"L'année dernière à Marienbad", Alain Resnais

Y continuando con Alain Resnais, otro de sus grandes clásicos imprescindibles: "El año pasado en Marienbad".

"I met you again. You never seemed to be waiting for me but we kept meeting each other at each turn, each bush, beneath each statue, beside each lake. It was as if no one had been in that garden but and I"

Resulta curioso en pensar en la Nouvelle Vague y en la fantasía latinoamericana encontrándose de modos inesperados. El guión de "El año pasado en Marienbad" está inspirado en la novela "La invención de Morel", la más reconocida del escritor argentino Adolfo Bioy Casares y uno de los puntos más altos del género fantástico en América Latina. Aunque las historias puedan parecer distintas ambas comparten el extrañamiento. Un desconcierto que va más allá de la atmósfera enrarecida y que dota a los personajes de un cierto aire irreal, como si ellos mismos se volvieran parte de ese sentimiento onírico que los va guiando.

Un hombre y una mujer coinciden en una reunión en un château francés. Él insiste en que se han encontrado el año pasado, en Marienbad, y que ella dijo que lo esperaría ahí. Ella insiste en que nunca se han conocido. La historia es también la imposibilidad de una historia, y de ese modo una serie de secuencias, como entre sueños, los irán encontrando y desencontrando (al igual que al que parece ser esposo de la mujer). Al tiempo que se irán construyendo un espacio fantástico, tanto por sus increíbles espacios como su marco en una historia ambigua, descontextualizada y en la que muchas veces no sabemos cuánto de lo que vemos es realidad o es una ilusión.

Sin duda esta estrategia en la que el tiempo se mueve en ambos sentidos a placer y todo está plagado por un componente onírico, puede hacer que la película resulta difícil de seguir. Pero de este modo se consigue también darle una énfasis particular y poderoso a un tema que ya hemos visto que interesa de manera especial a Resnais: las relaciones humanas. Manifestadas en esta ocasión desde una perspectiva podría decirse que más pura y conceptual que en otras de sus producciones, al despojarlas de las ataduras de la realidad y la continuidad para dejar únicamente los lazos profundos que pueden llegar a unir a las personas.

Con una fotografía fantástica y ese Marienbad maravillosamente irreal, no sorprende que ésta sea una de las grandes piezas de Resnais.




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"La grande bellezza", Paolo Sorrentino

Y continuando con las nominaciones extranjeras. Italia, el país que más veces se ha alzado con este premio, regresa a la competencia tras no haber conseguido colarse entre las finalistas desde el 2006. Presentando su 'gran belleza'.

"This is how it always end. With death. But firts there was life, hidden beneath the blah, blah, blah".

Ritmo vertiginoso de un club nocturno en Roma. Ruido, música, gente con ropa ajustadas acercándose rítmicamente. Caos. Conversaciones superfluas. Un hombre cumple 65 años entre las risas, las mujeres sensuales y las canciones comerciales. En su cabeza la voz en off es otra: un hombre nacido para la sensibilidad, un hombre nacido para ser escritor. Jep Gambardella.

Puede parecer que nos encontramos ante una historia de la vida vista en retrospectiva, de la decadencia o el vacío vistos en retrospectiva, de un artista viendo su propia obra en retrospectiva. Pero Jep Gambardella es un hombre muy consciente de su presente. Un artista que sabe las implicaciones de haberse retirado de la escritura tras una única novela, un hombre mayor que vive confundido entre la superficialidad escandalosa de Italia pero en estrecha relación con ese vacío. Un personaje complejo, cuya única creación delata las fronteras de su relato cinematográfico: "La condición humana", la única novela.

La película se arma de fragmentos de la vida de Gambardella, perfectamente representado por Toni Servillo, donde lo vemos moverse por un presente, por una ciudad, por una vida, donde lo mismo existen las escandalosas fiestas de clubs nocturnos que las reuniones nocturnas con sus cómplices de toda la vida, donde coexiste la denuncia-burla al arte hueco con las relaciones fugaces de una noche, con la intimidad establecida con una bailarina exótica que se niega a envejecer. El todo y la nada son el equilibrio fundamental de un protagonista que parece posicionarse en relación al título entre la paradoja y la verdad más sutil: ¿Cuál es esa 'gran belleza' en la vida de Gambardella, en Roma, en cualquier otra vida?

