"L'image manquante", Rithy Panh

Yo creía que, como suele sucederme, este año también alcanzaría apenas a ver la mitad de las nominadas en la categoría de Mejor Película Extranjera en los Óscares. Sino fuera porque el Festival de Cine Documental, Ambulante, trajo a salas nacionales la nominada camboyana, "La imagen ausente". Primera película en llegar tan lejos representando a este país y además la curiosa intromisión de un documental en esta categoría.

"Busco aferrarme a mi infancia como una imagen ausente"

¿Qué sucede cuando queremos mostrar algo y no tenemos ningún modo para hacerlo? Cuando necesitamos mostrar algo y no tenemos imágenes que lo completen. La premisa de esa "La imagen ausente" es conmovedora y desoladora. El director y guionista Rithy Panh vivió durante su infancia las atrocidades cometidas en Camboya por los Jemeres Rojos, régimen comunista que ejecutó el genocidio camboyano en el que murió casi la tercera parte de la población del país. Esa es su historia. Los recuerdos felices son tempranamente interrumpidos por el traslado de toda su familia a los 'campos de trabajo' de los Jemeres. Nada más queda. Muchos años después Rithy Panh no tiene fotos de lo que fue su vida antes, no tiene pruebas de lo que fue su vida entonces, no quedan registros en Camboya de lo que sucedió durante el régimen más allá de algunas grabaciones de propaganda maquillando la desoladora realidad. 

Esa es la imagen ausente.

Para re-hacer ese momento histórico desde los datos concretos hasta las emociones personales, "La imagen ausente" no se vale de la ficción sino que busca construir esa imagen con otros medios. A lo largo de la película veremos como se esculpen, se ordenan, se recrean maquetas desde la escena aislada hasta el enorme campo. Recreando cada uno de los recuerdos del director con pequeñas figurillas de barro. Desde la infancia feliz hasta la pérdida de toda esperanza, desde las lecciones de política hasta los deseos de evasión. Las más dolorosas y duras de las referencias, explicadas por los comentarios en voz en off, pierden su brutalidad inmediata para conservar sólo el horror más puro, el que puede seguirse transmitiendo aunque no lo estemos presenciando directamente. Aunque sólo lo estemos proyectando en pequeñas figuras de barro. "En ese entonces no lo entendía, pero mi padre no nos abandonó. Mi padre nos enseñó lo que era la libertad" dice la voz y la figura de un solo hombre-figura imposiblemente vestido con un traje blanco en medio del campo de concentración es toda la poesía de los recuerdos y todo el golpe de la realidad de un oscuro momento histórico.

Guiados así, sólo con la voz, las escenas congeladas en barro y algunas secuencias de grabaciones antiguas, nos estremecemos recorriendo la vida de una persona que tocó el fondo más abismal de la inhumanidad. A lo largo de sus 90 minutos vivimos una odisea personal y el deseo profundo de regresar a esas imágenes. De tener imágenes a las cuales regresar. Aunque por momentos el recorrido sea demasiado oscuro y nos estemos preguntando si todavía puede sufrir más un ser humano (si todavía puede infligir más dolor un ser humano a otro), no deja de tener algo de belleza la emotiva evocación del recuerdo y la capacidad de seguir viviendo tras todo aquello.

Yo sé que es muy probable que la estatuilla se quede con "La gran belleza", y vaya que es una gran película, pero ésta ha terminado por convertirse no sólo en mi favorita de la categoría sino probablemente de las mejores películas de los últimos años. (Ya no digamos de Camboya de la que sólo he visto una película más. Ambos documentales, ambos sobre los Jemeres Rojos).

¿Favorita para llevarse el Oscar a Mejor Película Extranjera?

Read More

"Jagten", Thomas Vinterberg

Más nominadas al Oscar Extranjero. Le toca el turno a Dinamarca y "La caza", con mi amado Mads Mikkelsen. Actor y nacionalidad que repiten nominación tras participar el año pasado con "La reina infiel". 

