"Some like it hot", Billy Wilder

11/07/12

Para que luego no piensen que sólo reseño películas raras, vamos ahora con un clásico de clásicos del que precisamente hablaba hoy con Adriana.

"It's not how long you wait, it's who you're waiting for"

Con todo el travestismo de por medio, Billy Wilder, Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon y travestismo, llevaba ya un buen rato queriendo verla, aunque ya estuviera en conocimiento previo de gran parte de la trama.

Joe y Jerry son dos músicos desempleados con tan mala suerte que en lugar de encontrar trabajo se encuentran con un crimen cometido por la mafia, quien no parece demasiado dispuesta a dejarlos ir sin más. Tratando de huir de su destino se encuentran con una oferta precisamente para sus instrumentos con una orquesta femenina que está por salir de gira. Poco les tomará decidir convertirse en Josephine y Daphne y unirse al grupo, donde conocerán a la bella pero problemática Sugar Kane Kowalczyk. 

Si bien parece que a estas alturas la trama de disfrazarse del sexo contrario para conseguir una meta ulterior y/o huir de los problemas, con todos los correspondientes giros de trama y enredos, podría ya haber agotado todas sus posibilidades, es más que destacable que esta pieza de finales de los 50 siga siendo tan divertida y maravillosamente orquestada. No es de extrañar viniendo de la mano de Wilder, pero son esos casos en que uno no puede evitar sentir que las comedias románticas actuales son una estafa total y que han perdido todo el encanto con que fueron concebidas. Sin querer abusar de un guión complejo o de demasiado recursos, consigue mantener un tono perfecto en la comedia, la frescura y el encanto de sus personajes. Lo cual parece todavía más destacable si nos enteramos por todo lo que estaba pasando Marilyn Monroe al momento de grabarla y por todo lo que hizo pasar al equipo al grado de que Wilder no quisiera volver a trabajar con ella (al parecer algunas escenas increíblemente mínimas le requerían más de 50 tomas, incluso llegando a tener que escribirle sus líneas en un pizarrón para que pudiera leerlas). Que en retrospectiva uno podría ver que finalmente hizo de ello parte de la esencia de Sugar Kane, con ese aire ausente y distraído del que sólo conseguía escaparse su encanto casi como si no pudiera contenerlo. 

Con ese trío protagónico tan fantástico es difícil inclinarse por uno pero es que yo particularmente quedé prendada por completo de Jack Lemmon, una vez más, con esa gracia tan natural que consigue imprimirle hasta al humor más fácil y burdo. Además que su particular romance con un millonario llega por momentos a ser hasta más interesante que el posible romance entre su compañero y la bella rubia. 

Poco más que agregar que no se haya dicho a estas alturas de la película, más que enfatizar como un género tan venido a menos actualmente, sí que podía consagrar grandes clásicos. Ahí se los dejo de tarea, hollywood.

¿Comedia romántica retro favorita?

Read More

"Kabe no naka no himegoto", Kôji Wakamatsu

10/07/12

Pero para que podamos seguir hablando tranquilamente de Wakamatsu tenemos que irnos hasta el inicio de los tiempos, o algo así como el inicio de su filmografía, con la pieza clave de "Affairs within walls".

"I'll never forget war as long as I love you"

No es ni de cerca su primera producción, de hecho le preceden una veintena más, pero es la más temprana que se conserva de él y es, sobre todo, la que se marca como el verdadero inicio de su labor artística. Porque hasta ese momento Wakamatsu se conformaba bastante con hacer cine como mucha gente en los años 60 en Japón: como se pueda y a quien lo pagara. Y es de suponer que lo que le pedían era pornografía soft-core con una mínima trama y evadiendo la censura y poco más. Y en principio era algo así lo que buscaba también con esta producción.

Alguien mira desde una ventana perdida en el laberinto de ventanas de un complejo residencial. Al asomarse a una de las ventanas nos asomamos también a la vida de dos personajes: una pareja tiene relaciones frente a un poster de Lenin. Ella acaricia y besa la cicatriz queloide que él tiene en la espalda (no necesita decirse más para saber que es un superviviente de la radiación en Hiroshima). Ambos, durante su juventud, fueron revolucionarios, pero ahora ella es un ama de casa casada quien mantiene a su amante como recuerdo de aquellos años.

