"Kladivo na carodejnice", Otakar Vávra

23/05/13

Independientemente de que el cine checoslovaco suele prometer emociones inesperadas, el saber que había una suerte de adaptación de "El martillo de las brujas" (que equivale a decir que es una película sobre lo terrible que era vivir en el medievo) era para no perdérselo.

"Your commission has power. But power and truth are two different things"

Quizá ya lo sabrán pero "El martillo de las brujas" era una suerte de 'todo lo que usted siempre quiso saber sobre quema de brujas y no se atrevía a preguntar'. Es uno de los textos más completos de la época, escrito por dos religiosos alemanes, que explica todas las posibilidades que tenía el demonio para hacerse de un cuerpo humano por allá en esos años oscuros, y todas las posibilidades que tenía la Inquisición para incitarlo a abandonar dicho cuerpo.

La película en realidad parte de un otro libro, una novela histórica de Václav Kaplický quien se inspiró precisamente por el mencionado texto antiguo y se dedicó a investigar sobre casos reales sucedidos en Checoslovaquia. El que más llamó su atención fue una serie de denuncias y juicios sucedidos en un pueblo de Moravia, retomado después por el director para realizar la película.

Una anciana realiza una acción que puede ser malinterpretada y es denunciada. Un inquisidor se da cuenta de cuánto puede ganar al despojar a un condenado de sus pertenencias. Una burguesa vive con temor de Dios pero también se contradecir al Santo Oficio. Un sacerdote trata de ayudar a su pueblo pero él mismo es señalado. Otro sacerdote está convencido de la presencia del demonio en la gente y no se da cuenta que está siendo utilizado. Mientras tanto, unos y otros se señalan, se acusan, se llenan de miedos. Y los instrumentos de tortura se ciñen a los cuerpos y la sangre confiesa. Todos son culpables ante el dolor, y el ambición y la codicia asola a una población con fuego.

Este panorama no es del todo desconocido, cualquiera puede sospechar las razones que llevaron a la quema  de tantas personas durante la Edad Media. Lo que la película consigue es reconstruir de manera exacta la dinámica de una sociedad donde estos abusos eran cometidos de manera sistemática, colocando a cada quien en su sitio, instaurando una retórica paranoica bajo la cual todos pudieran ser culpables o inocentes a conveniencia, y deshumanizando las estructuras de poder incluso en sus manifestaciones más mínimas. A más de representar cada uno de los pasos que seguían los juicios de la Inquisición.

En este aspecto la película no sólo es informativa y cuidadosa en esta representación, sino que su esmero histórico no demerita en absoluto su condición de pieza de ficción y resulta en una producción fantástica y estéticamente maravillosa. Este cuidado, en contraposición con la brutalidad de los actos, no hace sino conferirle más fuerza a lo indignante de esa realidad histórica. 

Y si viéndola ahora consigue tal efecto positivo, por la época en que fue estrenado, a inicios de los 70, también sirvió como un vehículo de crítica sutil a la situación que la propia Checoslovaquia estaba viviendo bajo el régimen comunista, donde ser inocente o culpable volvía a depender del dedo que te señala, y muchos vivían con el temor de verse inmersos en una situación adversa que ya no pudieran controlar. La crítica funciona (y funcionó, ya que la película fue prohibida en muchas partes y aun así logró ser un éxito en su momento) sin necesidad de expresarla directamente. Demostrando que, a veces, la humanidad conoce su historia y aun así vuelve a repetirla.

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"Tôkyô sensô sengo hiwa", Nagisa Ôshima

15/01/13

Con qué tristes noticias tenemos que despertarnos. Si a finales del año pasado hablábamos de la terrible pérdida de Kôji Wakamatsu, el día de hoy se nos fue otro de los grandes de la cinematografía japonesa y universal: Nagisa Ôshima. Así que le rendimos un pequeño homenaje con una de tantas piezas clave en su filmografía: "The man who left his will on film".

"It seems like history is moving outside of our lives, but the camera makes it seems familiar, personal"

Oshima fue uno de los directores, sino el más importante, que ayudaron a definir la cinematografía japonesa en los 60, una época que sirvió para definir el curso que tomaría a partir de ese momento. Si con "A town of love and hope" y "Cruel story of youth" definió su proyecto personal y la ideología general de la Nuberu Bagu, con esta pieza, "The man who left his will on film", dio también cierre a una década y un momento histórico y cinematográfico concreto. Muchos la señalan, junto con "Eros plus massacre" y "The inferno of first love", como el final claro de la Nuberu Bagu.