"The world is full of evil but if we hold on to each other, it goes away"

Parece claro que para que Dinamarca sea nominada, Mads Mikkelsen tiene que sufrir en pantalla. Desde hacía tiempo ya había escuchado sobre esta fantástica película pero me negaba a verla porque estaba segura de que era el tipo de tramas que te hacen sufrir mientras las ves. Y no estaba equivocada. 

Lucas es profesor en una guardería. Tras un difícil divorcio trata de conseguir la custodia de su hijo y rehacer su vida. La relación con la familia de su mejor amigo, Theo, es bastante cercana, y lleva a que la hija menor de él, quien asiste a la guardería donde Lucas trabaja, desarrolle un amor platónico por su maestro. Lo que de algún modo llevará a que algunas palabras de la niña puedan ser interpretadas como que Lucas podría estar abusando sexualmente de ella. 

La premisa no había siquiera tomado forma y yo ya estaba sufriendo. El tema es bastante difícil y complejo y puede ser leído desde varias perspectivas. Desde el modo en que una sociedad puede organizarse para expresar su odio en una sola persona, o viendo los delicados entresijos de las acusaciones de delitos sexuales contra menores. Por momentos puede parecer brutal el modo en que se puede un individuo ensañar con otro a pesar de la falta de pruebas, pero si uno piensa que se encuentra de por medio un niño tan pequeño, resulta difícil pensar de que modo se podría proceder 'fríamente'. 

"La caza" es una película difícil, visceral, que sin embargo no abusa de su naturaleza dramática y del difícil tema sobre el que se construye. Siendo que podría haber recurrido a la usual estructura de 'rodarán cabezas' (muy cinematográfica y muy humana), se concentra en retratar las consecuencias de una situación como ésta en todos los sentidos. El modo en que una vida puede destruirse con unas pocas palabras y cómo debe buscar el modo de reconstruirse después de eso. Sin apelar a recursos fáciles de ira o perdón, sin enseñarse en la destrucción del individuo sino retratando la compleja y difícil metamorfosis forzada del protagonista. Fantásticamente interpretado por Mikkelsen que espero ya todos sepan que es un actor increíble. 

Personalmente el final me conflictua un poco. Al momento me pareció que faltaba un contundente golpe final (quizás porque después de haber recibido tantos golpes dramáticos desde el inicio, ya esperaba cualquier cosa) pero en retrospectiva me parece que justamente eso fue una gran virtud y termina justo como debe ser. Sin embargo sigo sintiendo que le falta ese algo que hace que uno sienta 'ésta película se merece ese Oscar' (concretamente el Extranjero, porque las nominaciones propias de la Academia nunca las he entendido demasiado bien). Lo cual probablemente no dependa tanto de su calidad como película sino de los otros títulos contra los que contiende. 

Igual te sigo amando, Mikkelsen, no sufras más. 

Como dato curioso, de las 5 nominadas es la que tiene el puntaje más alto en imdb. Y la que tiene el segundo puntaje más alto en rottentomatos. 

¿Película de Mads Mikkelsen favorita?

Read More

"La grande bellezza", Paolo Sorrentino

Y continuando con las nominaciones extranjeras. Italia, el país que más veces se ha alzado con este premio, regresa a la competencia tras no haber conseguido colarse entre las finalistas desde el 2006. Presentando su 'gran belleza'.

"This is how it always end. With death. But firts there was life, hidden beneath the blah, blah, blah".

Ritmo vertiginoso de un club nocturno en Roma. Ruido, música, gente con ropa ajustadas acercándose rítmicamente. Caos. Conversaciones superfluas. Un hombre cumple 65 años entre las risas, las mujeres sensuales y las canciones comerciales. En su cabeza la voz en off es otra: un hombre nacido para la sensibilidad, un hombre nacido para ser escritor. Jep Gambardella.

Puede parecer que nos encontramos ante una historia de la vida vista en retrospectiva, de la decadencia o el vacío vistos en retrospectiva, de un artista viendo su propia obra en retrospectiva. Pero Jep Gambardella es un hombre muy consciente de su presente. Un artista que sabe las implicaciones de haberse retirado de la escritura tras una única novela, un hombre mayor que vive confundido entre la superficialidad escandalosa de Italia pero en estrecha relación con ese vacío. Un personaje complejo, cuya única creación delata las fronteras de su relato cinematográfico: "La condición humana", la única novela.