El que mira es un adolescente que se evade de sus estudios espiando a otros. Siguiendo el tópico común de la pornografía en casi cualquier momento, el vouyerismo, Wakamatsu disecciona sutilmente la sociedad japonesa del momento haciendo de ese complejo residencial un microcosmos que emule de alguna manera a Japón. Por una parte nos encontramos con los maltratados ideales revolucionarios de antaño y con un hombre que ya no puede integrarse a la sociedad actual debido a su condición, una mujer que ha tenido que adaptarse a la fuerza a esa nueva estructura y que conserva el pasado como una suerte de fetiche, y un adolescente frustrado por su condición, por sus oscuras oportunidades a futuro, por esa castración social que no le permite relacionarse de manera natural con su entorno y lo limita a la figura del mirón, del perverso recluido. 

Si bien es mucho menos arriesgada que sus películas posteriores y trata de mantenerse de una alguna manera dentro de una estructura clásica de las producciones pinku eiga de la época, es claramente una muestra magistral del potencial que el director apenas comenzaba a mostrar. De hecho para muchos que puedan sentirse demasiado confundidos con su trabajo posterior, es una excelente manera de ver sus conceptos principales diseccionados de un modo mucho más sencillo pero sin perder por completo su fuerza.

Como anécdota, también fue la primera película pinku eiga en ser mostrada internacionalmente, y nada menos que en el Festival de Berlín. Esto debido a que un hombre vinculado con el festival estaba de paso por Japón, la vio y pensó '¿por qué no?', cosa que no le cayó demasiado en gracia al gobierno japonés que trataba constantemente de restringir esta clase de producciones y que ahora se encontraba con que el mundo entero tenían la mira en una de ellas (cuando otras películas de esta nación que habían sido presentadas por la vía usual para participar en el festival y habían sido rechazadas). Los estudios Nikkatsu, quienes subcontrataban a Wakamatsu para la distribución de sus películas anteriores, se deslindaron de toda responsabilidad respecto a ello y la retiraron del mercado, lo que impulsó al director para mandarlos a todos al diablo y formar su propia productora. Y, si tomamos en cuenta hasta dónde llegó luego el director, podemos imaginar el resto de la historia.

Wakamatsu, te amo. 

Ajam.

¿Película favorita sobre adolescentes perturbados?

Read More

"The old man and the sea", Aleksandr Petrov

09/07/12

Para que Descubrepelis no piense que no me tomé en serio sus recomendaciones de animación, continuamos con otra de las piezas de su vasta lista. 

"Yo preferiría ser aquella bestia, allí en la oscuridad del mar"

Como habrán podido notar, no suelo reseñar cortometrajes, y aunque esta versión de "El viejo y el mar" tampoco es particularmente breve, le falta todavía para aspirar siquiera al mediometraje. Sin embargo yo no he visto ninguna otra adaptación de esta obra de Hemingway y me voy a inclinar a pensar que el tiempo le ayuda muchísimo a condensar emociones sin detener demasiado el ritmo en los momentos más reflexivos y alargados. Pero también quiero detenerme en la obra de Aleksandr Petrov, un animador con un estilo maravilloso que si bien tiene pocas piezas, ha sabido convertir cada una en una pequeña y fantástica joya.

Este corto, como ya muchos sabrán, trata sobre un hombre mayor y su aventura al atrapar a un enorme pez vela, al tiempo que reflexiona sobre su vida y el paso de los años. De manera muy condensada en un lapso de veinte minutos vemos las acciones principales de la historia, pasando por el joven que asiste al hombre y las consecuencias finales de su hazaña. Si bien es claro que gran parte de la fuerza de la historia tiene como base el conocimiento de la obra en que está inspirada y la reflexión propia de los conceptos sobre los que vuelve el pensamiento del protagonista durante sus días en altamar, el toque final que tiene esta adaptación concreta viene sin duda dado por el maravilloso estilo personal del autor.

La técnica de Petrov es bastante clásica y casi podemos sentirnos como si los bosquejos hubiesen cobrado vida para moverse, imperfectamente, de una acción a otra. Pareciendo por momento sketches animados, luego pinturas, con una textura tan nítida que casi podemos sentirla, la imagen es un cuadro constante en movimiento, arte borrándose y redibujándose frente a nuestros ojos, siendo ahora playa, siendo ahora mar, siendo ahora pasado, siendo ahora un enorme pez vela brillando sobre la línea del horizonte. 

Con este estilo nos vamos hacia una luminosa Cuba y el ocaso de un hombre viviendo frente al mar, pero también en otras piezas del director nos permite adentrarnos en distintas ventanas humanas con esa sensación de historia que se construye materialmente frente a nosotros. Con un aparente gran amor por la literatura, casi todas sus piezas son adaptaciones de obras literarias: "The dream of a ridiculous man" de Dostoyevsky, "The cow" de Andréi Platónov y "My love" de Ivan Shmelyov. Y la única producción de su total autoría, "Rusalka", inspiraba en el folklore ruso de una suerte de sirena de la región. 

