"Lost highway", David Lynch

Y sin demasiada emoción continuamos con el pequeño maratón de David Lynch y su "Carretera perdida" (que me acabo de enterar que en México fue titulada como "Por el lado oscuro del camino", cómo no).

"I like to remember things my own way" 

Cuando la gente habla de 'lo lyncheano' (en Lynch o en lo que sea) nunca estoy segura de a qué película están haciendo realmente referencia. Creo que me cuesta ver el universo de Lynch como algo sólido y entonces paso de la genuina emoción al ver "Eraserhead" a encontrarme con "Lost highway" y de nuevo no saber cómo sentirme.

A Fred Madison le suceden cosas lo suficientemente extrañas en su vida. Le dicen por el intercomunicador de su casa que Dick Laurent está muerto pero afuera no hay nadie, recibe cintas de video en la puerta de su casa que lo muestran durmiendo a él y su esposa, se encuentra con personas en fiestas que le dicen que están justo en ese momento en su propio hogar. Esta idea de lo irreal y lo bizarro es lo que construye la serie de correspondencias o ciclos de "Lost highway". El caso de un hombre al que culpan de un crimen que quizás no cometió o el caso de dos hombres cuyas realidades son paralelas e intercambiables. Supongo que si uno está viendo una película de Lynch no debería esperar que tenga mucho sentido.

Varios elementos de la película me gustaron mucho por sí mismos. Casi toda la primera parte de la película, la que implica a Fred algo desconcertado por los sucesos irregulares a su alrededor. Sobre todo eso de las cintas de video que dejan a su puerta, algo que siempre voy a relacionar con "Caché" de Haneke (aunque sea posterior, lo siento, Lynch) y que me parece una idea tan sencilla como escalofriante. La serie de correspondencias y paralelismos que van marcando ciclos y que hacen que incluso lo que parece no tener sentido cobre su lugar en la estructura general de la película. Y varios momentos y personajes muy bien posicionados. ¿Se te aparece un hombre demasiado maquillado, con una sonrisa inquietante, en medio de una fiesta y te dice que está en tu casa? Terrible presagio.

Por todo ello uno podría pensar que la película me gustó. Y supongo que lo hizo en cierto sentido. Un cierto sentido teórico. Pero mi problema general con Lynch es que no termino de conectar con él. No termino de entrar a un mundo que siento que por momentos se esfuerza demasiado en ser muy inquietante y raro y que no siempre lo logra. No sé si es que me lo imagino realmente esforzándose demasiado por construir esta imagen de Lynch o que sencillamente no conecto y ya. Si bien capto ciertos detalles y pienso que son interesantes o están bien logrados, ellos solos no consiguen que la película en general me atrape. Y si encima se pasa un poco de las dos horas, no tardaré demasiado en preguntarme qué estoy haciendo viéndola. 

Oh, no lo sé.

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"Eraserhead", David Lynch

Quizás ya sepan que no soy muy fan de David Lynch, y la verdad tampoco me veía intentando hacer las paces con él pronto pero me tocó al azar para mis pequeños maratones de directores clásicos. Y yo soy una mujer de palabra, o algo así. Y lo cierto es que empezar con "Eraserhead" tampoco me parecía demasiado mal, que ya la tenía pendiente desde hace mucho tiempo.

"I don't know much of anything"

Eso de que las películas necesiten sinopsis puede ser contraproducente para algunas de ellas. ¿Qué se puede decir como introducción a "Cabeza borradora"? Sin duda uno puede articular una suerte de trama donde un hombre vive frustrado con su vida, en un ambiente opresor, con una esposa con la que se casó al dejarla embarazada y una criatura monstruosa por hijo. Un drama cotidiano, vamos. Aunque esta estructura general nos permite aferrarnos a algo durante el metraje de la película, la verdadera historia se conforma de imágenes inconexas, de una perpetua sensación de pesadilla, de sonidos y sensaciones que afloran y desaparecen sin conectar por completo. Esa continuidad errática es "Eraserhead", la irracional manifestación visual del miedo. 

Y como tarjeta de rorschach uno puede ver muchas cosas en "Eraserhead", es claro que era parte de la intención del proyecto y es quizás la única ocasión en que he sentido genuinamente eso que muchos refieren como el componente lyncheano. Un sincero descenso en el oscuro mundo del sueño. Poblado de imágenes muy freudianas que remiten a ese miedo medieval ante la maternidad. De un modo en que no creo ninguna otra película lo haya tocado. El delicado equilibrio que sostiene las relaciones humanas, y la posibilidad del horror que se esconde también en ellas. 