"The man who left his will on film" es ciertamente un cierre, una reflexión cíclica sobre el cine, sus posibilidades, sobre las revueltas sociales de los años 60, sobre las imposibilidades, sobre esta repetición histórica no siempre conclusiva y sobre la muerte. 

La película inicia con alguien grabando con una cámara cuando comienza a ser cercado y perseguido, lo que lo lleva a escapar hasta el techo de un edificio de donde se arroja. Antes de que llegue la policía alguien recoge la cámara y huye a su vez. La cámara pertenece a un grupo de estudiantes de la resistencia cuya discusión oscila entre su grupalidad marxista y su individualismo. Motoki, quien recogió la cámara de la escena del crimen y pertenece al grupo, se obsesiona con la idea de recrear al fallecido, a quien nadie parece recordar demasiado bien, a través de sus grabaciones, que extrañamente consisten en escenarios vacíos. 

Varios de las preocupaciones usuales del director van convergiendo en una trama cuya obsesión es la reconstrucción de un discurso: un discurso personal, un discurso histórico, un discurso cinematográfico. Las pistas que se poseen para ello son ambiguas, extrañas, e incitan a reproducir un ciclo sin que se haya acabado de entender. Motoki, al querer recuperar la figura del muerto, se va convirtiendo en él, vuelve sobre sus pasos, reproduce sus escenarios y se inserta a sí mismo en ellos. El destino que persigue no es la resolución sino la repetición, un final que no involucra la asimilación de un mensaje.

Las tres películas mencionadas como cierre convergen en ese punto final: el cine ha sido su discurso, su herramienta, su revolución, pero al final las revoluciones sólo los han llevado al callejón sin salida que fue el inicio de la década de los 70 en Japón. El primer individuo, Motoki y Nagisa Ôshima dejaron ese 'testamento' fílmico para que sobreviviese a la muerte de ese momento histórico. 

Una de las películas más contundentes del director, con un mensaje que no sólo puede apreciarse en relación con los momentos en los que se inscribió sino en general como una reflexión sobre la creación artística y fílmica. Siendo un director cuya retórica giró casi siempre alrededor de la repetición, aquí consigue una de sus piezas más bellamente cíclicas, con una oscilación narrativa increíblemente bien conseguida. Y si bien representó el cierre de una etapa concreta en su propio proceso artístico, es también cierto que su propuesta continuo pero cambió a partir de ese momento. 

Y, eso, te vamos a extrañar, Ôshima :(

¿Película favorita de Nagisa Ôshima?

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"Auch zwerge haben klein angefangen", Werner Herzog

08/01/13

Hace ya un buen rato que no hablamos de Herzog por acá. Injustamente, siendo tan buen director como es. Encima "Even dwarfs started small" llevaba un buen rato en la lista de espera, creo que desde hace años que hablé con Brianda sobre ella. Pero no más.

"When we behave nobody cares. But when we are bad nobody forgets"

¿Cómo resistirse a una película cuyo reparto consta únicamente de enanos? La verdad es que me vi lenta para llegar hasta ella. 

La trama se sugiere de un modo muy velado a través de las primeras acciones. Por lo que podemos apreciar se trata de alguna clase de institución apartada de cualquier ciudad donde se encuentran un montón de enanos. Los 'hombres altos' se han ido por alguna razón y por lo que podemos deducir una suerte de revolución que continuó a su partida terminó con uno de los enanos encerrado en una oficina donde mantiene a su vez a otro amarrado a una silla. El grupo que se encuentra fuera trata de conseguir la liberación del preso, pero las motivaciones de nadie parecen claras. 

Siendo una especie de alegoría sobre las revoluciones, la película centra su fuerza en no ser en absoluto explícita. Por si el hecho de ver a un montón de enanos rebelándose caóticamente necesitase algún otro sustento para ser aún más surrealista. Los espacios en blanco los va llenando el espectador y lo mismo presenciamos una serie de secuencias hiladas definidas por una acción clara, que otras totalmente fragmentadas y aisladas que generalmente involucran enanos en situaciones extrañas. Mientras uno trata de apelar a la voz de la razón es claro que nada de lo que sucede es racional, y los enanos nos cautivan y nos conducen por esta minúscula revolución del absurdo de un modo fantástico. 