Y lo mejor de todo es que pueden verlos todos en youtube. No sé qué hacen todavía leyendo esto.

¿Película favorita que adapte un texto de Hemingway?

Read More

"Futei no kisetsu", Ryuichi Hiroki

08/07/12

Y continuando con la temática de sadomasoquismo pero desde otra perspectiva, vamos con una película que no sé desde cuándo (ni con qué motivos originalmente) tenía en mi lista de espera, "I am an S+M writer".

"Intelligent women have vast imagination. So they have the capability of accepting unimaginable forms of rapture"

A partir de los 90 la cuestión de la pornografía en Japón se ramificó en distintas vertientes y modos de representarla. Si por una parte se aprovechó las nuevas posibilidades del mercado para acercarse a un producto comercial más estándar y parecido a la idea de pornografía que se manejaba desde el inicio de los tiempos en occidente, hubo también un grupo de autores que se mantuvieron sobre la línea de lo que el pinku eiga había instaurado desde los 60 a la vez que lo incorporaban a un nuevo discurso y las nuevas facilidades de la época. Dentro de esa corriente ya casi artística de la pornografía habían los que luchaban por llevar el género hacia límites por completo distintos como los que seguían manteniendo el precedente claro de sus orígenes. En ese punto entre la 'tradición' y el exponente de sus posibilidades es que se ubica la pieza que referimos hoy.

Kurosaki es un escritor de literatura de sadomasoquismo, un género bien establecido en Japón y que contribuyó de sobremanera a las producciones de los años 70. Disfruta su trabajo casi al punto de la obsesión, lo que lo ha llevado a descuidar la relación con su esposa Shizuko. Aunque me parece que en la película no lo aclaran, es probable que la situación tenga lugar entre los 70 y los 80, en un punto en que el encuentro entre la visión más tradicional de Japón y la apertura al mundo exterior estaba en su punto más álgido. Eso se ve claramente en el matrimonio entre Kurosaki y Shizuko, que por una parte parece querer mantenerse dentro de los límites tradicionales al tiempo que es incapaz de conseguirlo. Ella ya no es la mujer sumisa que acepta todo sin cuestionarlo y aunque no parece demasiado resentida por el trabajo de su marido sí lo está por la poca atención que le presta ahora y parece decidida a conseguirse un amante. Kurosaki parece medianamente al tanto de ello y más que resistirse casi parece buscarlo, como posible nueva fuente de inspiración para sus relatos.

Hay elementos de la película que nos remiten inmediatamente a las temáticas clásicas del Roman Porno en la década a la que alude, como la mujer "frígida" que tiene que volver a conquistar su sexualidad a través de escenarios de humillación, tanto como el hombre cuyo microuniverso está poblado de elementos sexuales mientras que su propia sexualidad parece reprimida. Pero el giro realista hace precisamente que se cuestionen esos mismos elementos sobre los que se fundamentan esas tramas: la realidad nunca es tan simple, los problemas de sexualidad (que en este caso tienen un componente social y romántico ineludible) nunca pueden solucionarse a través de los esquemas hiper simplificados de las películas pornográficas. Tanto la búsqueda de Shizuko por llenar el vacío de su matrimonio con un amante como el seguimiento morboso de Kurosaki por inspirarse en las aventuras de su mujer son apenas paliativos para un problema que no se ataca de raíz porque la acción de la ficción sobre él ha hecho que sea imposible de reconocer.

El resultado es realmente curioso, teniendo una película que parece presentarse llanamente como pornográfica pero tiene altos componentes de drama, un poco de romance y humor, y sobre todo una dura crítica social hacia la estructura familiar y hacia la intromisión de una falsa perspectiva de la sexualidad en la vida diaria. Es claro que es una perspectiva que no podría haber existido en las propias décadas a las que refiere dado los motivos concretos que impulsaron esos géneros cinematográficos, pero que en retrospectiva sirve para encausar una nueva visión hacia la pornografía en Japón a través de una breve revisión histórica. 

Desafortunadamente, aún siendo una película compleja en el aspecto de crítica, se hace bastante pesada una vez presentada la cuestión y por momentos parece volver de manera redundante sobre las mismas cuestiones del sadomasoquismo mientras deja algo estancada la cuestión de la sexualidad como un componente realista antes que hiper-ficcionalizado. Y que una película se vuelva algo pesada cuando no dura ni hora y media no puede ser particularmente positivo.