Les adelantaré el resto del mini maratón y les diré que no es que Lynch y yo vayamos a hacer las paces pronto. Quizás nunca seamos amigos. Pero al menos una vez, ésta sola vez, hubo algo especial entre nosotros. (una cabeza borradora).

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"Pastorela", Emilio Portes

Nos agarró esta reseña en plenas Fiestas de Muertos pero ya con miras hacia Navidad. Y así aprovechamos también para hablar un poco de esa nueva comedia negra mexicana que sí que me da risa y que lamento que no sea mucho más común en cines, aunque no deja de tener excelentes manifestaciones (muchas de las cuales involucran a Joaquín Cosio, curiosamente, aquí más protagonista que nunca).

"Tú a mí no vas a venir a decirme cómo es el Diablo"

La pastorela es una de esas tradiciones navideñas que uno puede ignorar un poco pero que otras personas se toman demasiado en serio. Yo misma no estaba muy convencida de que fuese material para una comedia negra pero con Joaquín Cosio no suelen salir mal las cosas y menos mal que hice caso a esta recomendación porque es de las no tan comunes películas mexicanas que da gusto ver.

Una pequeña comunidad organiza su pastorela todos los años, y todos los años Jesús Juarez, Chucho, es el Diablo. Un excelente Diablo. Pero las cosas cambian ese año con el cambio de sacerdote y en un complot de intereses se organizan para dejar a Chucho afuera, justo cuando se inscriben a un concurso de pastorelas que además tendrá un premio especial para el mejor Diablo. Chucho no es de los que se toman muy bien el que les digan que no y será capaz de mover a la ciudad entera con tal de demostrar que él nació para ese papel.

Aprovechando los usuales temas navideños, la película se carga sobre la hipocresía, la corrupción y los intereses ocultos en cualquier evento para orquestar una trama delirantemente graciosa. Desde un protagónico que poco tarda en demostrar que sin duda es el Diablo perfecto hasta un sacerdote que no tiene disimulo en pelearse con sus feligreses cuando está harto de la situación. A eso le añadimos persecuciones policíacas, aparatos hiperbólicos a lo James Bond, un montón de gente disfrazada de personajes religiosos y la enorme habilidad del mexicano para burlarse de todo lo sagrado. "Pastorela" pasa por comedia ligera, comedia tonta, comedia negra y disimulada crítica a ciertas contradicciones propias de nuestra religiosidad. Si a veces este exceso de elementos termina por salirse de control en un par de bromitas que quizás son innecesarias, el resultado general es por demás tan surreal como fácil de identificar que como comedia es una maravilla. 

Como suele suceder con esta clase de productos, la relación con el público puede llegar a ser un poco extraña. Uno podría decir que una vez más el exceso de mexicanidad hace que espectadores ajenos puedan no entender demasiado lo que está sucediendo, pero luego también es cierto que no todo el público mexicano acepta de buena gana la comedia negra, sobre todo si se cuelga de un tema tan delicado como la religión. Y también es cierto que el exotismo luego consigue venderse fuera de nuestras fronteras. Para mí funciona dentro de ese grupo de 'nuevas comedias mexicanas' como "Matando Cabos" o "Salvando al Soldado Pérez", aunque me termina pareciendo un poco más ligera y menos negra, aunque quizás no todos lo vean así teniendo a un grupo de ángeles, diablos y vírgenes Marías emborrachándose. 

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"Tokyo Fist", Shinya Tsukamoto

Poco a poco vamos continuando con la filmografía de Shinya Tsukamoto. Aunque justo hoy no parezca la mejor selección para Halloween o Fechas de Muertos, pero yo no puedo resistirme a la violencia fortuita, ya todos los sabemos. 

"Pero el rostro que tiene ahora es el mismo de antes, cuando buscábamos a esos cerdos. El rostro de un monstruo"

Tomando en cuenta que la película va sobre boxeo, debí estar mucho más interesada en ella, pero por alguna razón ya tenía la sensación de que no destacaba demasiado entre su más que interesante carrera. La historia, uno no tarda demasiado en darse cuenta, gira sobre los intereses usuales del director y ensaya sobre algunas cuestiones que ya ha tratado o que tratará en más detalle en ocasiones posteriores, añadiéndole el componente deportivo casi como excusa para cambiar un poco la ambientación usual.