La película se arma de fragmentos de la vida de Gambardella, perfectamente representado por Toni Servillo, donde lo vemos moverse por un presente, por una ciudad, por una vida, donde lo mismo existen las escandalosas fiestas de clubs nocturnos que las reuniones nocturnas con sus cómplices de toda la vida, donde coexiste la denuncia-burla al arte hueco con las relaciones fugaces de una noche, con la intimidad establecida con una bailarina exótica que se niega a envejecer. El todo y la nada son el equilibrio fundamental de un protagonista que parece posicionarse en relación al título entre la paradoja y la verdad más sutil: ¿Cuál es esa 'gran belleza' en la vida de Gambardella, en Roma, en cualquier otra vida?

Como un tributo fellinesco entre el existencialismo y la parafernalia, "La gran belleza" es una contundente explosión que consigue conciliar las contradicciones de la vida, de las generaciones presentes, de un amor apasionado y quedo por un cierto caos. Gamberdella es todo eso. Un hombre que mira hacia adentro de la superficialidad, de la vulgaridad, del desconcierto, y no teme inclinarse hacia ese abismo. A veces pareciera incluso que decir que pese a todo ello, 'es cierto que la vida es bella'. Sin caer en los sentimentalismos de la edad, de lo perdido, pero sin olvidarnos que son cosas que no dejan de estar ahí. 

Difícil describir una película tan agresiva y tan tierna, sostenida sobre ese pilar poderoso y complejo que es Servillo.

No es de extrañar en absoluto que sea una de las favoritas para llevarse el correspondiente Oscar después de hacerse con el Globo de Oro. Por ese guiño a Fellini, ese autor que tanto le gustaba a la Academia, por el magnífico retrato de una capital, y por su enorme capacidad de evocar un pasado mientras construye un presente. 

Probablemente esa sea "La gran belleza".

No diría que es mi favorita de las nominadas (de las cuatro que he visto), pero no me sorprendería ni me desagradaría que terminara quedándose con el Óscar. Es verdaderamente una experiencia monumental construida sobre un relato y sobre un personaje monumentales. (Monumentales, ya saben, como Italia misma).

¿Han visto alguna otra película de Toni Servillo que recomienden? 

Read More

"The broken circle breakdown", Felix Van Groeningen

Desde hace rato salieron las nominadas a los Oscares, y quizá recordarán de años anteriores que trato de ver todo lo posible de algunas categorías antes de la entrega de premios. Con eso de que ando lenta en estos de las reseñas no sé de cuántas tenga tiempo de escribir antes de marzo, pero empezamos con mi categoría favorita: mejor película extranjera. Desde Bélgica, "The broken circle breakdown".

"I always knew. That it was too good to be true. That it couldn't last. That life isn't like that, life isn't generous"

Elise y Didier se enamoran. Tocan música juntos. Tienen una hija juntos. A los 6 años a Maybelle le diagnostican cáncer. Vuelta al inicio: Elise y Didier se enamoran. 

Por una parte podemos decir que es uno de esos dramas en que una pareja se enfrenta a momentos de crisis ante una situación inesperada, en este caso la enfermedad de un hijo. Pero la película no se desenvuelve con un orden cronológico y causal, de modo que aunque sabemos muchas cosas desde el inicio, volvemos a vivirlas una y otra vez, extendiéndonos en sus detalles, en sus momentos luminosos y en sus implicaciones oscuras. Una mujer viste un bikini con la bandera de Estados Unidos. Un hombre toca una guitarra y alguien le sonríe entre la multitud. Una niña enferma trata de ayudar a un pájaro que ha golpeado contra su terraza. Una pareja se grita. Una pareja se baña al aire libre. Una mujer rompe aguas. El círculo al que alude el título parece decirnos que conocemos la historia pero no conocemos toda la historia. No es que sea un tema en exceso original, ni siquiera es que quiera hacernos creer que ninguna otra pareja ha pasado por esto. Más bien es un intento por recordarnos que en cualquier momento de una historia nos encontramos cerca de todos los demás. La pareja que ahora se grita y llora fue también la pareja que se tocó por primera vez, la pareja que organizó fiestas de cumpleaños para su hija. 