Creo que mientras la veía le encontré muchos más contras que pros, pero ahora re-pensándola me parece que hay muchos elementos que si bien no se tratan tanto como podrían, son bastante esclarecedores al momento de hablar del género. Además que se supone está basada en una novela de Oniroku Dan, del que tanto hemos hablado con respecto a sadomasoquismo, aunque no sé si sea una adaptación muy re-elaborada o se trata de una cuestión mucho más reflexiva de la que el autor nos tiene acostumbrados (me inclino más por la primera opción). A todo esto agregar que el protagonista es el fantástico Ren Osugi, que podría haber sido la razón por la que llegara a ella en primer lugar. 

¿Película favorita sobre la labor del escritor?

Read More

"Koroshiya 1: The Animation Episode 0", Shinji Ishidaira

07/07/12

Desde hace mucho tiempo tenía pendiente ver qué se podía hacer en anime con un material base tan contundente como es el manga y la película de "Ichi the killer", pero al mismo tiempo dudaba de si valdría la pena. Con el puntaje tan poco prometedor que tenía, apenas su cortísima duración y el que Takashi Miike hiciera la voz de Kakihara pudieron convencerme a darle una oportunidad.

"Así que esto es el dolor"

Apenas un año después del estreno de la fantástica "Ichi the killer", alguien decidió que era buena idea sacar una suerte de OVA al respecto. Supongo que en un intento de colgarse de la fama de la producción en aquel momento. 

¿Qué se podría haber buscado con una nueva adaptación del manga de Hideo Yamamoto? Usualmente lo que la animación puede garantizar en contraposición al live-action es una mayor cantidad de violencia gráfica, pero en este caso todos sabemos que Miike se esforzó bastante en ese punto. Por otra parte, con tan pocos años de diferencia y sobre todo viniendo después de la adaptación live-action, el contar de nuevo la misma historia tampoco resultaba una opción viable.

Lo que yo hubiera esperado encontrar, y que me parece hubiera sido un acierto, era una ampliación de alguno de los puntos que en la película pasan como una elipsis. Especialmente en lo que refiere a la constitución de la psique de Kakihara o de Ichi como individuos aislados. Si bien en la película se construye fácilmente sus imágenes como la del máximo sádico y la del máximo masoquista, aunque por momentos se intente ampliar esta explicación (sobre todo en el caso de Kakihara), realmente se mantienen como una suerte de enigma al que no podemos asomarnos del todo. Esto funciona de maravilla, me parece, y no se contradice de ningún modo con el hecho de que en el manga esos perfiles estén mucho más definidos y explicados. 

Todavía lo pensaba cuando la película dio inicio precisamente con la secuencia final (la secuencia final del live-action, pues), donde Ichi y Kakihara pelean en el edificio yakuza dirigiéndose hacia el techo. Pero era precisamente la versión de dicha pelea que aparece en el manga y que dista significativamente de la que se vio en la película de Miike. Haciendo énfasis especial en el giro que cobra el personaje de Kakihara en esos últimos minutos, y luego...

Y luego flashback, muchas gracias. Los 40 minutos de película abarcan un aspecto no tratado ni en la versión live-action ni en el manga que es algo así como *el pasado de Ichi*. Un pasado que quizá podamos imaginar por todo lo que sucede pero que por algo no vemos. Me parece que uno de los mejores puntos de Ichi, particularmente en la adaptación de Miike donde se omite cualquier aspecto de su vida que no tenga que ver con la trama central, es el hecho de que no sabemos bien nada sobre él. Intuimos algo, a veces nos sueltan algunas gotas de información, pero también por las circunstancias del personaje de Shinya Tsukamoto que es quien lo controla, sabemos que todo podría ser falso. ¿Está Ichi traumado por un suceso inenarrable de su infancia o adolescencia o es sencillamente un psicópata que se justifica a sí mismo a base de un trauma ficticio? Pues aquí no tenemos tiempo de dudar nada, nos lo cuentan todo con peras y manzanas y de un modo más que simplista donde parece querer decirnos que todo aquel que haya sufrido cualquier abuso de niño va irremediablemente a convertirse en el máximo asesino. Así es como funciona la lógica del anime.