Tsuda es un ejecutivo cuya vida gris le parece más insoportable cada día, atrapado en una normalidad agobiante y limitada. Un día termina llevando un encargo a un gimnasio y se encuentra con Tajuki, quien fuera un amigo de su infancia y quien ahora se dedica de lleno al boxeo. Este encuentro entre antiguos amigos despertará los instintos y sentimientos más básicos en cada uno de ellos, cada cual deseando algo de la vida del otro. Deseo que sólo podrá expresarse a través de la violencia propia del boxeo, la cual terminará atrapando también a la pareja de Tsuda, Hizuru, quien también llegará a manifestar sus propios deseos y frustración a través de esta pulsión primaria. 

Estéticamente, "Tokyo fist" parece una continuación de la ambientación de "Tetsuo II", e incluso la sensación que envuelve a los personajes y la trama evoca en muchos momentos el drama particular de los personajes de "Tetsuo". Hombres atrapados en una vida gris que chocan con una especie de humano-monstruo cuya monstruosidad tiene algo de libertad, y el deseo por alcanzar algo de esa libertad termina trastocando su mundo y el de los que lo rodean. El único cambio es que ya no son necesarios los monstruos tangibles, los hombres-máquina fantásticos, porque la violencia bien puede encerrarse en un personaje real, en un hombre que ha configurado su mundo practicando box en oscuros gimnasios. 

Y quizá porque incluso el rol femenino de Hizuru me recuerda un poco a lo que luego mostraría el director con "Snake of june" y "Kotoko", es que la película termina por parecerme más una suerte de ensayo que una pieza clave en su filmografía. 

De hecho muchos señalan que parte de la relevancia de la película tiene más que ver con su carácter un poco autobiográfico, siendo una especie de reencuentro entre dos hermanos cuyas vidas los habían alejado por muchos años. La situación de Tsuda y Tajuki es un poco la de Shinya y Koji, sus actores, hermanos que algunas vez soñaron juntos con hacer películas y que terminaron encontrándose años después sólo en reuniones familiares. Koji Tsukamoto era un chef al que no le iba muy mal y que practicaba el boxeo para desahogarse cuando Shinya sugirió trabajar juntos en una película con una historia así. Después de esta primera experiencia Koji empezaría una interesante carrera que incluye no sólo producciones de su hermano sino de otros directores como Takashi Miike y Yojiro Takita.

Teniendo tanta obra maestra en su haber, no hay prisa por ver justo esta película de Shinya Tsukamoto.

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"Ayakashi", Tetsuo Imazawa & Hidehiko Kadota & Kenji Nakamura

Parece que hace una vida que no me aparezco por aquí. Días pesados. Pero estamos de vueltaaa. Y con una serie, animada, para variarle un poco.

"Vamos a visitar juntos el infierno"

Me topé con "Ayakashi" (a la que a veces se le anexa el subtítulo "Japanese classic horror") por casualidad y supe que era todo lo que quería en una serie: pocos capítulos, tramas paranormales, animación japonesa. No hay más que hablar. 

Sus 11 capítulos se dividen para dar forma a tres historias distintas, con diferentes directores y estilos de animación que, a su modo, retoman trazos de ilustración clásica del país, lo que da un toque todavía más particular a la revisitación de leyendas clásicas japonesas. 

La primera es "Yotsuya Kaidan" (del capítulo 1 a 4), cuento del que ya hemos hablado en otra de sus adaptaciones clásicas. Es una célebre historia retomada por un autor Kabuki (cuyo estilo se corresponde con los trazos de los capítulos) que trata sobre un ambicioso y violento ronin cuyos actos van desencadenando una serie de funestos eventos. 

Seguimos con "Tenshu Monogatari" (del capítulo 5 a 8), que trata sobre una suerte de historia de amor entre un humano y la princesa de los Dioses Olvidados. Con un estilo un poco más típico animesco y la que más aprovecha los elementos fantásticos.

Finalmente, "Bake Neko" (del capítulo 9 al 11), contada desde la perspectiva de un farmacéutico ambulante que llega a una casa maldita para encontrarse con que es el espíritu de un monstruo-gato quien causa las desgracias familiares. Su estilo es una suerte de ilustración clásica estilizada con detalles que parecieran trazos de pincel. 

