagabundo en la lluvia", Carlos Enrique Taboada

Ya nos toca otro mini maratón y de nuevo con un director mexicano. Además uno del que da gusto hablar especialmente, como es Carlos Enrique Taboada, uno de los pocos directores especializados de buena manera en el cine de terror en México. No es cualquier cosa. Como ya hemos hablado de un par de piezas de su más conocida trilogía, ahora daremos inicio con algunas películas no tan famosas de él, pero no menos interesantes.

"Me dan miedo las gentes que tienen hambre"

No es que vaya a quejarme del terror fantástico-paranormal, ni mucho menos, pero viendo la filmografía de Taboada, me inquieta mucho más la imaginación febril de la pequeña protagonista de "Veneno para las hadas" que los posibles fantasmas en "Hasta el viento tiene miedo" y "Más negro que la noche". Taboada tenía esa capacidad para inquietarnos con aquello que no sabíamos siquiera si estaba ahí, y un poco por ese lado se va con "Vagabundo en la lluvia" (una pieza injustamente muy poco conocida).

Un par de nazis inauguran la primera escena. ¿Nazis en México? ¿En una película de terror? Pronto el ambiente festivo sesentero-setentero, ese sí muy propio del director, da cuenta de la situación real: una fiesta de disfraces de la clase alta llena de toda clase de extravagancias propias de la década. Ángela se dispone a irse temprano de la fiesta pese a las insistencias de sus amigos. Quiere viajar esa misma noche a Cuernavaca para arreglar la casa que tienen ahí para recibir a su marido al día siguiente. Es una noche lluviosa y al llegar a la casa se encuentra con que ya alguien en ella, un vagabundo que decidió irrumpir en el caserón desocupado para pasar la noche. El hombre se va pero se añade una inesperada visita, Mónica, una mujer que también estaba en la fiesta y borracha se quedó dormida en el coche de Ángela. Ambas mujeres pasarán la noche en aquella apartada casa, azotada por la lluvia, con sus secretos y el temor de que haya unos ojos mirándolas a través de cada cristal.

Con una trama poblada de culpas y paranoias, es de esos ejemplos de películas de terror en los que ni siquiera necesitas un enemigo real para resultar efectivos. El vagabundo real cobra toda su dimensión gracias al vagabundo en la mente de las mujeres, a todos esos momentos en que están seguras de que ven a alguien que luego ya no está ahí, que desaparece un objeto que segundos antes tenían al alcance. Ornamentado por el factor psicológico femenino que se desarrolla a través de los diálogos entre las mujeres, en apariencia totalmente distintas, la película mantiene un ritmo y un encanto que el tiempo no ha conseguido borrar. 

Quizá por los límites de tiempo y espacio no llega a caer en esos excesos retro que por momentos pueden desviar nuestra atención en las películas de Taboada (a mí es que en algunas ocasiones me costaba mantener la tensión viendo a sus personajes vestidos tan groovymente).

Aunque hacia el final cae hacia los subgéneros más fáciles del terror no por eso pierde su principal encanto, e incluso ese extraño final parece más que apropiado después de la noche de tormenta y terror que presenciamos. 

Yo ya sabía que Taboada tendría más emociones para mí, sobre todo faltándome una de las piezas de su trilogía, pero "Vagabundo en la lluvia" debe ser de las sorpresas más gratas que el cine de terror mexicano me ha dado. En parte, sin duda, por lo poco conocida que es, por su sencilla realización y por lo bien lograda que está. 

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"Wild in the streets", Barry Shear

Yo termino viendo las películas por las razones más nimias. ¿Futuros distópicos sesenteros? I'm in.

"30 is dead, man. That's to much. The only thing that blows your mind when you're 30 is getting guys to kill other guys. Only in another city or country, where you don't see it"

Y precisamente por ser razones nimias es que termino muchas veces haciéndome una idea un poco equivocada de la película. Yo quería el futuro distópico ya, una suerte de visión retro cyberpunk que condenase la vejez como la peor de las cosas. Y pues, la película tarda un poco en llegar a ese punto. Que no es nada cyberpunk, además.

Max Flatow fue un niño problemático desde los inicios, que daba señales tempranas de que podría terminar siendo un terrorista o un asesino. Pero la vida no siempre es así, y cuando escapa de casa siendo joven lo hace para resurgir años después como Max Frost, músico e ídolo de masas. Un intento político de utilizarlo para dar buena imagen a una campaña termina por revertirse cuando Frost toma las riendas de su discurso y va presionando al gobierno para disminuir la edad mínima para votar. Y ya saben lo que pueden hacer los ídolos de masas. Frost lo que pretende es cambiar al país a través de su visión juvenil y fatalista del mundo, y por suerte cuenta con un número abrumador de fanáticos dispuestos a llegar a las últimas consecuencias por él.