La verdad es que cuando fue quedando claro por dónde iba la cosa yo perdí en absoluto todo el interés y sufrí bastante con esa versión maniquea e hiper simplista de las cosas. Porque hasta para contar un trauma tan supuestamente violento, son malos. Es difícil manejar al personaje de Ichi porque es difícil justificar de manera creíble que un asesino brutal llore como un bebé a cada rato, y es un riesgo que el manga y la versión de Miike asumen y superan de manera más que efectiva, pero en esta versión animada no sólo parece no ser congruente sino termina por caer mal. Y dado que prácticamente todo se centra en él, es un error capital.

Si a eso le sumamos que la animación no es precisamente buena, tanto en técnica como estilo, que no aporta absolutamente nada necesario y que ni siquiera es tan violenta o entretenida como uno podría esperar, podrán adivinar que es por completo prescindible. Y aún más si uno tiene la opción de las otras dos, siempre será mejor volver a ver la primera película o volver a leerse el manga que darle una oportunidad a un proyecto tan mal planteado a partir de una base tan buena. Hasta sus cinco estrellitas en imdb me parecen una exageración, pero voy a suponer que su muy corta duración fue un punto positivo para ello.

¿Animación favorita que sea adaptación de un comic/manga?

Read More

"127 hours", Danny Boyle

06/07/12

Tal como pensé desde que estaba en cines, "127 horas" no la vería hasta que no se me cruzara con una tarde palomitera en que no me preocupara la elección y no quisiera pensar mucho más. Lo cual no deja de ser una perspectiva un poco triste para una película dirigida por Danny Boyle y protagonizada por James Franco.

"You know, I've been thinking. Everything is... just comes together. It's me. I chose this. I chose all this. This rock has been waiting for me my entire life"

A estas alturas ya todos deben saber de qué va la película, que tiene tan poca ciencia como enigma de saber cómo podría ser abordado. Aron Ralston es un joven cuyo pasatiempo es ir por la vida trepando montañas y en una de sus escapadas corre con tan buena suerte que cae en una zanja y su brazo queda atrapado bajo una enorme piedra. Ya todos saben hasta en lo que termina esta historia, ¿no?

Es claro que en ese aspecto, y con este tipo de tramas de historias reales de superación, no importa tanto el suceso en sí (que rara vez presenta sorpresas muy inesperadas) como el modo en que es presentado. Y yo creo que una pregunta que un gran número de posibles espectadores se hacía antes del estreno o su visionado, era cómo se las había ingeniado Boyle para darle buen ritmo a una película que consistía básicamente en un hombre con el brazo apresado por una enorme piedra. Si ya teníamos películas que recaían por completo en la labor de un solo actor, ahora también se limitaba la movilidad del mismo para interactuar con otros elementos a su alrededor.

Diría que a partir de ello hay dos modos de ver la película: bien como una conmovedora y brutal historia de supervivencia con todas las implicaciones morales que conlleva, o como un ejercicio magistral de cómo adaptar circunstancias que podrían ser poco apropiadas para el cine. Es claro que el director se vale de algunas herramientas como flashbacks, secuencias de introducción, tomas de paisajes, y sobre todo la propicia circunstancia del protagonista grabándose a sí mismo durante el proceso, para que tampoco todo se limite a un hombre y su roca, pero no por ello pierde el mérito de hacer que una hora y media no parezca increíblemente larga con un desarrollo tan limitado. 

Sin embargo para mí la película se queda ahí. Además de que no soy particularmente adepta a este tipo de historias de supervivencia con emotivos reflejos del ser humano en situaciones extremas, siento que genuinamente su mayor logro es haber hecho una película entretenida e interesante localizada casi por entero dentro de una franja. James Franco está correcto en su papel, uno se queda con el mensaje que ya todos los programas de supervivencia nos han enseñado de no ir por la vida sin avisar en dónde estaremos al borde de la muerte, y poco más. Sin demeritar en absoluto la labor de Boyle me parece una de las piezas menores de su filmografía y poco más que una producción anecdótica. Y debo confesar que me sorprende que en imdb tenga 7.8 puntos cuando otras de sus películas, como "28 días después" tienen un puntaje inferior. Pero seguro que mi poca afición por las historias de supervivencia (y mi extrema afición por las películas de zombies) juega un papel importante ahí. Nunca lo sabremos.

¿Película de supervivencia favorita?

Read More

"Otoko goroshi onna goroshi: hadaka no zyudan", Kôji Wakamatsu

04/07/12

Después de unos días inciertos, esperamos poder retomar el ritmo habitual de reseñas. Y para ello volvemos una vez más con nuestro querido Wakamatsu, con "Naked bullet".

"Who said I should come back once I'd learned to handle a gun like a man?"