Para mí la cosa comenzó bien desde las primeras risas de uno de los protagónicos, que era tan graciosa que era imposible no amarla. Es curioso como la perspectiva de fenómenos de circo se mantiene de algún modo a la vez que los personajes parecen reivindicar su posición en el mundo, aunque se reduzca a un microcosmos apartado y sin ley. Por otro lado la película se construye también un poco en la relación con el director, algo bastante usual con Herzog quien ha hecho de sus anécdotas meta-cinematográficas parte de su filmografía. Para la grabación de la película Herzog se limitó a darles ciertas indicaciones a los actores y dejarlos llevarlas a cabo a su antojo, al mismo tiempo que se esmeró en provocar contradicciones y supongo que de algún modo contribuir él mismo al caos. Por otro lado se cuenta que hubieron varios accidentes durante el rodaje, aunque nadie resultó herido por los mismos, lo que llevó al director a prometer en cierto punto que si terminaban la grabación sin ningún otro accidente, él saltaría a un campo de cactus que se ve en alguna de las escenas y les permitiría a ellos grabarlo. Ya sabemos que a Herzog se le da bien hacer promesas cinematográficas extrañas. Y cumplirlas. 

Una pieza que sin duda puede parecer pequeña y poco épica en comparación con la parte más grandilocuente de su filmografía, pero destaca, como siempre, por la increíble habilidad que tiene el director para manejar cualquier tipo de proyecto. Y a mí me encantó ver tantos enanos en pantalla, no puedo negarlo.

¿Alguna otra película donde un enano juegue un papel relevante?

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"Shinjuku maddo", Kôji Wakamatsu

26/09/12

Y volvemos con más Wakamatsu de finales de su época más clásica, con "Shinjuku mad".

"Los dos somos desdichados. Vivimos de nuestro odio y nuestra desdicha"

Esta producción forma parte de la línea final de trabajo de Wakamatsu durante los años 60, cuando mostraba abiertamente su rechazo no sólo contra la fuerte represión y censura de la oficialidad, sino también contra las inconsistencias y absurdos de los movimientos revolucionarios estudiantiles. Aunque probablemente destaque menos y sea menos abordada al referir al autor en gran medida porque se sale de la retórica usual de eros/violencia y sobre todo no tiene un punto de vista más joven, que es el que solía primar en aquellos años.

Un hombre que vive en provincia se entera de que su hijo, quien se había ido a estudiar a Tokio, fue asesinado. Viaja a la ciudad en espera de respuestas pero se encuentra con un panorama desalentador donde la policía no le da especial importancia a la muerte de un estudiante entre tantas manifestaciones y encuentros violentos. Él decide entonces hacer su propia investigación, sin saber bien cómo moverse en la ciudad, con la ingenuidad de la gente de provincia, y sin entender muy bien esos esquemas sociales entre los que se mueven los ciudadanos de la capital. Se pone entonces a buscar frenéticamente a 'Shinjuku Mad', individuo que le han dicho es el asesino de su hijo, al menos para saber la razón por la que lo mató.

Si Wakamatsu puede parecer siempre que tiene un ritmo frenético que hace difícil de entrada que uno se adentre en algunas de sus películas, en el caso de "Shinjuku Mad" nos encontramos con una serie de secuencias apenas hiladas donde el único común es un padre buscando frenética e irregularmente a su hijo. Esa sensación de no poder seguir la velocidad ni entender bien lo que está sucediendo nos coloca directamente en la posición del protagonista y el modo en que trata de entender una ciudad que parece por completo absurda, con 'bandos' que no pueden siquiera definir su posición en un conflicto que ya tampoco parece tener una forma clara. Ese hombre, por completo ajeno a los conceptos utópicos de orden, revolución, o cualquier esquema establecido dentro de la dinámica tokiota, sólo tiene claro que quiere entender algo que le resulta por completo irracional. Y para nosotros también, si una muerte no es un hecho que sencillamente pueda justificarse, en el momento histórico en que atravesaba Japón hacia finales de la década era todavía menos claro.

Si seguimos la filmografía de Wakamatsu por esos años, nos encontramos con que uno de los posibles problemas de esta pieza es que se encuentra justo después de "Go, go, second time virgin" y "Violent virgin", y justo antes de "Sex Jack" y "Ecstasy of the angels". Si bien puede resultar muy bien lograda en su intención concreta de representar la visión de un padre desesperado durante un momento histórico caótico, no consigue ser ni tan certera, ni tan visceral, ni tan poética, como era su anterior disección de la psique humana y su posterior revisión de las inconsistencias del movimiento revolucionario estudiantil. 