Si bien "Wild in the streets" se dirige rápidamente hacia un panorama de ficción extrema, parte de un retrato no demasiado alejado de la realidad estadounidense en aquellos años, quizá en sus detalles más banales. La idolatría a los ídolos musicales, las filosofías hippies, las sectas alternativas, en un momento en que tras la Guerra Fría y Vietnam el gobierno de Estados Unidos no tenía la mejor imagen de cara a la sociedad, sobre todo la joven. A partir de ahí es que se plantea el quiebre: Max Frost, ideólogo del nuevo mundo, representa y no esa evasión juvenil de la realidad, pero a través de ella es que pretende dar cara a la hipocresía de *el mundo adulto*. El juego de culpas no tiene fin pero se aprovecha para justificar la construcción de una suerte de dictadura de la imagen, un intento de utopía de la juventud que obviamente trae consigo sus propios fantasmas, que pueden entenderse de manera directa en la misma historia del propio protagonista. 

Con un increíble potencial, quizá porque la película no termina de definirse entre su aire rockanrolesco y su mensaje político, es que no destacó demasiado en su momento ni lo ha hecho a futuro. Sobre todo que en las décadas siguientes el cine se llenaría de otros universos más distópicos y más arriesgados en comparación. Con todo no deja de ser una pequeña pieza interesante y entretenida. 

Y bueno, imagínense que en ese futuro después de los 30 uno ya era viejo. 

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"Teorema", Pier Paolo Pasolini

Continuando con mi furor inicial por los mini maratones, nos toca otro italiano con el que tenía una gran deuda pendiente: Pier Paolo Pasolini.

"Ciertamente, viniste aquí para destruir. En mí, esa destrucción no podría ser mayor. Destruiste la idea que tenía de mí mismo"

Suelo guiarme sobre todo por los puntajes de imdb para elegir las películas que veré de cada director, pero en el caso de "Teorema" ya llevaba tiempo deseando verla por cuenta propia, independiente de mi deuda con Pasolini. Me gustaría decir que es inexplicable que no aparezca entre sus películas mejor calificadas pero sin duda casi toda la filmografía de este hombre es bastante espinosa como para resultar mínimamente objetivos al momento de hablar de ellas. "Teorema" es demasiado enorme, demasiado extraña, como para hablar objetivamente de ella.

Un hombre, un extraño, llega hasta la casa de una familia acomodada. En su acercamiento a cada uno de los personajes que la componen (padre, madre, hijo, hija, criada) alterará radicalmente sus mundos.

Suena a los descriptivos resúmenes que tratan de engancharte a una película sin revelar nada más que su más inmediata naturaleza, pero en este caso describe la totalidad de la película. Pocos diálogos, ningún contexto, revelar el final no sería esencialmente revelador en sí mismo. El núcleo de la película es esta alteración, destrucción, metamorfosis, que atraviesan cada uno de los elementos familiares a través de una irrupción aparentemente sin sentido, entre mística y llanamente erótica. 

Una sinopsis de la película concluye con: "¿Quién es este visitante? ¿Podría ser Dios?" (aludiendo, supongo, a la tensa relación entre Pasolini y la Iglesia a lo largo de su vida). Y quizá parte del inexplicable encanto de la película es que sí, podría ser Dios, pero igual podría no serlo, y eso no cambiaría nada. El magnetismo caótico de este visitante se justifica a sí mismo, justifica la inexplicable destrucción de los valores de los individuos y de la estructura familiar que los componía. Es una oda casi silente al abismo de los deseos más oscuros. Uno puede darle todas las lecturas políticas, sociales y morales que desee y es tan válido como innecesario. La fuerza desbordante que cobra la película a través de esta sencilla trama y el ambiente de confusión y opresión que va creando es suficientemente elocuente y no necesita más razones, aunque pueda permitirlas.

Yo no pude evitar pensar en "Visitor Q" de Miike ante la premisa y un poco del desarrollo. Aunque no se puede decir que el planteamiento sea en exceso original, dada su sencillez, no dudo que haya una suerte de tributo realizado muy a lo Miike. Y wikipedia me dice que ya que estoy estableciendo relaciones, bien podría continuar con "Sitcom" de Francois Ozon. 