Como un tributo fellinesco entre el existencialismo y la parafernalia, "La gran belleza" es una contundente explosión que consigue conciliar las contradicciones de la vida, de las generaciones presentes, de un amor apasionado y quedo por un cierto caos. Gamberdella es todo eso. Un hombre que mira hacia adentro de la superficialidad, de la vulgaridad, del desconcierto, y no teme inclinarse hacia ese abismo. A veces pareciera incluso que decir que pese a todo ello, 'es cierto que la vida es bella'. Sin caer en los sentimentalismos de la edad, de lo perdido, pero sin olvidarnos que son cosas que no dejan de estar ahí. 

Difícil describir una película tan agresiva y tan tierna, sostenida sobre ese pilar poderoso y complejo que es Servillo.

No es de extrañar en absoluto que sea una de las favoritas para llevarse el correspondiente Oscar después de hacerse con el Globo de Oro. Por ese guiño a Fellini, ese autor que tanto le gustaba a la Academia, por el magnífico retrato de una capital, y por su enorme capacidad de evocar un pasado mientras construye un presente. 

Probablemente esa sea "La gran belleza".

No diría que es mi favorita de las nominadas (de las cuatro que he visto), pero no me sorprendería ni me desagradaría que terminara quedándose con el Óscar. Es verdaderamente una experiencia monumental construida sobre un relato y sobre un personaje monumentales. (Monumentales, ya saben, como Italia misma).

¿Han visto alguna otra película de Toni Servillo que recomienden? 

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"Le charme discret de la bourgeoisie", Luis Buñuel

Acabamos de terminar hace poco con uno de los mini maratones y ya vamos con el siguiente, además de un director que me encanta y del que esperaba el momento de poder sumergirme más en su filmografía: Luis Buñuel.

"You're better suited for making love than for making war"

Tremenda pieza tenemos aquí. Desde un fantástico título, un poster de lo más sugestivo y quizá la trama surrealista mejor lograda por el director, que no es cualquier cosa. La historia puede resumirse tan sencillo como que un grupo de individuos, claramente pertenecientes a una clase social acomodada, se reúnen para cenar pero siempre alguna situación inesperada (y muchas veces absurda) se interpone entre ellos y su cena.

"El discreto encanto de la burguesía" es una sátira contra muchos elementos de la cultura, no sólo de manera exclusiva la burguesa, ya que puede pasar de los escándalos amorosos hasta ficticios grupos terroristas latinoamericanos. El grupo protagónico conforma en sí mismo un sector social propio, un snobismo que no sólo se corresponde con un nivel económico sino con una actitud ante la vida. Para hilar todos estas secuencias de latente surrealismo y onirismo, Buñuel se vale de esta eterna búsqueda de un momento para cenar que puede entenderse de algún modo como una frecuente frustración del deseo, manifestado en la comida. La búsqueda de este banquete imposible es lo que conforma el repertorio de una realidad absurda, incoherente, por la que los personajes se mueven con toda naturalidad, incorporándose ellos mismos sin resistencia a este propio absurdo, que a la vez se resiste y se ofrece a ellos.

¿Han notado la importancia del banquete en el cine de Buñuel? Representa no sólo el rito social que une a las personas bajo el momento del 'encanto' cinematográfico (el punto en que los personajes de "El ángel exterminador" se condenan a permanecer dentro de la casa, o cuando la inversión de roles en los personajes de "Viridiana") sino que encausa la acción como una metáfora tangible del deseo y sus posibilidades. Aquí cobra toda su dimensión precisamente en su imposibilidad: toda clase de alimentos y mesas puestas se cruzan por los caminos de los 'burgueses' quienes parecen eternamente condenados (cual Tántalos franceses) a sentarse frente a ellos y no poder probarlos. 