Si bien es cierto que no nos ha llegado la mayor parte de la filmografía de Wakamatsu durante los 60 (probablemente porque en retrospectiva y teniendo los derechos de la misma, él decidiera sólo poner a mantener a disposición comercial lo que más le gustara), "Naked bullet" no deja de parecer un poco atípica entre el conjunto de sus piezas más conocidas de esos años. Quizá podríamos pensar que se encuentra más cerca de las numerosas películas desconocidas que seguramente eran más convencionales para tener un mayor alcance comercial.

Partiendo con una temática yakuza, vemos a un mafioso que intenta fugarse de la banda junto con la amante del jefe (algo que ya habíamos visto en "Violent virgin") y cuyo escape termina bastante mal. Años después planea una venganza contra ese mismo jefe junto con otra pequeña banda que desconoce la implicación total del protagonista con la situación.

Como podrán ver, al menos la estructura general es mucho más convencional y se acerca en muchos momentos al género yakuza desde su planteamiento y sus personajes. Si bien aprovecha el género en algunos puntos para dar rodeos y aprovechar las connotaciones más sexploitation del pinku eiga, en realidad estas digresiones son relativamente sencillas y no parecen tener la intención de llevar la película hacia un tono por completo distinto del que se presenta en principio. Si de por sí Wakamatsu no es un director que suela abusar de la intervención de sus personajes femeninos, en una trama como ésta donde hubieran podido ser el atractivo principal para escapar de las convenciones, se mantienen dentro de sus límites y, como es usual en el director, devuelven constantemente todo la importancia a la figura masculina. Aunque en este caso no termine por profundizarse tampoco demasiado en la misma, o al menos no como solemos ver en otras películas del director. 

Si bien es entretenida, y a todos aquellos a quienes les parezcan demasiado extrañas o crípticas otras películas de su filmografía ésta pueda parecerles particularmente clara, para mí pierde tanto en virtud de compararse con otras propias como también al compararse con películas yakuza en general. 

Uno de sus grandes puntos a favor por mencionar, que no deja de ser muy fugaz, es la aparición breve de Michio Akiyama, quien fuese el protagonista de "Go, go, second time virgin" y cuya filmografía por desgracia es demasiado corta.

¿Película favorita sobre huir con la mujer de otro?

Read More

"Jin líng shí san chai", Yimou Zhang

02/07/12

Ya a estas alturas seguro que todos saben para qué nos sirvió la esperanza, ¿no?

"Sometimes the truth is the last thing we need to hear"

La última película de Yimou Zhang, "The flowers of war", fue elegida para inaugurar el Primer Festival Pirata de Cine Asiático, una maravillosa propuesta organizada por el Lost Highway Blog. Aunque lo cierto es que mi decisión de verla antes que cualquiera de las otras fue casi coincidencia porque no recordaba ya que era la inaugural.

Durante la segunda invasión de Japón a China, la ciudad de Nanking sufrió un particular asedio por parte de las tropas niponas. La película da inicio con diversos grupos de personas tratando de escapar mientras el ejército japonés entra en la ciudad y apenas queda un pequeño escuadrón de soldados chinos para defenderla. Un grupo de pequeñas estudiantes de una iglesia católica se refugian en ella con la única compañía masculino de un chico acólito, hasta que llega John Miller, un sepulturero al que habían contratado para dar entierro al recién fallecido sacerdote. John sólo quería cobrar su trabajo y huir, como todos los demás, pero se encuentra retenido por los chicos y sus súplicas de ayudarlos. Pronto se sumarán también un grupo de prostitutas buscando refugio y conforme la situación en el exterior se va complicando, el grupo tendrá que buscar el modo de sobrevivir a ese infierno.

Tras "A woman, a gun and a noodle shop" debo confesar que me sorprende el giro que ha dado la filmografía de Zhang con esta última película, además de la madurez con la que se enfrente a sus temas de siempre dándoles un nuevo tratamiento. Si vemos esas dos constantes en su cine: la de su primera época, mucho más social y preocupada por el contexto histórico chino, y la más reciente y preciosista ayudada por la invaluable fotografía de Christopher Doyle; nos encontramos con que "The flowers of war" tiene algo de ambas y al mismo tiempo las ha transformado en algo más. La preocupación social abandona la cotidianidad y sus complejidades calmas para sumergirse en un periodo problemático de su historia como es la invasión japonesa. Corriendo de entrada el riesgo de poder abusar de este sentimentalismo de 'lo mucho que sufrimos' (situación en la que se puede encontrar cualquier película de guerra o desastres), consigue retratar de manera cruel y dolorosa pero también solemne y seria la desgracia humana en sus peores facetas. Y, podría sonar extraño, también conservar la belleza efímera de esos momentos. 