Es difícil decidir dentro de una filmografía tan bien lograda, aunque apenas me haya adentrado bastante poco en ella, pero creo que "Teorema" sin duda se ha colado entre mis favoritas del director. Es increíble.

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"Hatsukoi: Jigoku-hen", Susumu Hani

04/05/13

Hay tres películas, hacia finales de la década de los 60, que se consideran el final claro del movimiento de la Nuberu Bagu. Posiblemente la menos conocida de ellas (por no haber sido dirigida por Oshima ni Yoshida) es "Nanami: The inferno of first love". Y bueno, con ese título.

"Si sólo hubieras sido hermosa habría podido amar a otra"

En apariencia también podría parecer la más simple de las tramas con las que se trató de cerrar el movimiento de la nueva ola japonesa. Las propuestas de Nagisa Oshima ("The man who left his will on camera") y Yoshishige Yoshida ("Eros plus massacre") eran sin duda confrontaciones claras contra su época, las que habían mantenido durante toda la década y que inexorablemente llegaban a su fin. No sucede lo mismo con "Nanami", quien sigue en apariencia un lineamiento bastante similar al de tantas pinku eiga prototípicas. 

Shun es un tímido adolescente que parece sentirse atraído por la mucho más liberal Nanami, quien parece corresponder sus avances. Aunque la relación tiene un cariz claramente sexual sus encuentros nunca se concretan y suelen terminar en conversaciones sobre otras cosas. Shun tiene traumas con los que no ha podido lidiar, de modo que sólo puede relacionarse de manera exitosa con niños. Nanami llegó a Tokio en espera de ganarse la vida pero sólo puede desempeñarse como modelo erótica, cada vez con trabajos más arriesgados. Las circunstancias no parecen especialmente dispuestas para que puedan conseguir una relación armónica. 

Todo esto puede sonar a drama fácil, pero ya sabemos cómo eran las cosas en Japón en los 60. Además de la narrativa visual, muy cuidada en el aspecto estético y con una cadencia bastante particular, lo que destaca sobre todo es la figura de Shun y el modo en que se trabaja sobre ella. Shun es el típico joven de su década, sexualmente frustrado, incapaz de darle una dirección a su vida, subyugado por hechos que no puede controlar y sin poder expresar ni sus sentimientos ni sus frustraciones. Nanami también es, a su modo, una joven que se ha adaptado a su generación, entre la amoralidad y un dejo de tristeza, se sumerge en un mundo que podría parecer oscuro con la calma de lo cotidiano. Pero, cual la protagonista de "Crazy fruit", parece mantenerse a lado de Shun porque él representa de algún modo algo que ella también ha perdido: cierta inocencia. 

La cinta se desenvuelve de manera cercana a los dramas sociales de clases medias con los que empezó Oshima, pero incorporando los elementos visuales más delineados de la nuberu bagu. Y especialmente, ya hacia final de la década, hace parte del discurso la reflexión meta-cinematográfica como representación clara de la muerte del movimiento. Las tres películas que cierran simbólicamente esta nueva ola convergen en una misma situación: la muerte del cineasta, metafóricamente hablando. En el caso de "Nanami" la metáfora es todavía más amplia: Shun es el cineasta, pero su obra es su propia psique. Incapaz de expresar sus sentimientos, cuando se ve obligado a acudir a un psicoterapeuta, despliega sus pensamientos cual proyección cinematográfica para que los demás puedan verlos. Imágenes erráticas que sugieren la raíz de sus traumas pero que no se pueden precisar del todo. 

Dentro de su simplicidad, es posible que "Nanami" por momento se acerque más a una producción de pinku eiga que poder ponerse a la altura de directores como los mencionados. Pero quizá es así, a su modo, que consigue dar un cierre más dentro de su misma línea al movimiento, sin abusar de la denuncia política y regresando, tal como comenzó, a la generación perdida que empezó a inspirar sus historias. Aunque Susumu Hani no destaca mucho más dentro de sus años, sin duda "Inferno of first love" es una pequeña joya a destacar dentro de la década.

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"Juhyô no yoromeki", Yoshishige Yoshida

20/03/13

Para hablar un poco más de Yoshishige Yoshida, aunque no demasiado, decidí optar por una de sus películas no tan famosas, a ver si podíamos limar las asperezas de nuestro primer encuentro, "Affair in the snow".

"Without you, I'll be able to free myself from myself"

Debo decir que tras "Eros plus Massacre" agradecía que la película tuviera una trama fácil de seguir, aunque ésta se encontrara editada y guiada por la sutileza propia de la Nuberu Bagu y sus referencias teóricas. 