Una obra enorme.

Difícil tener favoritos dentro de la filmografía de Buñuel pero no es extraño en absoluto que ésta sea de sus piezas más populares y reconocidas. Es tan impecable, tan bien lograda, como divertida y llena de detalles. De lo mejor el papel de Fernando Rey como embajador de un ficticio país latinoamericano, Miranda, y todas las situaciones que la ignorancia de los otros genera a su alrededor.

Un gusto decir que seguimos con más películas suyas.

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"Mamma Roma", Pier Paolo Pasolini

Y finalmente, para concluir el mini maratón de Pasolini, una de sus más famosas películas y uno de mis eternos pendientes: "Mamma Roma".

"I wish you all the happiness that should be in my house"

La trama podría parecernos de esas típicas historias repetidas en tantas sociedades y tantas épocas, pero aquí nos encontramos con una Italia que sobrevive después de la época fascista y cuya representación ya comienza a alejarse de las denuncias que el neorrealismo hiciera tras el final de la guerra.

Mamma Roma es una mujer mayor que ha sido prostituta durante muchos años pero está lista para cerrar ese capítulo de su vida. Se despide de todos y se muda junto con su hijo de 16 años a un barrio de clase media donde comienza a trabajar en un mercado. Los sueños que le quedan son para Ettore, su hijo, espera poder todavía redimirse al ofrecerle una mejor vida llena de posibilidades, pero el joven no parece ambicionar mucho más que salir con unos vagos a no hacer nada y verse con joven madre soltera que también tiene fama de prostituirse. Pero la redención nunca es un camino fácil, y el pasado de Mamma Roma comienza a perseguirla hasta su nueva e idealizada vida.

Anna Magnani, Mamma Roma, ya había actuado en una de las películas que sentaran precedente para entender a Italia en su momento, "Roma, Ciudad Abierta". Lo que en aquel entonces era un mensaje de despiadada esperanza, un retrato generoso de una sociedad destrozada, fue transformándose hasta llegar a los años 60, hasta Pasolini, a una Italia sumida en sus vicios, donde ya no hay fuerzas externas a quienes culpar de la decadencia en que parece sumida la sociedad. 

Esta Roma parece poblada únicamente por prostitutas, padrotes, ladrones, vagos. Gente que se mueve sin rumbo, devorándose unos a otros para sobrevivir. Y aunque Mamma Roma quiere romper con todo eso, aunque su deseo de salvación es genuino, de algún modo termina por encarnar todo el pasado que lleva a cuestas (ella e Italia), a insertarse de manera perfecta en un círculo imposible de romperse y del que no puede escapar pese a los cambios que quiera darle a su vida. 

La película es totalmente magnética, entre la poderosísima actuación de Magnani, el extrañamiento producido por las actuaciones de los actores no profesionales y el cuidado estético de Pasolini. El retrato de una Roma en ruinas morales pero poblada de rostros sonrientes, de ruido, como un torbellino del que uno no puede escaparse. 

Ya desde los inicios del metraje, entre la boda de pueblo donde Mamma Roma deja ver lo mejor de sí, y el fantástico plano-secuencia en que se despide de todos en su última noche como prostituta, podemos presentir ante que tamaño de clásico nos encontramos. Que enorme primera actriz en Anna Magnani. 

Ya lo había dicho antes, con esta calidad, difícil elegir entre la filmografía de Pasolini.

¿Película de Pier Paolo Pasolini favorita?

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"Il vangelo secondo Matteo", Pier Paolo Pasolini

Continuando con Pasolini y sus tensiones religiosas. Un aproximación más que directa a la palabra bíblica, partiendo del evangelio de Mateo.