Con capítulos cortos que no alcanzan a llegar a los 30 minutos y un atractivo entre la tradición y lo paranormal, "Ayakashi" es una serie que no sólo tiene una producción increíble sino que además resulta de lo más interesante y amena. Como puede suceder con casos así, alguna de las historias destaca por encima de las otras (el tramo final con el Bake Neko es fantástico) pero manteniendo en general un muy buen nivel tanto en el ritmo narrativo como en su estilo visual. 

De hecho es una idea tan aparentemente sencilla y que funciona tan bien (haciendo especial énfasis en el cuidado estético) que me sorprende que no la hayan aprovechado más para continuar con más leyendas clásicas. Sin ir más lejos, la del Ayakashi, criatura mitológica marina japonesa. 

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"Gwai Tam", Sai-Keung Fong

Una serie de eventos más bien afortunados interrumpieron MI Festival de Sitges al parecer de manera indefinida. De modo que retomaremos las reseñas regulares y quizá en algún momento nos toque hablar de las demás películas que vi al respecto. Dentro de mucho tiempo, probablemente. 

Así que: Hong Kong, ¿falsos documentales?, terror. Todo lo que un domingo necesita.

"Se cree que si la persona que murió recibe el aliento de una persona viva en menos de 49 días, se llama al espíritu y vuelve del infierno"

Un grupo de investigadores paranormales recorren Asia en busca de nuevas y extrañas emociones. Tras una breve introducción en las zonas afectadas por el tsunami que asoló Indonesia, nos trasladamos a Tailandia, a que empiece la verdadera función. Y todos saben que yo no soy muy fan del terror tailandés pero el ir de la mano de unos hongkoneses quizá me daba un poco más de seguridad.

Al parecer la película parte de un programa de televisión en Hong Kong con el mismo formato. Una estructura más o menos usual en los programas de televisión, sobre todo los que tienen componentes paranormales, en que van en busca de experiencias distintas, las presentan un poco a modo de reportaje y luego le añaden su toque especial. Nosotros no contamos con el contexto respecto al programa o los personajes, pero suponemos que una vez agotada la familiaridad de su país natal lo lógico era lanzarse a otro para su gran aventura cinematográfica. Y Tailandia no sabe qué hacer con su cine pero como cultura tiene sus apropiados rincones oscuros.

"The Unbelievable" puede tomarse de tres modos. Para nosotros, occidentales, es posible verlo como si todo formara parte de la estructura de falso documental, con un programa ficticio utilizado en favor de retratos esotéricos de otra cultura. Como 'especial' de un programa real, podemos sospechar los recursos de la ficción acomodando convenientemente las supuestas experiencias, o también podemos creernos que gran parte de lo que muestran es real. Después de todo, cosas más raras se han visto. No estamos hablando de un intento descarado de convencernos que hay espíritus y tirar cosas a la mínima provocación. Lo paranormal comienza con lo tradicional y es hacia esas raíces hacia las que nos acercamos.

A través de fragmentos un poco rudimentarios, como si no hubieran tenido tiempo de editarlos del todo, nos sumergimos en las tradiciones esotéricas propias de Tailandia desde distintas perspectivas. Vamos desde las historias repetidas de casas malditas (que no pueden faltar en ningún país) hacia sesiones de espiritismo, chamanes particulares, hasta talismanes de lo más inesperados (como momias de nonatos) (que de hecho a los meses de ver esta película leí un artículo sobre que la policía en Tailandia había interceptado un intercambio, creyendo que era de droga, para encontrarse con maletas llenas de cadáveres momificados de bebés). Están las presentaciones a modo de reportaje y luego hay el deseo absurdo de experimentación al más propio estilo 'juguemos ouija en el cementerio maldito'. Que consigue un efecto mucho más contundente que los usuales programas del estilo gracias a lo que yo considero es pietaje real. No de espíritus manifestándose, claro, pero sí de rituales íntimos o tradiciones extravagantes y un poco agresivas, que el equipo tuvo el acierto de grabar. 

Si sus momentos de terror no consiguen ser demasiado terroríficos (porque fieles a la verosimilitud televisiva, si es que eso existe, no se arriesgan con experiencias muy radicales) lo compensa con creces con el interesante retrato de la subcultura espiritista de un país. Con algunos momentos incluso muy bien logrados. 

Sería fantástico poder ver el programa de televisión original.