Yuriko mantiene una irregular relación con Akira, un profesor de escuela con quien no termina de entenderse y cuyos encuentros parecen dictados únicamente por la violencia y el erotismo. Ella parece un poco convencida de que no es el hombre que quiere en su vida pero es incapaz de dejarlo. Durante un viaje que realizan juntos el coche en que viajan se echa a perder y ella lo toma como una señal funesta y huye de él para encontrarse con un viejo amante, Kazuo. No lo ha visto desde hace varios años, cuando decidió irse a Tokio, y de alguna manera la relación que habían mantenido vuelve a encenderse aunque de manera meramente platónica. Kazuo está casado y además es impotente. Al encontrarse entre los dos hombres Yuriko tendrá que plantearse qué es lo que realmente quiere de una relación y por cual de los dos debe decidirse. 

Todo lo cual suena a culebrón fácil y por una parte lo es, pero en lugar de que la trama sea guiada sencillamente por las premuras de la pasión (de cualquiera de los tres personajes), hay un componente fuertemente teórico que va construyendo la historia como una suerte de discurso erótico/amoroso. Las idas y venidas de los involucrados en el triángulo amoroso, el ritmo oscilante dentro de esta reflexión entre el sexo y el amor, se define sobre todo a partir de los diálogos y los pensamientos de los personajes, especialmente Yuriko quien mantiene una especie de hiper-consciencia de la situación incluso cuando tiene que ceder ante sus instintos (cosa que sucede también dentro de cierta lógica). Lo cual, aunque hace que una trama sencilla se vuelva un poco más lenta y pesada, no termina por opacar la historia ni complicarla demasiado como para que pierda su condición original como drama amoroso. Por el contrario, la dota de un cierto sentido de objetividad que da una mayor dimensión a las acciones cotidianas que van sucediendo.

Sin duda uno de los máximos atractivos de la película son sus escenarios, que siguen el rumbo marcado por la teoría del paisaje de Adachi, quien defendía que la intervención de la naturaleza aunque fuese como marco para las acciones humanas contenía también un factor emocional. Basta ver secuencias tan poderosas en la película como el primer connato de ruptura entre Yuriko y Akira, tras la ruptura del coche, que tiene lugar con un embravecido mar de fondo; o los momentos climáticos que tienen lugar en un sitio aislado rodeado por la nieve (con unas escenas fantásticas y que dan el título a la película).

La película además tiene un toque diría casi europeo (que se nota principalmente en el vestuario) que le da un aire entre elegante y exótico, que sin duda ayuda mucho para enrarecer un poco la atmósfera al tiempo que se cuenta una historia ya conocida. Decisiones más que afortunadas y que sumadas a la fotografía y el cuidado estético y de edición de Yoshida (hay que recordar que las secuencias eróticas de aquellos años no podían ser en absoluto explícitas y aquí muestra algunos momentos increíblemente poderosos pese a las restricciones) resulta en una película bellísima. 

Es curioso porque dentro de la filmografía de Yoshida se encuentra justo antes de "Eros plus Massacre", incluso comparten actriz protagónica, Mariko Okada, a quien terminé odiando un poco después de la antes mencionada película, pero ya hemos hecho las paces de nuevo. Creo que volveré al director, ya un poco más confiada, a ver en qué más contribuyó a la Nuberu Bagu.

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"Kôshikei", Nagisa Ôshima

09/11/12

También por esta época decidí ponerme con una pequeña retrospectiva de Nagisa Ôshima, de quien no había visto más que "El imperio de los sentidos", y aunque esa pieza no me había dado ganas a repetir, tenía que comprobar la importancia del director en la historia cinematográfica de su país. Y para empezar por algo medio seguro me fui por un crimen: "Death by hanging".

"No acepto eso. ¿Qué es una nación? Enséñame una. No quiero ser asesinado por una abstracción"

Somos informativa introducidos en algunos aspectos de la última fase del sistema de justicia japonés: las cárceles, el corredor de los condenados a muerte y el modo en que se llevan a cabo las ejecuciones. R, un prisionero coreano acusado de un par de asesinatos, está por ser ejecutado y todo parece seguir según la norma, vemos cómo lo cuelga a través de nuestra visión de documental. Pero entonces, cuando están por declarar la hora de muerte, el condenado abre los ojos sin más y se muestra bastante vivo. Lo que sí, ha perdido la memoria y no puede ni siquiera recordar quién es. Los oficiales no saben cómo proceder ya que jamás se habían encontrado con un caso así, y aunque el sentido común les indica que sencillamente lo cuelguen de nuevo, un aspecto teórico de las leyes japonesas les indica que no pueden matar a un hombre que no está consciente de su culpa. A partir de entonces todos los asistentes a la ejecución tendrán que pensar el modo de hacerle recordar a R quién es y los crímenes que cometió.