Ello no es tanto un punto negativo, sino que genera la sensación de que no consigue introducirse por completo en la línea del autor y termina por ser casi una pieza un poco aislada, que además no ha sido demasiado tratada en los estudios de Wakamatsu. Quizá por ello precisamente es que consigue destacar a su modo por encima de las demás piezas que tratan de los mismos temas con estilos similares, y si bien no llego a considerarla una de sus joyas, me parece que sus particularidades terminan por configurarla como una buena cinta, sobre todo por su capacidad de tratar las obsesiones usuales del director bajo un nuevo esquema.

¿Alguna película sobre un padre queriendo resolver un crimen que involucre un hijo?

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"Seizoku", Kôji Wakamatsu

15/07/12

¿Están seguros de que les he hablado lo suficiente de Wakamatsu?

"Our philosophical insight. All suffering, except our suffering, is not worthy of suffering"

Si antes habíamos comentado uno de los inicios de Wakamatsu como director con nombre y méritos propios, "Sex Jack" se va más hacia finales de los 60, principios de los 70, donde las corrientes de la Nuberu Bagu y el pinku eiga estaban tocando a su fin. Esto es, el punto culmen antes de la casi desaparición de esos géneros que conjugaban tan bien la pornografía con la política, aunque eso en el caso de Wakamatsu casi significó relegar la pornografía a un segundo término, tornando el tema político en sí mismo en un asunto casi pornográfico.

La película abre con tomas reales realizadas por el director durante alguna manifestación de estudiantes de las que tanto hubo por aquellas décadas. Jóvenes marchando en fila, muchas banderas, policías, arrestos. Se corta para introducir en la ficción donde un grupo de jóvenes rebeldes se reúnen sabiendo que pronto tendrán que separarse y huir dado que la policía está sobre su rastro. Una pequeña fracción de ellos se encuentra con un joven quien misteriosamente decide ayudarlos, aunque sospechando al principio de él deciden seguirlo hasta las afueras de la ciudad donde se refugiarán hasta que se calme la situación.

Si mucha gente considera que la obra de Wakamatsu era claramente rebelde en el aspecto de apoyar a los movimientos estudiantiles o a los partidos de izquierdas, valdría la pena detenerse realmente en los retratos que de ellos hace en sus películas. Por su misma condición de director de pornografía es claro que no se iba a sentir identificado con la derecha y la oficialidad al poder, pero la crítica social que hacen sus películas no se centra tanto en los ideales de la época como en la distorsión de los mismos al ser adoptados por individuos más entregados a sus propias pasiones que comprometidos con una causa. En lo que es una película formalmente sencilla, donde un reducido grupo de 'rebeldes' se esconden y aguardan 'el momento oportuno', se puede adivinar el sentimiento que provocaban estos grupos de débil procedencia y ambiguas aspiraciones. Las acciones principales de la película giran en torno a los tres integrantes masculinos del grupo hablando de manera abstracta sobre su 'movimiento' y teniendo relaciones con la única mujer mientras utilizan expresiones comunistas como fetiche. El individuo ajeno al movimiento, quien decidió ayudarlos (de nuevo Michio Akiyama, actor usual del director), parece ser el único quien tiene motivaciones concretas aunque no pueda expresarlas claramente. Él, finalmente, representa a la clase social a la que en teoría representan dichos estudiantes y la incompatibilidad entre ambos parece gestar un abismo aun dentro del pequeño grupo. 

Momentos complicados en Japón, sin duda, se ha dicho que las obras de Wakamatsu son un poco proféticas sobre lo que pasaría hacia inicios de la nueva década, y algo de verdad hay en ello, aunque tampoco sería de extrañar que esa impresión de que la situación estaba a punto de explotar fuese un sentimiento generalizado en aquellos años. 

En el primer visionado sentí que era una pieza entre la filmografía del director a la que le faltaba más fuerza, quizá por manejar una situación relativamente similar a "Ecstasy of the angels" pero de manera mucho más simple. En retrospectiva creo que es de las películas suyas que mejor se han quedado conmigo, aún con su extrema simpleza. Pero seguro que también Michio Akiyama tiene mucho que ver en eso.

¿Película favorita sobre manifestaciones en contra de algo?