"The broken circle breakdown" es una pequeña sorpresa belga. Por una parte porque quedando fuera otras películas extranjeras que sonaron en festivales anteriores (como "La vida de Adele" o "El pasado"), al final se coló entre las cinco nominadas ofreciendo en apariencia un drama convencional. Parejas ante dificultades, lo bello y lo terrible. Y si bien el tono se mantiene sobre esa línea y la trama en sí no ofrece sorpresas, la historia discurre con un excelente ritmo y con una sucesión de imágenes que parecen reconstruir una historia conocida. O hacer que la miremos con una luz distinta. El vertiginoso ciclo de inicios y finales parecen decirnos que a veces, en los momentos más abismales, olvidamos que alguna vez hubo luz, que hubo felicidad. O también que en esos momentos de intensa felicidad no se alcanzaban a ver las cosas que después lastimarían. La 'típica historia de amor' no parece tan típica a fuerzas de repeticiones, de ritmos de bluegrass, música que termina por darle a la historia un tono propio sin perder de vista lo que se está contando. Y consiguiendo por igual unos momentos increíblemente bellos y otros desgarradores.

Con todo no deja de parecerme que su presencia resulta un poco extraña en comparación con las temáticas propuestas por las otras nominadas, quedando como una pieza menor. Un drama excelente, eso sí, pero quizás no una de las cinco mejores películas en el panorama internacional de este año. 

¿Películas de Bélgica que les gusten?

Read More

"Ruang talok 69", Pen-Ek Ratanaruang

Pues, con todo y mi amor por Ratanaruang, ya va siendo hora de dar por concluido este pequeño maratón y quizá con algo de suerte hablar un poco de algunas películas nominadas a los Óscares. Con esta película además, he visto ya todas las piezas de su filmografía que han sido únicamente dirigidas por él (hay un par de omnibuses cinematográficos que tendré que revisar en algún momento).

Sin más preámbulos: "6ixtynin9".

"The more the economy flops the hornier people get"

Ratanaruang ya había sorprendido a todos con la particular cinta que fue, sobre todo dentro del panorama del cine tailandés en aquel momento, "Fun Bar Karaoke". Y por si hacía falta más fue con ésta, su segunda pieza, con la que dejó en claro que era un director que funcionaba en todos los sentidos. Que podía tomar las influencias más fuertes del cine asiático (mucho thriller hongkonés), asimilarlas en una trama que pudiera resultar comerciales, darle un toque de autor y hacer una maravilla. Eso es "6ixtynin9".

Tum es una joven que trabaja en una empresa financiera en periodos de crisis y, ¿a alguien le suena esto?, un día regresa a su casa sin trabajo y sin dinero. Antes de que pueda caerle encima todo el peso de la situación, alguien toca a su puerta y deja un paquete lleno de dinero. Por una vez que la fortuna le sonríe a uno. Tum sabe que la situación no puede durar mucho, que el error en el número de su puerta es demasiado evidente. Pero ella decide que al diablo, ella recibió ese dinero y va a correr con todas las consecuencias. 

Con una de esas premisas donde no sabes si todo es producto de una excelente o de una terrible suerte, seguimos vertiginosamente la vida de una mujer que da un giro inesperado y a partir de ese momento no deja de girar. Con una buena dosis de acción y de sangre, muchas de las situaciones parecen dirigidas exclusivamente por un destino caprichoso que no deja de manipularlos a todos. Difícil decir si todo le está saliendo genial o la está hundiendo cada vez más, pero Tum no deja de moverse y el reloj no deja de sonar y todos sabemos que eventualmente en un punto la película se volverá una bomba. Y la película es una bomba. 