¿Algún programa (real o ficticio) paranormal que les guste?

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"Only God forgives", Nicolas Winding Refn

Yo no fui de los que aclamaron exhaustivamente "Drive", aunque poco se necesita agregar a lo buena película que es. Pero ya había caído en el encanto de Nicolas Winding Refn (y su nombre de conde europeo) con "Bronson". Y al parecer "Only God forgives" (con un título que al parecer va a entrar en mi top de títulos favoritos) sólo venía a confirmar mis sentimientos.

"Time to meet the devil"

Al parecer muchos de los que cayeron ante el encanto de "Drive" no esperaban que continuara (y con Ryan Gosling de por medio, se enfatiza el asunto de 'continuación') con "Only God forgives". Es sin duda una cinta mucho más complicada, arriesgada y con tintes experimentales. Hay que recordar que "Drive" no era un guión del director, como sí lo es este proyecto. Una cuasi tragedia griega que nos lleva hasta Tailandia.

Julian es dueño de un gimnasio de muay thai, una fachada apropiada para su negocio de drogas y otras ilegalidades que lleva junto con su hermano Billy. Billy es un hombre un poco perturbado y al parecer el poder que han conseguido los hermanos en el país no hace sino descontrolarlo más, y a poco de iniciar la película encuentra un fin trágico cuando, después de asesinar brutalmente a una prostituta menor de edad, es a su vez asesinado por el padre de la misma (bajo la benévola mirada de Chang, un policía). Como si la cosa necesitara complicarse más Crystal, la madre de ambos, llega al país para exigir las cabezas de aquellos involucrados en la muerte de su primogénito. 

El título alude de algún modo a la ley del talión. A la búsqueda desesperada de venganza y el ciclo infinito que esta violencia inaugura. La ubicación en Tailandia no podría ser más apropiada y las relaciones entre los personajes se complica en virtud de una implícita jerarquía de poder: extranjeros que se aprovechan de los negocios ilegales de un país en vías de desarrollo, la corrupción y la impunidad que permiten esos negocios pero que también son capaces de contratacar a traición, la vanalización de la vida humana cuando ésta se interpone en la necesidad de venganza. En el supuesto derecho a la venganza. 

Y todo esto puede sonar a thriller garantizado pero la trama juega en un nivel mucho más elemental de lo que uno podría esperar en una película con esta premisa. Lo importante no es ya quién asesina a quién, quién busca o encuentra a quién, quién gana. Es la necesidad, la desesperación, y una búsqueda mucho más profunda la que guía una serie de escenas que oscilan muchas veces entre la violencia fortuita y el surrealismo. Es una película muy instintiva, casi primitiva, en tanto los personajes como las imágenes son guiadas por instintos básicos, por emociones profundas e inconscientes. Los juegos de luces, los diálogos y silencios reveladores, la incoherencia que a veces parece regir las acciones, revelan una perpetua lucha eterna en el interior de personajes incapaces de externarla. Es esa la verdadera desesperación, la verdadera necesidad, la verdadera búsqueda. Es la incapacidad de alcanzarla, concretarla, alcanzarla, lo que define los sucesos. 

Con una crítica y recepción mucho más negativa que su anterior cinta, para muchos es un ejercicio extraño y en muchas ocasiones inentendible. Para mí es una reinvención fantástica de la tragedia clásica y de las mejores películas del año. Excelente. 

¿Película de Ryan Gosling favorita?

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"Namyeong-dong 1985", Ji-yeong Jeong

Cuarto día de MI Festival de Sitges y vamos de nuevo a la carga con Asia. Ahora con Corea del Sur y sus históricas intrigas políticas (la cual fue algo así como la temática de ayer).

"Gentlemen, it's your patriotism that is basically sustaining the country"

Ya en algún otra ocasión he comentado, a razón de alguna película, el periodo oscuro por el que atravesó Corea del Sur antes de llegar al esplendor económico y social que la caracteriza en nuestros días. Aunque salieron relativamente bien parados de la guerra con sus compatriotas del norte, el gobierno que quedó instaurado (por influencia de Estados Unidos) fue una violenta y represiva dictadura. Ahí partimos en "National security", título de la película y nombre de la ley que existía en aquel entonces y que permitía detener a cualquier persona sospechosa de atentar contra la integridad nacional.