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"And soon the darkness", Robert Fuest

13/03/12

Habla mucho de la película que cuando leí el título en mi lista de películas que me falta reseñar, ni siquiera fui capaz de recordar de cuál se trataba. Y que me perdone toda su importancia histórica. Fue la elección de alguna tarde de películas con Laura y su oferta de cine retro.

"Porque un asesinato es el más impredecible de los crímenes"

Dos jóvenes inglesas deciden pasarse sus vacaciones haciendo un recorrido en bicicleta por la campiña francesa. Yo sé que hace mucho que no caigo en este tipo de advertencias pero hace rato que no hablamos de la campiña francesa, la cual está, nunca lo olviden, llena de asesinos en serie, llena. Estas jóvenes claro que no lo sabían y aún así les pareció muy divertido pasar sus vacaciones pedaleando. A medio camino, Cathy, la rubia alegre, cae en la cuenta que el asunto no es precisamente muy divertido, ella quisiera quedarse más en cada pueblo y conocer gente, pero la mucho más rígida inglesa Jane insiste en que deben cumplir el horario establecido. Al detenerse a descansar en algún paraje (terrible idea) discuten y Cathy termina quedándose allá mientras que Jane parte (aún más terrible idea). Pero no pasa mucho tiempo para que Jane se arrepienta y vuelva por su amiga sólo para descubrir que ha desaparecido. A mitad de la nada en un país donde no puede comunicarse bien tendrá que encontrar algún modo de recuperar a su amiga, mientras que diversos personajes de dudosas intenciones comienzan a aparecer para ofrecer su ayuda en la búsqueda.

Si bien la trama puede parecer no muy original, hay que tomar en cuenta que estamos hablando de una producción de 1970, y sobre todo una cuya promoción incluía la frase de "¿Recuerdas cuando Hitchcock te mantenía al borde de tu asiento?". Mientras que por una parte la influencia de Hitchcock en el manejo de la trama y la tensión de la misma es bastante notable, es curioso como visto en retrospectiva la película se encuentra en el punto exacto (tanto histórico como de tratamiento narrativo) entre el suspenso de Hitchcock y las propuestas del género por emerger del giallo y slasher. En particular me parece que cintas como "The Texas Chain Saw Massacre" parten en gran medida de esta nueva combinación de elementos (por no mencionar que la trama entre ambas es bastante parecida a nivel formal).

De tal modo, visto en retrospectiva, lo que consigue el encuentro entre estos dos aparentemente distantes géneros es bastante curioso. Por una parte nos encontramos ante un thriller de 'personaje desaparecido' y 'todos son sospechosos pero adivina cuál es el culpable' que es manejado en muchos momentos como las típicas historias de detectives cuyo atractivo consiste en confundir al espectador entre las intenciones de absolutamente todos los personajes; pero por otro comienza a introducir ciertos elementos que problematizan esa trama. Las figuras tópicas y contrarias de las dos chicas, la noción de cómo la exhuberencia de una la orillará a un fin trágico, el perfil de un asesino que se va alejando de la revisión psicológica del individuo atormentado para acercarse más al slasher killer que si bien tiene una justificación psicológica en realidad está puesto ahí para ser 'el asesino máximo' (contener el concepto casi absoluto de 'matar por matar'). Pero todavía sin llegar a ello. Y del mismo modo en casi todos los detalles de la trama podemos sentir cómo parte de las propuestas de su época pero ya contiene mucho de miras hacia un futuro desarrollo, todo lo cual no deja de resultar increíblemente llamativo y curioso. 

Por no mencionar que también es una muestra bastante temprana de que viajar por Europa es peligroso, peligrosísimo, y que el destino de un gran número de turistas es morir de maneras horribles. Dependiendo de la zona cambian los detalles, menos mal que no decidieron irse a pedalear por Europa del Este.

Y si bien todos estos detalles le dan una posición relevante dentro del desarrollo del género thriller-suspenso-terror (de los cuáles es un poco pero no del todo), yo siento que también de algún modo condiciona y afecta a su visionado actual. A mí personalmente me parece que presentando estas propuestas no termina de conseguir una total cohesión entre ellas y en muchos puntos queda más interesante que efectiva, logrando que al final también la cinta resulte correcta y sobria pero no alcance ni la maestría de Hitchcock (que ya era demasiado pedir) ni los valores propios del slasher como un género más hacia el cine de explotación. Faltaba decantarse más hacia uno: o más sobriedad y complejidad en el misterio, o más mujeres semidesnudas y sangre. Pero supongo que no se puede tener todo en la vida.