Uno de los mayores aciertos de la película es no temer romper con los parámetros rígidos de las películas de guerra y dar rienda a todas las posibilidades de sus personajes. Momentos tiernos, momentos sensuales, momentos burdos, los puntos más altos y los más bajos del instinto humano, conviviendo armónicamente en un momento de total desequilibrio. Desgarrando al espectador tanto con las brutales insinuaciones del dolor que el ser humano es capaz de infringir (aunque jugando de manera efectiva con las imágenes realmente explícitas), pero también con el retrato inocente de emotivos momentos fugaces aún en los peores escenarios.

Creo que una película con una temática tan dura, tan dolorosa de ver por momentos, resulte a la vez tan bella y con una emotividad profunda que nada tiene que ver con las lágrimas fáciles a las que este tipo de cine nos tiene acostumbrados.

Quizá hasta algún día pueda hacer las pases con Christian Bale, actor al que me cuesta siquiera ver en pantalla, y a quien comencé odiando (algo que en realidad es parte de su papel) para luego hasta tomarle algo de estima. Con todo y su terrible barbilla. Pero creo que el principal elemento a destacar de la película es, sin duda, ser la opera prima de la bellísima actriz Ni Ni, a quien con gusto volvería a ver en cualquier cosa que decidiera hacer. 

Quisiera decir que todo esto tiene una profunda analogía con los momentos que estamos viviendo, y de alguna manera creo que la tiene, sólo que justo ahora no sabría decirles cuál es. 

Pero, no olviden visitar al Festival Pirata de Cine Asiático, hay muchas cosas interesantes para ver por allá.

¿Película favorita sobre invasiones bélicas?

Read More

"Tokyo Godfathers", Satoshi Kon

29/06/12

En estos días en que todos necesitamos sentir un poco más de confianza en la humanidad (y en mi país, particularmente), queda más que perfecto regresar sobre una de las maravillas de Satoshi Kon que habla al respecto.

"En el último día del año / cuando las cuentas de una vida / se han saldado"

La complejidad de las primeras tramas del director consistía en hablar de personajes individuales que eran a la vez varios personajes: todas las variantes de Mima en "Perfect blue" o las múltiples transformaciones de Chiyoko en "Millenium actress". Con "Tokyo Godfathers" Satoshi Kon se acerca por primera vez al retrato coral para armar una historia con un entramado más amplio. La primera impresión puede ser engañosa al parecer una 'película navideña' (una variante muy venida a menos desde hace ya varios años), pero encargándose de ello un director de tal magnitud, no nos atrevemos ni a sospechar un poco.

Gin, Hana y Miyuki son tres individuos muy distintos que por azares del destino han terminado viviendo juntos en la calle. Gin es prácticamente un vagabundo alcohólico que se ha apartado voluntariamente de la gente, Hana es una transexual que huye de su pasado y Miyuki es una adolescente que se escapó de su casa. Podría parecer que no llevan la mejor relación entre ellos pero son también lo único que les queda y esa noche es navidad. Una navidad que va a tomar un giro extraordinario cuando rebuscando en la basura se encuentren con un recién nacido abandonado y decidan emprender una odisea para encontrar a su familia. 

La película es tan rica en significados que uno puede detenerse en un gran número de detalles para tratar de explicarla. Yo me detendré en el que particularmente me atrapó de manera especial y es la idea de las oportunidades. Todos los personajes que se van apareciendo en la trama mantienen una especie de dicotomía entre la pérdida de oportunidades y el deseo de tener una más. Esto puede referirse tanto a la familia, las parejas, las oportunidades, el deseo de integrarse. La primera faceta de desesperanza parece acentuada por una nochebuena helada que debe vivirse fragmentariamente y en la calle, cuando de pronto el bebé abandonado aparece como la única posibilidad de redención para todos ellos: si bien es posible que en sus vidas no tengan una nueva oportunidad, pueden encontrar esa paz por medio de permitirle al bebé tener la suya. Tarea que no será nada fácil y que los hará encontrarse con aspectos de sí mismos que habían tratado de dejar atrás al convencerse de que ya no estaban esperando nada. 

Pero es imposible no esperar nada.