Kim Jong Tae es un padre de familia quien fuese líder de un movimiento por la democracia durante muchos años antes de retirarse. Desde entonces es seguido y acosado por las autoridades quienes no dudan de asociarlo con cualquier situación adversa que se presente. Lo que parece ser otra de tantas visitas de rutina de la policía termina con su confinamiento en Namyeong-Dong, conocido centro de detención para criminales políticos y eje oscuro de la dictadura en turno. Durante 22 eternos días Kim Jong Tae fue sometido de manera sistemática a torturas, interrogaciones y toda clase de abusos con tal de obtener de él lo que se pretendía. La ilusión del gran complot. La película hace un recuento bastante detallado de esos días y sus procedimientos.

Uno podría decirse que ya hemos visto gran parte del aspecto malvado de la humanidad y su infinita capacidad de expresarse en cuerpos ajenos. Las largas secuencias de tortura no están para sorprender a nadie, ni siquiera parecen esmerarse de manera exhaustiva en ser explícitas o crueles, pese a que dejan bastante en claro y desde el principio las inhumanas condiciones por las que atravesaban los presos políticos de la época. Si bien es una pena que sean las secuencias más largas y ocupen la mayor parte del metraje (como si fuera necesario recordarnos en todo momento hasta dónde pueden llegar esos abismos), dejando un poco de lado los aspectos más interesantes relacionados con esta ley de 'seguridad nacional': el poco interés en la verdad, la necesidad de arrastrar más y más culpables, la construcción del discurso oficial sobre el que se sustentaba la dictadura y que necesitaba señalar a comunistas, norcoreanos y todos los demás enemigos del pueblo. El escenario se completa con una serie de personajes de distintos rangos, desde el jefe de sección hasta el torturador oficial, complementándose con los oficiales menores que sólo se encargan del trabajo sucio. A veces pareciera que no resultan tan agresivas las escenas de golpes y suplicios como los momentos en que la *tregua* se construye sobre mentiras que son más que evidentes para todos los presentes. Un círculo de violencia y agresión sin sentido destinado a construir absurdos. La base de cuántas dictaduras.

Una película muy dura en su justa medida, dentro de espacios limitados y con la excelente actuación de Won-sang Park como protagónico indiscutible. Aunque con algunos elementos de más (siempre me han desesperado las ilusiones-flashback en cautiverio, por contrastar con el resto de la atmósfera, aunque me imagino que son situaciones reales de lo más comunes) y que por desgracia no aprovecha algunos puntos que podrían ser bastante interesantes, como lo que sucede después (con el país y con los involucrados) y que se resume en una escena final que podría haber sido un golpe mucho más contundente.




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"The World's End", Edgar Wright

Por una de esas maravillosas alineaciones cósmicas, "The World's End" se estrenó en salas nacionales el pasado viernes, coincidiendo de manera exacta con MI Festival de Sitges y dándome el gusto de al menos poder disfrutar de una de tantas películas en pantalla grande. Gracias, Edgar Wright, tú siempre puedes alegrar mi día.

"How can you tell if you're drunk if you're never sober?"

Saben ya que amo a Edgar Wright y su Trilogía de Sangre y Helado, ¿no? ¿Es que puede haber alguien que no ame a Edgar Wright? (De hecho creo que los que se sentaron justo detrás de mí en el cine dirían que sí que se puede).

Cada sabor de helado cornetto correspondiente a cada película revela algo sobre su naturaleza. A "The World's End" le toca el helado de menta. Verde. Extraterrestres. Ciencia ficción. La película inicia como una problemática oda a la adolescencia y los tiempos perdidos, con un hombre cuya vida se quedó detenida en su último año escolar y el intento de hazaña de su grupo de amigos de beber una cerveza en cada uno de los 12 bares del pueblo. Nunca fue tan feliz como esa noche. Varios años después, fracasado e inconforme con su vida, se decide a reunir a la banda y tratar de recuperar esos años perdidos repitiendo la alcohólica odisea. Pero ellos ya no son los mismos. Y muchas cosas en el pueblo ya no son las mismas. 