Hace un par de años al parecer hicieron un remake que por lo que he leído es bastante igual (dado que, como mencionamos, la trama en sí no es complicada, no creo que fuese necesario cambiarla demasiado). Por las fotos parece indicar que al menos hay más chicas semidesnudas (aunque a mí no me suena demasiado lógico que las chicas se tiren en bikini a tomar el sol en medio de una carretera pero al parecer está perfectamente justificado porque ahora están en Latinoamérica, yeah) (en Argentina, que también sabemos suceden cosas horribles, aquí nadie se salva). Con todo voy a suponer que al igual que el 90% de los remakes actuales la película termina por convertirse en un pastiche de terror adolescente, para poca sorpresa de todos.

¿Película favorita sobre el mortal destino de los turistas?

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"Patton", Franklin J. Schaffner

30/11/10

Iván estuvo buscando esta película durante algún tiempo y me tocó a mí encontrármela en alguno de esos cajones de dvds por montón y me pareció el regalo adecuado. Aunque él insistió en que no he visto suficiente cine bélico y que aprovechara para verla antes de dársela, así que le tuve que tomar la palabra.



"Now I want you to remember that no bastard ever won a war by dying for his country. He won it by making the other poor dumb bastard die for his country"

La película está basada precisamente en la figura del general George S. Patton, quien fue una figura apasionada aunque cuestionable entre los distintos dirigentes de tropas norteamericanas durante la Segunda Guerra Mundial. Comenzamos con un muy elocuente discurso, bandera al fondo, que de entrada nos deja muy en claro la actitud del general tanto como de los valores estadounidenses del momento. El discurso está hecho con varias frases del propio personaje, algunas de las cuales seguro que les sonarán bastante, y está armado con el explícito propósito de hacer un collage introductorio del mismo. A partir de ese momento seguiremos el paso del militar a través de distintos países y estrategias, no siempre en sus mejores momentos ya que pasa de ser un héroe a un loco con bastante facilidad, pero siempre fiel a sus propias ideas y congruente con las mismas.

Por una parte la película sí que tiene un interés muy claro, que además es algo que no suele explotarse lo suficiente en las películas bélicas en general, que es la visión directa de la estrategia militar. En cierta medida la película es un juego de estrategias donde seguimos a uno solo de los bandos, el dirigido por Patton, pero que nos permite adentrarnos en el proceso más planeado de la guerra. Todo ello desde una perspectiva también humana y que pone de relieve qué sucede cuando durante una batalla parece que las 'fuerzas superiores' toman decisiones que no son las más convenientes para las divisiones individuales o qué pasa si uno cree que la estrategia podría mejorarse. Patton además no tiene recato alguno en desobedecer a sus superiores si está firmemente convencido de que es 'por un bien mayor', que es su propia idea de la milicia.

Por otro lado, toda la película está encaminada a tenerlo por eje temático. De modo que por momentos nos parece que la guerra, los nazis, el temor o amor a Patton son sencillamente derivativos y lo único a que hay que prestar atención es al personaje. Además a la idealización del personaje, porque después de haberla visto no me queda muy en claro haber entendido lo que trataba de hacerse. Porque si bien se busca reflejarlo en todos sus momentos (cuando se creía que estaba haciendo todo bien, cuando parece un demente caprichoso, cuando está un poco relegado de la guerra, etc) en realidad el tono con el que se lo retrata es siempre de héroe, como si el director quisiera dejarnos en claro siempre que si se le tomaba por loco es porque el mundo era injusto con él, aún cuando sus acciones tampoco nos parezcan de lo más sensatas a nosotros mismos. Y si bien resulta en muchos puntos interesante es necesario sentir una empatía un poco más allá para que la película consiga realmente tener una presencia más fuerte. Y si de por sí yo no soy muy fanática de las películas que involucren militares, lo soy aún menos de las que tratan al ejército de manera positiva. Ya no digamos al ejército estadounidense.
Y de hecho a mí lo que más curioso me parecío fue esta comparación romántica de Patton con el Quijote (tan pronto venimos hablando otra vez el Quijote) aunque al final no creo que favoreciese demasiado al Quijote y sí, por otro lado, al profiler primigenio nazi que era el que sacaba las conclusiones más aventuradas sobre la psicología de Patton y a quien me hubiese gustado ver más en escena. Y seguro que es de lo más irónico que en una película que exalte al espíritu norteamericano uno quiera ver al nazi. Oh.