"Andad y decirle a Juan lo que os diré: los ciegos ven, los leprosos sanan, los sordos oyen y los cojos andan, los muertos resucitan y los pobres son evangelizados. Bendito aquel que al encontrarme no se aleja escandalizado"

Tras ver una pequeña y más que trasgresora porción de la filmografía de Pasolini, sorprende que apenas iniciar esta película nos encontremos no sólo que se encuentra dedicada a la memoria de un Papa sino que tiene una suerte de sello de aprobación por la Iglesia Católica. Uno duda por un momento: ¿me habré confundido de película sobre Cristo? Pero no, también ahí, más que claro, está el nombre del director y el claro énfasis a uno solo de los evangelios. De resto parece que nos encontramos con lo que nos podríamos encontrar en televisión cualquier semana santa: películas sobre la vida de Cristo, o al menos la parte más repetida de la misma.

El ejercicio de Pasolini, al reproducir los pasajes más conocidos de la vida de Jesús, es más teórico que tangible. En cuestión de forma la película no rompe en ningún momento con la estructura y los lineamientos religiosos alrededor de la figura del Hijo de Dios, además de ceñirse totalmente al evangelio seleccionado, recurriendo a él incluso para todos los diálogos. Este acercamiento a 'la fe' fue descrito por el director como una nostalgia, de parte de un nombrado 'no creyente', pero también tiene otras posibles lecturas marxistas que sin embargo no resultan en exceso detalladas. Se trata, quizás, de rescatar la figura de Jesús como un revolucionario antes que como una entidad mística, y es por ello que se utiliza el 'menos místico, vulgar o sentimental' de los evangelios. Dejando de lado la parafernalia fantástica, se concentra en Cristo como hombre, sobre todo como hombre de acción.

Con una estética muy cercana al neorrealismo y con todas las posibles lecturas que sin duda abre incluso en un texto ya tan leído, es difícil quitarse la sensación que restándole los méritos técnicos nos queda, finalmente, una película más sobre la vida de Jesús. Y todo lo que podríamos imaginarnos de ello en manos de Pasolini queda un poco de lado en aras de una reflexión filosófica que tenemos que rebuscar en las imágenes. 

Sin duda gran parte de su alto puntaje se debe a que resulta mucho más accesible que un amplio margen de sus demás producciones. 

¿Película favorita sobre JesuCristo?

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"Teorema", Pier Paolo Pasolini

Continuando con mi furor inicial por los mini maratones, nos toca otro italiano con el que tenía una gran deuda pendiente: Pier Paolo Pasolini.

"Ciertamente, viniste aquí para destruir. En mí, esa destrucción no podría ser mayor. Destruiste la idea que tenía de mí mismo"

Suelo guiarme sobre todo por los puntajes de imdb para elegir las películas que veré de cada director, pero en el caso de "Teorema" ya llevaba tiempo deseando verla por cuenta propia, independiente de mi deuda con Pasolini. Me gustaría decir que es inexplicable que no aparezca entre sus películas mejor calificadas pero sin duda casi toda la filmografía de este hombre es bastante espinosa como para resultar mínimamente objetivos al momento de hablar de ellas. "Teorema" es demasiado enorme, demasiado extraña, como para hablar objetivamente de ella.

Un hombre, un extraño, llega hasta la casa de una familia acomodada. En su acercamiento a cada uno de los personajes que la componen (padre, madre, hijo, hija, criada) alterará radicalmente sus mundos.

Suena a los descriptivos resúmenes que tratan de engancharte a una película sin revelar nada más que su más inmediata naturaleza, pero en este caso describe la totalidad de la película. Pocos diálogos, ningún contexto, revelar el final no sería esencialmente revelador en sí mismo. El núcleo de la película es esta alteración, destrucción, metamorfosis, que atraviesan cada uno de los elementos familiares a través de una irrupción aparentemente sin sentido, entre mística y llanamente erótica. 

Una sinopsis de la película concluye con: "¿Quién es este visitante? ¿Podría ser Dios?" (aludiendo, supongo, a la tensa relación entre Pasolini y la Iglesia a lo largo de su vida). Y quizá parte del inexplicable encanto de la película es que sí, podría ser Dios, pero igual podría no serlo, y eso no cambiaría nada. El magnetismo caótico de este visitante se justifica a sí mismo, justifica la inexplicable destrucción de los valores de los individuos y de la estructura familiar que los componía. Es una oda casi silente al abismo de los deseos más oscuros. Uno puede darle todas las lecturas políticas, sociales y morales que desee y es tan válido como innecesario. La fuerza desbordante que cobra la película a través de esta sencilla trama y el ambiente de confusión y opresión que va creando es suficientemente elocuente y no necesita más razones, aunque pueda permitirlas.