Puede que resulte un poco difícil ver esta clase de acción en relación con el resto de su siguiente trabajo (con la posible excepción de "Headshot") pero es innegable que a Ratanaruang siempre lo ha movido un poco ese amor por el bajo mundo que podemos suponer nació del cine de mafias. Sólo que después lo enfocaría de manera distinta. Aquí tenemos una película casi en regla, con la estructura planteada desde la premisa de que alguien que debería ser por completo ajeno al esquema criminal se ve inmiscuido en una situación poco legal, y no le queda más remedio que correr. Lalita Panyopas es perfecta para eso, consiguiendo un perfil donde la podemos seguir viendo como una persona cotidiana pero que consigue de manera más o menos efectiva mantenerse a tono con las dramáticas circunstancias. 

Difícil saber qué habría sido de la carrera de Ratanaruang si hubiera seguido este camino, y aunque la película sea buena no queda menos que agradecer que se dedicara a experimentar un poco hasta conseguir las obras maestras que son "La última vida en el universo" y "Olas invisibles". Qué maravilla. ¿Les he dicho ya lo suficiente cuánto me encanta este director? Creo que no. 

¿Tienen alguna película favorita de Ratanaruang?

Read More

"Monrak Transistor", Pen-Ek Ratanaruang

Y continuando con el pequeño maratón de Ratanaruang, nos encontramos con la que probablemente sea la más particular pieza de su filmografía: "Transistor love story".

"Can you be reborn if you spend your life alone?"

Es difícil ver a "Transistor love story" en conjunto con las demás películas del director. Precedida por unos inicios cercanos al thriller hongkonés con "Fun bar karaoke" y "6ixtynin9", luego le seguiría su obra maestra que es "La última vida en el universo". ¿Dónde colocamos esa gentil comedia musical que es capaz de transformarse en un oscuro drama mediando un par de canciones? Y sin embargo esta historia de amor tiene algo de la efervencencia del cine tailandés que comenzaba a despuntar hacia finales de los 90, y al cual Ratanaruang aportó su muy valioso granito de arena.

Primera escena y sabemos que Phaen es un joven que de algún modo terminará en una sucia cárcel, acosado por los policías y en espera de que se aclare el robo por el cual lo detuvieron. Pero la historia de Phaen comienza mucho atrás, y comenzó como una historia destinada a un final feliz. Chico conoce chica en la feria del pueblo y le canta y la conquista y se aman, con música y collares de colores y todo. Pero ese amor de radio de Phaen y Sadao no termina ahí, aunque el narrado bien sabe que quizás debería, y es entonces que el servicio militar (y la vida) comienza a mover los hilos en esta historia. 

Lo que parece comenzar (dejando la secuencia carcelaria de lado) como una edulcoradísima historia de amor, se va transformando a cada paso sin perder esa extravagante personal, representada en gran medida por Phaen y su personalidad. Pasando por la búsqueda desesperada de un sueño, crímenes, el abuso y la humillación humana, canciones tradicionales tailandesas, secuencias cómicas, desamor. La película pareciera ser una especie de intento desesperado por transformar la realidad en algo más, un intento que no siempre se logra y en más de una ocasión muestra las garras, pero que no por eso cierra la posibilidad de que todo pueda re-encaminarse al momento con otra canción. Lo que podría parecer (y es, en cierta medida) la típica historia de 'persigue un sueño y te sacará los ojos', aquí se ve revestida por un encanto único tan propio de su nacionalidad como del toque del director. 

Quizás por alejarse tanto de los parámetros usuales de Ratanaruang, o por ser tal vez su película donde se note más las influencias sobre las que trabaja antes que su calidad como autor, probablemente la consideraría una de mis menos favoritas de él. Pero siendo que en general adoro su trabajo, ese puesto tampoco es en absoluto negativo.

¿Otras películas que parezcan típicas historias de amor pero no lo sean?

Read More

"Nang mai", Pen-Ek Ratanaruang

Continuando lentamente con mis pequeños maratones de directores con los que tengo deudas pendientes, me tocó uno que si bien no es un gran clásico (todavía) es sin duda de mis consentidos y estaba dispuesta a sumergirme todavía más en su no muy extensa filmografía: Pen-Ek Ratanaruang. Y empezamos con "Ninfa".