Una de las premisas del cine de Ôshima en los años 60 era alterar las estructuras narrativas que habían regido el cine hasta el momento. Una de sus principales preocupaciones era la memoria, y también el manejo de la culpa. Ésta es probablemente la película donde mejor encarna esos dos sentimientos y donde presenta de manera más inusual y efectiva su idea de la repetición dentro de la estructura narrativa. ¿Cuántas veces vemos a R morir en la película? ¿Cuántas veces presenciamos su historia? Nada de eso importa porque lo cierto es que no podemos adentrarnos en una persona únicamente a través de hechos y su repetición obsesiva, no podemos adentrarnos en ella a través de las perspectivas subjetivas de otros individuos, y a pesar de que creemos entender todo sobre R cuando se nos explica una y otra vez, en realidad ni siquiera alcanzamos a empezar a comprender. 

No es el único de los elementos recurrentes en su cine que el director aprovecha para configurar esta historia. También tenemos la diversidad racial del país, algo que no había sido prácticamente nada abarcado hasta el momento (y que incluso a día de hoy no es muy común ver en el cine japonés). Se nos dice todo el tiempo que R es coreano aunque se trata de un coreano de segunda o tercera generación: su familia lleva años viviendo en suelo japonés y sin embargo no son capaces de borrar el estigma de su nación de origen. Nación que al mismo tiempo arrastra el trauma histórico de la ocupación nipona y la posterior humillación y discriminación de haberse tenido que mudar a dicho país. Otros de los aspecto son los crímenes reales de la época, en uno de los cuales se inspira bastante libremente la obra.

Si bien la trama puede sonar un poco extraña, la puesta en escena está maravillosamente realizada y dota de una fuerza y una belleza fantástica a una historia que del estricto realismo pasa a una recreación teatral y a una resolución casi fantástica. Para volver, fugazmente, a ese mismo estricto realismo: ¿Quién era el individuo japonés en los años 80? ¿Quién es R y por qué cometió esos asesinatos? 

Preguntas a las que no es tan fácil encontrar respuesta.

Diría que volví a Ôshima con el pie derecho. Se ha vuelto ahora de mis favoritas del director y probablemente de mis favoritas japonesas de todos los tiempos. Pero tendrá más competencia, y es que todavía nos quedan más piezas que comentar de este conocido autor. 

Y vamos por el Día Ocho del Festival Film Focus. Cada vez nos queda menos.

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"La mujer murciélago", René Cardona

20/07/12

México lindo, psicotrónico y querido.

"Es difícil describirla con palabras"

Hubo una maravillosa época en que el cine mexicano, si bien no necesariamente hacía buenas películas, al menos no tenía vergüenza en hacer toda clase de productos extraños y delirantes. Y si habían montón de películas de lucha libre, ¿por qué no habría de luchadoras sensuales que además fueran disfrazadas de superheroínas? ¿Quién iba a necesitar a Batman teniendo nuestra propia Mujer Murciélago?

La Mujer Murciélago es obviamente una millonaria con una identidad secreta que vive en una versión mucho más soleada de Ciudad Gótica: Acapulco. Suele dedicarse más a la lucha libre pero de vez en cuando se pasea con su bati-bikini combatiendo al crimen. Cosas raras comienzan a suceder en la ciudad cuando un misterioso científico loco comienza a experimentar con peces y otras criaturas para crear al máximo monstruo para luego, hacer algo para destruir al mundo, supongo, ¿a alguien le importa para qué quiere crear monstruos un científico loco?