Yo no pude evitar pensar en "Visitor Q" de Miike ante la premisa y un poco del desarrollo. Aunque no se puede decir que el planteamiento sea en exceso original, dada su sencillez, no dudo que haya una suerte de tributo realizado muy a lo Miike. Y wikipedia me dice que ya que estoy estableciendo relaciones, bien podría continuar con "Sitcom" de Francois Ozon. 

Es difícil decidir dentro de una filmografía tan bien lograda, aunque apenas me haya adentrado bastante poco en ella, pero creo que "Teorema" sin duda se ha colado entre mis favoritas del director. Es increíble.

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"Non si sevizia un paperino", Lucio Fulci

Y bueno, terminamos con el pequeño maratón de Lucio Fulci con otra de sus pequeñas joyas. En español tiene un título poco interesante, "Angustia de silencio" (¿?), pero el original "No se tortura a un pequeño pato" tampoco es que esté del todo mal (aunque en relación a títulos, la lagartija con piel de mujer lleva todas las de ganar).

"Sí, hemos logrado construir carreteras. Pero eso no erradica la ignorancia y la superstición"

Si por las dos anteriores películas uno podría creer que las historias de Fulci siguen una línea demasiado definida, "Don't torture a duckling" viene a mostrar otra visión del giallo con sus propias particularidades y más que bien lograda. Con ese aire de thriller terrorífico rural que ha sacado lo mejor de películas como "¿Quién puede matar a un niño?", nos adentramos con recelo a una pequeña población del sur de Italia.

Un grupo de niños, no especialmente bien portados, van siendo asesinados de manera brutal y misteriosa en una pequeña población. Varios personajes confluyen alrededor de los hechos por diversos motivos: una joven y atractiva chica rica que pasa un tiempo alejada de la capital para evadirse de sus problemas, un reportero que llega para cubrir el singular caso, un jefe de policía desesperado por encontrar al culpable a como dé lugar, un sacerdote que se ha esmerado por ayudar a los jóvenes del pueblo, una bruja confiada en el poder de sus artes oscuras, y otras posibles víctimas que ya saben lo que les espera. 

Todos los personajes esconden algún secreto y se mueven convenientemente alrededor de los crímenes, lo que irá construyendo una atmósfera claustrofóbica y desesperante en lo que debería ser una pequeña y pacífica población y que ahora se desborda en sus vicios. 

Comenzando por el asunto de un asesino que sigue los lineamientos de lo que ahora vemos en todos lados como asesino en serie, y el guiarse a través de esta estructura de thriller, permite explorar ese juego de relaciones entre los diversos personajes y sus historias personakes. Al tiempo que detenerse en otros detalles como la superstición y la mentalidad de pueblo. Manteniendo la historia en una línea entre un cierto realismo y las connotaciones sobre-naturales propias del género de terror. 

A pesar de ser anterior a varias de sus piezas más conocidas, no me cabe duda de que "Non si sevizia un paperino" debe ser una de sus películas mejor logradas, tanto en el manejo de la historia como en la ambientación y el impacto conseguido. Pero espero poder ponerla más en contexto en algún momento, cuando continúe adentrándome en la filmografía de este destacado director de terror. Se ve que los italianos sabían lo que hacían. 

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"Sette note in nero", Lucio Fulci

Y para continuar con el buen Lucio Fulci: con un título menos impresionante, "Siete notas en negro".