"Hemos estado casados por muchos años. No nos hemos cuidado el uno al otro demasiado bien"

Teniendo varias cintas muy reconocidas, ya sea dentro de la historia de la cinematografía tailandesa como a nivel internacional, no deja de tener varias piezas consideradas menores. "Nymph" está en lo más bajo de su filmografía en lo que a recepción del público se refiere (tengo la idea de que cuando la vi era la película con menor puntaje pero ahora parece que "Headshot" ha ocupado ese lugar) y después de su estreno inmediato no se ha hablado mucho de ella. Difícil entender por qué.

La condición de "Nymph" entre el drama, la fantasía y el terror parece chocar con una trama más propia del melodrama íntimo. Un matrimonio joven se ha estancado y flota entre la indiferencia y necesidades mal comunicadas. Ella mantiene un romance mientras que él se absorbe por completo en su trabajo como fotógrafo. Realizan un viaje para pasar unos días en medio de la selva y el marido parece cautivado por la naturaleza y algo en él cambia por completo. Es como si al volver a la ciudad no fuera más él mismo. 

La premisa de un matrimonio en crisis que trata de reencontrarse fluye a partir de emociones ancestrales y primarias relacionadas con la naturaleza. El asombro, el terror, el cambio. Uno bien puede seguir la historia sobre el límite de lo real (creer que la experiencia interior es capaz de mover al individuo al cambio) o creerse el mito, pensar que quizás aquel que regresó a la ciudad no fue realmente el mismo hombre, a pesar de que todo en él luciera igual. La naturaleza entró en él y se quedó con él.

Con una fotografía bella y precisa que lo mismo nos mueve por el concreto de las ciudades que configura el enorme y vertiginoso hábitat natural convirtiéndolo en el tercer personaje. El elemento que se interpone verdaderamente en la relación. La película se aleja de las usuales estrategias del director de presentar una trama potencialmente de acción narrada de manera contemplativa, para concentrarse en las emociones, en las búsquedas interiores manifestadas de manera visual a través del ambiente. Y para remontarnos un poco a esas antiguas historias en que la naturaleza era una entidad viva, caprichosa, a quien se debía temer y que era capaz de interferir en las vidas de los individuos. Una crisis de pareja y un encuentro entre individuos aislados que se construye de manera fantástica a través de escenarios opuestos en Tailandia. 

Ya había visto al protagonista masculino repitiendo con el director en "Headshot" pero fue con esta historia que me enamoré de Nopachai Chaiyanam. Fantástico actor, es una pena que su filmografía sea tan corta y parezca difícil de conseguir. Wanida Termthanaporn, su contraparte femenina y en quien recae gran parte de la fuerza de la trama, no se queda atrás configurando uno de esos personajes femeninos tan propios de Ratanaruang, capaces de inspirar la mayor pasividad y la mayor fuerza. 

Si esto es lo 'más bajo' que puede caer el director, debe estar más que complacido con la maravillosa filmografía que ha construido. (Yo lo estoy, sin duda).

¿Películas sobre crisis de pareja que les gusten?

Read More

"Hwa-ryeo-han-hyoo-ga", Ji-hoon Kim

Parece que me faltó incluir entre los propósitos de año uno que me incitara a no desaparecerme demasiado tiempo. Se hace lo que se puede. Y volvemos una vez más para hablar de cine histórico-político surcoreano.

"Creo que los soldados están decididos a tomar todo el país. Es como patear a un perro dormido, planean pegarle en cuanto empiece a ladrar. Y ya que sabe que puede ser callado, aprende a quedarse en silencio"

Hará algunas reseñas de cine surcoreano, hablando de "National security", comentábamos cómo Corea del Sur atravesó por caóticos periodos represivos antes de instaurarse como una democracia y empezar a destacar en el panorama internacional. Como sucede con casi todas las historias nacionales, si uno se pone a mirar hacia atrás se puede encontrar con un gran número de sucesos trágicos que en muchas ocasiones no suelen conocerse demasiado. "May 18", la película que ahora nos concierne, se centra en la Masacre de Gwangju, el alzamiento y represión de una pequeña ciudad al suroeste de Corea. 