"La mujer murciélago" tiene un poco de lo bueno y de lo malo de este tipo de cintas. Es bastante ligera y entretenida, tiene mujeres en minúsculos trajes simulando ser superheroínas, es rara rara y tiene científicos locos con criaturas monstruosas. Con todo lo que por una parte ayuda con el asunto del ritmo y el seguimiento de la trama, que es lo de ser ligera, quizá pueda hacer que por momentos no se aproveche todo el potencial que esos elementos tienen para ser rarísimos y llevar toda esa extravagancia al nivel que se merece. Además que de entrada desmerece por completo el estar medianamente dentro de la categoría de películas de lucha libre porque las secuencias de dicha actividad son bastante limitadas, casi anecdóticas, y además se nota a veinte kilómetros que obviamente quien las realiza no es ni de cerca la señorita Maura Monti, quien encarnase a la batiheroína, por más que intenten ponerle un traje más recatado para disimular que debajo no hay una figura de sirena. Que igual se agradece un poco porque no quiero imaginarme las capacidades que tendría la actriz en el ring por sí misma, y si de por sí no podemos aspirar a mucha lucha dentro de la trama. Pero, eso, no esperen nenas en traje de baño peleando (luchalibremente) en el lodo, o equivalentes. 

Lo dicho, entretenida pero sin querer esperar muchas más sorpresas. Con mujeres guapas pero sin ser justamente sensual con lo que se promete. Si alguien cumple en todo esto es el científico loco que se monta cada giro de guión que compensa la ausencia de toda lógica narrativa. Pero, lo dicho, habiendo tantas cosas raras en el cine mexicano por esas décadas, la bella Mujer Murciélago se quedó a medias en querer intentar hacerse un buen lugar. 

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"Hasta el viento tiene miedo", Carlos Enrique Taboada

09/05/12

Y no está mal continuar ahora con más terror mexicano clásico, de manos del casi infalible Carlos Enrique Taboada. Años antes de que los internados femeninos europeos se volvieran mansiones del terror, en México ya teníamos jovencitas enclaustradas y acosadas por el terror. Justo lo que uno querría ver.

"Quién sabe qué pueda haber después de la muerte que lo obligue a uno a volver y vagar aquí abajo"

Claudia, una joven que vive y estudia en un colegio sólo para señoritas, ha pasado los últimos días siendo atormentada por una pesadilla donde al ir subiendo unas escaleras se encuentra con el cadáver de una chica colgando de una cuerda. Los sueños son a veces tan vívidos que tiene la sensación de que terminan por ocurrir en su cuarto y cuando despierta ya no puede conciliar el sueño de nuevo, ni calmarse. Durante uno de esos días en que se encuentra perturbada por esa sensación, junto con sus amigas descubre que la torre que hay en el patio del colegio perpetuamente cerrada tiene el candado abierto, deciden entrar a ver qué hay dentro (porque siempre es una excelente idea entrar a conocer los rincones siniestros de donde se vive) sólo para descubrir que es el escenario de sus pesadillas. Pero son descubiertas por la directora del colegio quien decide castigarlas al no permitirles tomarse las próximas vacaciones, por lo que tendrán que quedarse solas en el colegio durante las próximas semanas.

Y está claro que una no ve mujeres ahorcadas en sueños sólo para pasar unas semanas maravillosas en el preciso sitio donde sucesos funestos ocurrieron años atrás, ¿no?

En un ambiente por completo femenino, Taboada funde la sensibilidad adolescente con la sobrenatural partiendo de una historia clásica de fantasmas: algo sucedió cuya energía permanece. Las chicas no sólo se ven acosadas por fenómenos extraños a su alrededor, sino que la psique de Claudia va sufriendo irregularidades conforme tiene la sensación de 'entender' al fantasma que las ronda. 

Aunque la idea de tener jovencitas corriendo por todos los sitios del colegio parecería ser exclusiva del género slasher (de hecho las películas a las que hacía referencia al inicio que son "Suspiria" de Argento y "La residencia" de Ibáñez Serrador, lo son de manera emblemática), parecería que Taboada plantea una estructura similar pero para completarla con una entidad no sólo sobrenatural (en contraposición con la figura humana del asesino) sino también femenina. Sí tiene la película un aire de '¿quién es la próxima víctima?' pero al  mismo tiempo no se limita a una serie de persecuciones individuales sobre las cuales tenga que alzarse una ganadora-superviviente. 

Si bien puede pensarse que de manera estricta es una película más bien simple con una trama que tampoco es que no se haya visto nunca, es claro que uno de los puntos fuertes de Taboada es la ambientación (una maravillosa ambientación que queda más que adecuada para el título) y la conformación de los personajes (aunque en este caso algunos se muestren con mayor profundidad de otros). Si acaso es cierto que el aire festivo sesentero de la estética y de las actitudes de las protagonistas cuando no están siendo acosadas por espíritus del más allá puede parecer un poco extravagante con una mirada actual y restarle por momentos un poco de seriedad, creo que difícilmente uno espera los típicos sustos actuales en una película de tantas décadas atrás. "Hasta el viento tiene miedo" probablemente no va a sacarle un susto a nadie pero sí que resultará una excelente representación de una historia de fantasmas con aires clásicos. 