Que sí que por una parte resulta interesante, especialmente en aquello mencionado de la estrategia militar. Pero creo que como biopic llega a saturar un poco el personaje, o al menos si no termina de agradarte o convencerte del todo. Supongo que debe funcionar principalmente para aquellos que tengan mayor interés en este momento histórico en particular o al género bélico por sí mismo.




¿Película favorita sobre la vida de un militar?

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"Five easy pieces", Bob Rafelson

14/06/10
Ya hacía rato que no reseñaba algo que hubiera visto en mis cursos, que ahora se ven tan lejanos. Y me parece que ésta fue la última que vimos en el de historia del cine, como parte de la selección del nuevo hollywood, aunque con uno de sus directores no tan conocidos. Pero con el buen Jack Nicholson, eso sí.



"I move around a lot, not because I'm looking for anything really, but 'cause I'm getting away from things that get bad if I stay"

En español la película tuvo el terrible título de "Mi vida es mi vida", que no estoy muy segura de qué imagen trataba de dar de la película en general. Lo cierto es que el título es un poco difícil de traducir, ya que se refiere al nombre de un libro de lecciones de piano para principiantes. Y a menos de que lo hubieran traducido como "Lecciones de piano para principiantes", no se me ocurren muchas más opciones. Aunque sigue sonando mejor que "Mi vida es mi vida".

Toda la película gira en torno a Robert Eroica Dupea, mejor conocido como Bobby e interpretado por un joven Jack Nicholson. Toda la trama es una suave disección de su personalidad, de sus circunstancias y todo lo que lo involucre.
Al principio nos parece que se trata de una especie de retrato de la clase trabajadora norteamericana, en sus estratos más resignados. Bobby es obrero en una instalación petrolera, no tiene el mejor carácter posible, y lo único que parece hacer en su tiempo libre es beber cerveza y engañar a su tonta novia. Hay un aire de mediocridad y frustración en esa vista sin miras a nada más, pero hay ciertos detalles que nos hacen suponer que hay algo que el personaje nos está escondiendo, algo mucho más complejo detrás de lo que aparenta.
El giro en la historia se dará cuando, al visitar a su hermana, se entera que su padre se encuentra gravemente enfermo, por lo que tendrá que hacer un viaje no demasiado placentero para visitarlo, al igual que al resto de su familia. Una familia de concertistas famosos a la que parece no pertenecer, ser completamente opuesto, pero habrá una razón por la que se ha despegado de ese núcleo. Al tiempo que tendrá que lidiar con otros problemas, como su interés en la pareja de su hermano, o la visita forzosa de su novia. Quien resulta aún menos compatible con dicho ambiente.

La película en general nos da la sensación de ser bastante simple. En cuestión de trama no es demasiado elaborada: un hombre que tiene un cierto estilo de vida debe regresar a sus raíces y resolver ciertas preguntas sobre sí mismo. Y como corresponde a ese tipo de tramas, el ritmo puede ser por momentos algo lento y darnos la sensación de que muchas escenas están de más aunque sirvan para reflejar cada aspecto del personaje. Y es, básicamente, eso, la película sosteniéndose completamente sobre sus personajes y las actuaciones que los representan. Obviamente destacando por encima de todos el protagónico de Jack Nicholson, quien sin duda siempre ha salido bien librado de casi cualquier situación (aunque no la colocaría entre sus mejores actuaciones, claramente), pero también incluyendo a Karen Black como Rayette Dipesto, la más que tonta pareja de Bobby, o Susan Anspach como Catherine Van Oost, la protegida del hermano (que parece ser que todos los involucrados en la producción tenían alguna otra actriz en mente para ese personaje, pero al final terminó siendo suyo). Incluso personajes de lo más fugaces como el de Palm Apodaca (representada por Helena Kallianiotes, aunque se pensó en Janis Joplin para el papel), resultan excelentemente bien ubicados.

Sin duda una películal algo particular, de esa época hollywoodense en que se preocupaban de sobremanera por la complejidad de las psicologías individuales en las historias. Y que podría requerir algún estado de ánimo particular para apreciarla por completo. Pero es que jamás está de más ver al buen Jack Nicholson cuando no dependía de hacer de anciano neurótico (que tampoco es que le quede mal siempre, pero a veces llega a parecer auto paródico).




¿Alguna película favorita de Bob Rafelson?

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