Si el aspecto histórico puede parecer interesante, la historia concreta de la que parte la película es más que tópica en lo que refiere a este tipo de dramas. La historia de dos hermanos que tratan de salir adelante juntos, que comparten los buenos y malos momentos, alguna sub-trama amorosa, cuando de golpe todo se ve eclipsado por un vertiginoso movimiento democrático-estudiantil y sus choques con la autoridad. Min-woo es el hermano mayor que sólo quisiera llevar una vida tranquila, y quizá declararle su amor a Shin-ae, mientras que Jin-woo, el hermano menor, no puede evitar involucrarse en los levantamientos y aspirar a un futuro mejor para su país. Esto sucede a un año del golpe de Estado que terminó con el asesinato del anterior presidente, Park Chung Hee, y en un delicado momento en que la milicia se aferraba al poder y no estaba dispuesta a dejarlo ir fácilmente. Pueden imaginar hacia dónde va la situación.

En contraposición a tantas excelentes producciones que Corea del Sur ha presentado en los últimos años, parece necesario no olvidar que no deja de ser una nación que adora el melodrama y que consume cantidades enormes de 'telenovelas'. Lo cual en muchas ocasiones desemboca en que ese sentido del drama exagerado y con tintes cursis se filtre en historias que no lo necesitan y que podrían haber funcionado de maravilla sin ello. Porque una masacre no necesita que se le exagere, que se le telenovelice, o se enfatice lo trágico que es. Y es que de alguna manera el abuso de tópicos y de momentos en que se nota el esfuerzo por conmover descaradamente al espectador, le van restando su verdadera fuerza al momento histórico concreto y termina por ser un drama de época más. Que, si encima uno no está demasiado familiarizado con la historia de Corea del Sur, no se termina por comprender del todo bien porque no se ahonda en el panorama más general. 

Estoy casi segura de que llegué a esta película por la participación de Jun-ki Lee, fantástico actor que descubrí con "The king and the clown", y que aquí aparece como el idealista hermano menor. Una pena que tanto su personaje como su presencia en pantalla se pierden totalmente en pos del sentimentalismo fácil. También es cierto que si hubiera sabido de antemano que era del mismo director que "Sector 7", jamás la habría visto. Si metió melodrama a una historia de monstruos marinos, ¿qué más se podía esperar?

Creo que yo sueño con que todas las tragedias históricas sean como las "Flores de guerra" de Yimou Zhang.

¿Última película histórica que les haya gustado? 

Read More

"Paranormal Activity 3", Henry Joost & Ariel Schulman

Hace un par de días, el 5 de enero, este pequeño espacio cinematográfico cumplió 6 años. Números mágicos. Y podría pensarse que dado que hace siglos que estoy desaparecida, no hay mucho que celebrar. Pero lo celebraré de todos modos. Un poco tarde. Con terror barato, porque ustedes me conocen.

"Let's get ready"

También ya saben que se me da bien seguir secuelas infinitas de películas de terror, aunque "Actividad paranormal" todavía no es demasiado infinita y como disfruté mucho de la primera parte, todavía se lo perdono. Además, ¿sabían que los directores de esta entrega (y la siguiente) son los mismos de "Catfish"? Se nota la vocación por la cámara en manos. Y el deseo de retribuir a todos aquellos que vimos terror en el trailer de "Catfish" y caímos en la trampa.

Después de una segunda parte un poco insulsa, se le inyecta a la franquicia un toque más retro al volvernos muchos años atrás, a la infancia de Katie y Kristi, y presenciar el inicio de su relación con el espíritu que las atormentaría durante tantos años más. A lo largo de las dos primeras partes se nos dan algunos datos de cómo empezó todo el fenómeno pero la narración pierde la fuerza principal de ser protagonizada por dos niñas. Puedes aquí les van las dos niñas. Su madre ha comenzado una relación con un camarógrafo quien empieza a notar que algunas de la cosas extrañas que suceden alrededor de las dos pequeñas. Y, claro, porque ya no va a funcionar por sí solo el truquito de jalar sábanas o arrastrar gente, se nos muestra un poco de la verdadera naturaleza de lo que está sucediendo. 