Como México también cae en esa moda de remakear lo poco remakeable que tenemos, hace algunos años salió una nueva versión de esta película, protagonizada por Martha Higareda y cambiando la locación a un psiquiátrico para adolescentes burguesas (porque ya nadie se iba a creer lo del colegio para señoritas, supongo). Por una parte sí creo que una actualización en aspectos formales no le vendría mal y algunos efectos especiales tampoco, pero no tengo que decirles que dicho intento fue un fracaso más que absoluto. Comenzando por Martha Higareda, se imaginarán.

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Sexto día del Maratón de Cine Bloggers. Pásenle, pásenle. 

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"Night of the living dead", George A. Romero

02/10/11

Zombies más que clásicos, yo tengo una larga deuda pendiente con Romero y cada vez es más penoso rememorarla, así que aprovechando la colección de mi hermano me hice de algunas de sus películas para al menos disimular un poco en las conversaciones. Y, claro, empezar por el principio.

"It has been established that persons who have recently died have been returning to life and committing acts of murder. A widespread investigation of funeral homes, morgues, and hospitals has concluded that the unburied dead have been returning to life and seeking human victims. It's hard for us here to be reporting this to you, but it does seem to be a fact"

A estas alturas supongo que no es necesario mencionar cómo Romero prácticamente inventó el género zombie contemporáneo, o las posibles lecturas sociales que se le puede hacer a la película por su momento histórico, y un largo etcétera. Casi ni es necesario hablar de la trama en sí porque todos sabemos o podemos imaginar por donde va la cosa: un día todo estaba bien y cuando menos te lo imaginas ya estás rodeado de zombies. Y, bueno, todavía no corren ni hacen maravillas pero están muertos, son muy feos, persistentes y quieren tus vísceras, y estar rodeado por ellos nunca puede ser una buena situación.

Así que desde el inicio de los tiempos (del género zombie), Romero demostró que menos es más. La trama es tan simple como que Barbra está con su hermano visitando la tumba familiar cuando la gente comienza a comportarse raro (y en su cementerio, no se necesita mucho más) y ella tiene que huir entrando en shock. Se encuentra con una casa a mitad de la nada pero se ve asediada una vez más por gente rara pero aparece Ben, un ciudadano regular combatiendo criaturas irregulares, va y la rescata y se queda en la casa. Y ya. No necesitamos que se nos expliquen los complejos antecedentes de dichas criaturas, ni que hayan muchas más locaciones, ni siquiera tienen que moverse demasiado, para que pueda construirse una trama sólida que hoy, tras tantos años y giros y giros en el género, sigue funcionando. La idea central podría resumirse como que a veces suceden cosas horribles a tu alrededor pero el ser humano, sobre todo en su interacción en grupo, siempre demuestra que puede ser todavía peor que las circunstancias.

Y a partir de entonces los zombies han seguido un largo camino, ni se los tengo que decir. Y Romero sigue estando presente en cada uno de esos pasos aunque la gente a veces opine que bien puede quedarse a descansar en su condición de mito y ya.

Actualmente se puede ver del modo original que era en blanco y negro (aunque por aquel entonces ya la mayoría de las películas se producían a color, esto fue en parte por cuestiones del limitadísimo presupuesto y porque ayudaba también a disimular ciertos efectos que tampoco tenían presupuesto) y también en una versión a colores. Que no sé si por desgracia o no pero fue la que me tocó ver. No es que esté mal porque fuera de darle un tono a sitcom retro lo cierto es que la historia es la misma, pero no dudo que tenga mucho más impacto en su original monocromático. Además que la estética en blanco y negro a mí me encanta, deberían hacerse más películas así actualmente.

La película tiene sus debidas e indebidas continuaciones, varios remakes, un montón de parodias, muchos guiños por casi cualquier película de zombies que haya salido posteriormente y un larguísimo etcétera. Es que a estas alturas es difícil ver el género sin que Romero sea *el* referente. Y está bien que la gente lo sepa, aunque quizás imdb exagere con su sección de 'referida en' que debe constar de centenares de películas de las que varias no estoy segura sean referencias directas.

Confío en que en algún otro momento nos toque hablar de las demás películas de la saga o alguna otra de la filmografía del director.