Si la trama de "Tokyo Godfathers" no extrañaría tampoco de encontrarla en una típica película navideña, es claro que la orquesta emocional que consigue el director a través de sus personajes y su desenvolvimiento a lo largo de la trama consigue una cinta altamente emotiva pero que al mismo tiempo se aleja de clichés fáciles y resoluciones cursis. La metamorfosis por la que atraviesan los personajes no es sencilla, el encuentro con uno mismo es doloroso y la oportunidad que se busca puede no ser exactamente lo esperado. Es una película increíblemente humana, emotiva, divertida, emocionante y bella. Si no es raro que Satoshi Kon consiga movernos de manera tan natural como poderosa hacia ciertos sentimientos, nos encontramos aquí con su ejemplo más fraternal y esperanzador, sin por eso alejarse de los valores técnicos, artísticos y la complejidad psicológica que lo caracteriza. 

Como siempre, no puedo comparar entre su filmografía porque creo que he llegado a un punto en que cualquiera de las películas de Satoshi Kon me parecen lo mejor de Satoshi Kon. Es sencillamente maravillosa.

Pienso en ella y me vuelvo a emocionar un poquito, uy. Hay momentos en que nos decimos que no esperamos nada cuando en realidad estamos esperando un milagro.

¿Película 'navideña' (en su acepción más amplia) favorita?

Read More

"Dan Oniroku nawa to hada", Shôgorô Nishimura

28/06/12

Y, para no variar demasiado, más cosas asiáticas de los setenta. Más Roman Porno, más Dan Oniroku y más Naomi Tani.

"God has damned me to be a gambler instead of a wife"

Si bien los años setenta en Japón tuvieron mucho más presupuesto, valores de producción, subgéneros de exploitation y mucho colores y otras cosas, lo cierto es que no se necesita demasiado tiempo para sentir que no eran, ni de cerca, tan arriesgados como la década anterior. Si bien hay grandes exponentes y varias películas que valen mucho la pena dentro de sus intenciones, también hay muchas otras que aunque se conserven y comenten hasta nuestros días, no parecen diferenciarse demasiado entre sí. Esa sensación me queda de manera particular con las películas basadas en textos de Dan Oniroku.

Es cierto que Edogawa Rampo, otro de los escritores de los que hablo recurrentemente, tampoco es que varíe dramáticamente sus tramas, me parece que ha conseguido un universo mucho más complejo y rico en elementos aunque estos se repitan a veces de historia en historia. Con Oniroku no me sucede eso y no sé si se deba al hecho de inscribirme en un subgénero literario tan restringido como la literatura sadomasoquista. La ecuación suele ser 'mujer aparentemente sólida que cae en desgracia, sufre toda clase de vejaciones pero termina por salir victoriosa a la vez que aprendiendo algo sobre su propia sexualidad'. Que en general es algo así como el gran motivo de la década.

Naomi Tani, la diosa del sadomasoquismo en Japón, es Okoma, una mujer que se dedica al submundo de las apuestas y es la mejor en lo que hace. Tras años de encontrarse involucrada en la yakuza se encuentra con un hombre dispuesto a casarse con ella aún conociendo su historia y está a punto de dejar atrás esa vida. Pero en su última noche dirigiendo las partidas hace enfadar al apostador equivocado y a las horas su futuro esposo muere en sus brazos para luego ella ser secuestrada. Y aquí comienza la parte de 'sufre toda clase de vejaciones', se imaginarán.

Para variar un poco, Okoma no es el papel más típico de Tani, quien se especializa en amas de casa y esposas aparentemente purísimas. Okoma es una mujer fuerte, segura, aunque conserve todavía una apariencia dulce en contraste con el mundo por el que se mueve (y que queda evidenciado de manera clara en sus tatuajes yakuza). Pero después de ello la película tiene más que agregar después de sus particularidades para desarrollar la historia y llevarla hacia el final esperado. Torturas más, torturas menos.

El que la reseña sea tan simple es engañoso, ya que el principal problema es el comentado 'todas estas películas se parecen un poco'. Es difícil hablar de una película de esta línea particular por encima de otras más allá de sus detalles muy específicos. Si bien para mí resultó un poco repetitiva tras haber visto varias antes, creo que sí sería de las que destacaría entre la producción, no precisamente porque me encante sino porque creo que consigue ejemplificar bien el sub-sub género que involucra mujeres yakuza. Aunque de Naomi Tani creo que me sigo quedando con "Wife to be sacrificed", que de hecho es de mis Roman Porno favoritas, aunque a veces me pregunto sino será justamente porque fue de las primeras que vi del género. Quizá nunca lo sepamos.

¿Película favorita de un personaje que quiere salirse de alguna mafia y no se lo permiten?

Read More