Aunque, comos suele suceder con las secuelas, ya ha perdido gran parte de la sorpresa y la fuerza de sus sustos, la estrategia de usar una tecnología más vieja y el cambiar el contexto en que está sucediendo el fenómeno, realmente consigue volver a encaminar una franquicia que tras la segunda parte parecía condenada a repetirse de forma absurda. Recordarán que a mí la segunda parte me pareció una prolongación innecesaria de una historia que había sido buena en un primer momento, y sobre todo el giro final que le dieron me pareció poco afortunado. Aquí no pueden arreglar ese giro, claro, pero creo que consiguen levantar la trama y hacer que uno se la vuelva a tomar en serio, aunque ya no espere que los sustos funcionen tan bien. Esto, conjugado con las particularidades de las herramientas de grabación, le dan un buen toque a la película que se deja ver bastante bien e incluso se disfruta en algunos momentos. La "explicación paranormal" que muchas veces puede parecer que sobra, me gustó, incluso siendo algo tópica, creo que queda bien con ese intento de darle un toque más antiguo a la película, recurriendo un poco a estrategias del cine de terror viejo.

Nada mal, por el momento, pero dado que le sobrevino la cuarta parte y ahora vendrán la quinta y la variante ¿chicana? (no me queda muy claro de dónde parte el spin-off) "The marked ones", habrá qué ver cuánto tiempo sigue 'encaminada' la historia.

¿Tienen algún episodio favorito de la franquicia? Recuerden que hasta variante japonesa hay.

Read More

"Plaga zombie", Pablo Parés & Hernán Sáez

¡He vuelto desde la tumba para hablarles de más películas de zombies! Esto se está empezando a hacer costumbre y no es nada agradables, pero bueno, lentamente seguiremos hablando de mi larga lista de pendientes a reseñar.

"¿Y ahora qué?"

Voy a suponer que llegué hasta esta película por su carácter de culto. Bajísimo presupuesto, un guión que parece una mala traducción de un cliché zombie y litros de pintura roja y terrible maquillaje. "Plaga zombie" sentó un extraño pero sólido precedente en el cine Serie Z (B, de zombies, fantástico, lo que les guste) argentino y aunque quizás con ojos actuales sea un poco difícil ver por qué, hay que pensar en los adolescentes que con sus pocos pesos montaron su propia película de zombies en los 90. Ahí comenzamos.

Poco hay que contarles de la trama porque no hay que tener mucha imaginación: virus zombie, infectos, caos, potenciales genios de ciencia y luchadores. Un montón de zombies, que es a lo que vinimos. Con un acento fingido y nombres estadounidenses la película no se preocupa por nada y cualquier excusa es buena para hacer lucir su casi inexistente presupuesto en maquillaje. Cuando la productora (qué profesional que eso suena, pero en aquel entonces eran básicamente los mismos directores y protagonistas) dice que se inspiraron en "Bad taste" de Peter Jackson todo queda bastante claro.

Sin duda es una película de lo más delirante pero es un producto que al menos en esta primera parte funciona con un público bastante limitado. No sólo se tiene que ser fan del gore y del sin sentido, sino tener una capacidad especial para soportarlos por tiempos prolongados. Lo que para mí comenzó como un delirio de lo más divertido en algún punto llegó a alargarse demasiado y perder la intensidad inicial conforme llevaban el cliché de trama demasiado lejos. Y eso que la película apenas dura poco más de una hora. 

Cuatro años después se montarían la segunda parte y eventualmente daría para una trilogía y para consolidar a Farsa Producciones como una productora seria de productos no muy serios. Aunque todavía me estoy dando un tiempo para continuar con las otras, mi impresión es que, al igual que sucede con muchos de estos proyectos serie Z que pegan tanto, es que la calidad (en la medida que eso se aplique a delirios zombies) irá mejorando con el tiempo y la experiencia. Ya tendré oportunidad de comprobarlo porque además se pueden ver de manera gratuita las tres películas en el canal de youtube de la  productora. En bandeja de plata.

Por si alguien se ha tragado ya la trilogía, ¿cuál es su favorita de las tres películas?

Read More