Una vez más, Wright consigue que una trama de amistad, amor y/o lealtad sea configurada a través de un complejo complot de catastróficos géneros clásicos. En este caso una serie de guiños a cintas clásicas de ciencia ficción, destacando "La invasión de los ladrones de cuerpos", que es un gran clásico para revisitar. Lo que ya es una gran puesta en escena en la que nos topamos con Gary King (Simon Pegg rockeando su personaje, como siempre), un hombre mayor perpetuamente atrapado en el pasado, y el choque constante que se da con sus antiguos mejores amigos que han podido seguir sus vidas: Andy (la otra mitad del dúo fantástico, Nick Frost), Oliver (mi amado Martin Freeman), Steven (Paddy Considine) y Peter (un adorable Eddie Marsan); no puede sino mejorar cuando al clímax emocional de esta reunión de generación empiezan a agregarse los elementos robóticos-alienígenas. Y viene el festín. 

No es que vaya a ser la mejor de la trilogía pero es difícil quitarle su corona a "Shaun of the dead" (una de las pocas películas cuya traducción al español me parece maravillosa: "El desesperar de los muertos"), pero es una garantía de calidad, diversión y pasar unas fantásticas horas en el cine. Wright, como siempre, consigue llevar la comedia a otro nivel.

¿Película favorita de la Trilogía de Sangre y Helado? 

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"Du zhan", Johnnie To

Segundo día de MI Festival de Sitges y era claro que no íbamos a pasar por alto las novedades asiáticas, ¿no? Entre los directores consentidos del festival, y que este año tienen buena presencia, estaba el fantástico Johnnie To que estrena dos películas. Una de ellas su primera producción de acción en China Continental. Difícil resistirse. 

"I'm a cop, you a drug trafficker. I didn't betray you; I busted you"

Tras una redada en la que capturaron a varios pequeños traficantes que llevaban droga encima (por no decir adentro), el capitán Zhang se topa casi por casualidad con un hombre que había provocado un aparatoso accidente de tráfico, descubriendo rápidamente que llevaba una alta cantidad de droga encima. Timmy Choi es un productor masivo de drogas y la pena que se le viene encima no es muy esperanzadora: los crímenes relacionados con tráfico de droga son pena de muerte segura en China. Timmy accede a introducirlos en su red de contactos como agentes encubiertos a cambio de evitar una muerte segura. A partir de ese momento las cosas comenzarán a complicarse de formas inesperadas.

Si bien uno puede decir (como muchas críticas han enfatizado) que Johnnie To no está descubriendo el hilo negro de las películas de detectives, de tráfico de drogas, de agentes encubiertos; también es cierto que las posibilidades que localizar la trama en China Continental le dan a la historia sirvieron para que renovara un poco su usual perspectiva del cine de acción. Una red de acciones y localizaciones mucho más amplia, dándole una nueva dimensión especial. Un ritmo distinto que prima en muchos momentos a la estrategia por encima de la acción pura. Y una serie de detalles que variaría la aproximación a la estructura clásica de lealtades y traiciones entre policías y criminales. Apenas esos ligeros cambios le dan un empuje monumental a la película que no necesita mucho para configurarse como un nuevo clásico de un director que ya tiene algunos cuantos clásicos en su haber. Una maravilla.

Zhang y Choi son dos personajes excelentemente configurados que se contemplan de manera fantástica sin repetir las fórmulas usuales de amigos/enemigos del cine hongkonés. Zhang es un capitán de policía enorme, con una capacidad histriónica increíble y que no teme llegar hasta las últimas consecuencias para hacer su trabajo. Había visto ya a Honglei Sun en otras excelentes películas (como "El camino a casa" o "Mongol") pero nunca conquistando de esa manera una película. Gran parte de la fuerza en pantalla partía de su poderoso temple y presencia. En el extremo contrario está Timmy Choi, un individuo débil, cuya honestidad y cooperación parecen siempre producto de su incapacidad de grandes acciones. Pero incluso con esta 'debilidad' es capaz de hacer que la historia tome su rumbo, se ajuste a sus movimientos, y el modo en que va mostrando sus verdaderos rostros conforme se despliega la trama lo hace un antagónico maravilloso. 

Y aunque al inicio pueda parecer que no habrá tanta acción y violencia gratuita como nos tienen acostumbrados este tipo de historias, hay que esperar por el explosivo tramo final. Increíble. 

Seguro que parece que yo siempre tengo más que palabras amables para Johnnie To, pero hay que admirar su inmensa capacidad para seguir cautivando y sorprendiendo tras tantas películas. Es sin duda todo un maestro en su arte. Y eso que todavía no les he hablado de "Blind detective", pero esa casi que irá al orden habitual de mi lista de espera.

¿Película favorita sobre tráfico de drogas? (No, no se vale decir "Breaking Bad")

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