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"Diabolik", Mario Bava

17/08/10
Una vez más me tocó continuar con películas de Bava que no eran las que esperaba ver de él, y aún más alejándose del género en que más me gustaría mirarlo, el terror. Pero una vez más la película se encontró conmigo y no viceversa, y de hecho cuando me dispuse a verla no sabía que era de Bava. Pero, igual habría que darle una oportunidad.



"If you didn't see him, he's there"

De hecho cuando la elegí tampoco sabía que no iba a ser de terror, y es que "Diabolik" aunque no sea un gran título de terror creo que podría asociarse fácilmente con malas producciones del género (de esas malas producciones que me encanta ver). Pero bastaba ver un poco de colorido, acción, y flacas italianas en vestidos sesenteros para deducir que la cosa no iba por ahí.
Diabolik es en realidad un ladrón, una especie de antihéroe de comic del momento en que ser un ladrón de la vieja escuela era lo más amoral que podría suceder. Y él básicamente lo es, se dedica a robar cosas lujosas tanto como para mantener su estilo de vida como para fastidiar a la policía, todo en compañía de su guapa y seductora pareja (que tiene menos mérito, ya que ni siquiera tiene seudónimo de ladrona). A mí la primera impresión que me dio es que era una especie de fantomas pero más juvenil, que trataba de ser más cool que elegante. Una especie de niño rico con facilidad y gusto por el crimen. Hasta la máscara le daba un cierto toque, aunque supongo que en cuestión de máscaras de ladrones en la época no debe haber mucha más variedad.

Al parecer por aquel entonces "Diabolik" era un comic bastante popular en Italia, curiosamente creado por un par de hermanas (porque lo cierto es que no recuerdo muchas más mujeres bien paradas en el mundo del comic, a menos de que nos vayamos a Japón). Y cuando se decidieron a hacer la película Bava fue elegido como director aunque para él resultaba algo extraño tener que dirigir un producto que sería taquillero, aunque se les dio las libertades necesarias para que cumpliera con su trabajo e incluso trabajó muy por debajo del presupuesto que tenía, tal como estaba acostumbrado.
El resultado es un poco extraño, ya que se centra muy generalmente en las aventuras de este ladrón. Sé que la única otra opción posible habría sido adentrarnos en la complejidad del personaje y eso le habría quitado más del 50% de acción pura, pero al final hace que la historia quede demasiado superficial, especialmente si uno no conoce al personaje de antemano. Así que nos encontramos con una serie de hechos: un par de atractivos jóvenes que roban estrafalariamente y tienen una especie de baticueva retro, la policía yendo detrás de él una y otra vez, orquestando tentaciones a robo de lo más absurdas y, claro, Diabolik saliendo airoso de todas ellas. Y ya. No nos enteramos de nada más de los personajes y algunos de los robos incluso terminan siendo algo ingenuos vistos en retrospectiva. El caso es que no sé cómo haya funcionado esto para el público italiano de la época.

Lo curioso, por otro lado, es que al parecer el comic de Diabolik era especialmente violento y oscuro. Él no era únicamente un ladrón sino todo un antihéroe que se veía en la necesidad de cometer el crimen que fuese necesario en la fina línea entre lo moral y lo amoral (porque siempre tiene que haber un destello de buena gente en los protagonistas, claro). Y sin embargo nada de eso es retratado en la película, la acción es bastante básica a un nivel casi hollywoodense y no vemos apenas sangre o crímenes importantes. Es más del tipo: oh, robaré ese gran collar de esmeraldas con todos los trucos en mi bolsa. Y es extraño porque quizá de Bava hubiéramos esperado precisamente algo un poco más fuerte.

Por otro lado no puedo dejar de pensar en Fantomas, personaje creado varios años antes, y que quizá en el comic se distinguió precisamente por ser un personaje más elegante que visceral, pero así a comparaciones generales deja a Diabolik como un intento de estereotipo de ladrón malo. Muy sesentero y con una pareja exuberante, claro está. Aunque es posible que personas con conocimiento del comic hubieran encontrado referencias más importantes en la película, o no.




Que, hablando de Fantomas, al parecer está en producción una nueva película al respecto. Francesa y que juntará de nuevo al fantástico dueto de Jean Reno y Vincent Cassel (¿quién no los amó en "Los ríos de color púrpura"?). Y el director será el mismo que "Pacto con lobos" y "Silent hill", así que al menos algo tendrá. Y es que seguro después de ver a Cassel en "Ocean's twelve" se convenció de que era el hombre para el trabajo.


¿Película favorita sobre ladrones?

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