"These extra-sensorial visions, hallucinations, are a consequence of your emotional state"

Viriginia Ducci es una mujer que desde muy pequeña ha experimentado algunos episodios de visiones que han mostrado otros niveles de la realidad, siendo la primera cuando era pequeña y vio a su madre suicidarse al tiempo que lo hacía en otra parte. Ahora, ya mayor y casada con un hombre rico, algunas de las visiones han vuelto, ahora donde ve a una mujer ser asesinada en una habitación. Durante uno de los viajes de su marido, decide visitar una vieja propiedad familiar con la intención de remodelarla, sólo para descubrir que en este remoto paraje se encuentra una habitación idéntica a la que ha visto en sueños. Y un cadáver escondido por identificar. 

Parece clara la fijación de Fulci con los temas de parapsicología pero manteniéndolos en el punto en que pueden ser verdad o no. Del mismo modo en que la protagonista de "Una lagartija con piel de mujer" no está segura de si sus sueños son reales o han sido utilizados con propósitos oscuros, Virginia se mantiene entre creer que sus alucinaciones son provocadas por su estado mental o confiar en lo que ha visto en ellas. No es ahora su nombre el que tendrá que ser limpiado sino el de su marido, en cuya propiedad han sucedido todos los hechos señalados. 

Este es el primer detalle que parece marcar el particular acercamiento de Fulci al giallo, al que se suma otro elemento que aporta su propio encanto: las características de sus protagonistas. Siendo un género que gira importantemente alrededor de una figura femenina, el director deja de lado a las usuales adolescentes para centrarse sobre todo en mujeres mayores, burguesas y ociosas que se ven acosadas por problemas más allá de los que deberían ser su cotidianidad. Mujeres inestables que han tratado de construir su vida obviando ciertas anomalías importantes y que llegado en algún punto explotan, y ahí comienza la racha asesina que a todos nos encanta.

En este caso concreto los límites de la realidad son un poco menos complicado, en cuanto nos sentimos inclinados a creer en las visiones de Virginia, pero no dejan de tener su propia complicación al ser visiones parciales que no le permiten ni a ella ni a nosotros conocer el caso por entero. Y que terminan influenciando una investigación criminal que si bien parece a todas luces bastante lógica, tiene muchos puntos oscuros por esconder, a los cuales se dedicará la protagonista en espera de poder alejar de su esposo las terribles sospechas que en algún momento parecen demasiado claras. 

Aunque mantiene el toque de originalidad y estilo del director, siento que el concentrarse de más en la investigación antes que en los elementos más atípicos hace que por momentos decaiga un poco el interés en la trama. Y aunque Jennifer O'Neill es una bella mujer para seguirla de un rincón a otro, no termina de convencer del todo dentro de la extraña historia en la que está atrapada. Supongo que es para que aprenda que el giallo, como un género sin muchas pretensiones, también puede fallar.

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"Una lucertola con la pelle di donna", Lucio Fulci

Emocionada por el nuevo asunto de los mini maratones, no tardé demasiado en saltar al siguiente director. Cambiando de país, género y época: Lucio Fulci, uno de los maestros del giallo. 

"Very often the truth comes to light in very odd colours"

Las propuestas que tuvieron lugar en Italia para un género tan aparentemente simple como 'asesino mata a todos' son increíbles si tomamos en cuenta lo que sucedería luego con el slasher y hasta nuestros días. Si ahora nos ceñimos a una estructura bastante típica, en aquel entonces, sin perder de vista su objetivo principal (asesinatos al por mayor), se conseguían unas historias impresionantes, extrañas, estéticamente impecables. Y si yo ya amaba a Dario Argento por su importante papel en ese momento cinematográfico, Lucio Fulci llegó para rockear mi mundo un poco más.

Comenzando por el detalle de esos títulos maravillosos: "Una lagartija con piel de mujer" nos habla mucho de lo que estamos por encontrarnos mientras nos deja todavía con un misterio (por no mencionar que el italiano original lo hace sonar todo mucho más espectacular). 

Una mujer le cuenta a su psicoanalista un extraño sueña que ha tenido últimamente y que tiene que ver con su vecina, una mujer muy liberal que no es bien vista por el resto del vecindario, mucho más conservador. Aunque ella suele colocarse de este lado, en su sueño tiene una extraña interacción sexual con esta mujer que termina en su muerte. Lo que en principio podría ser una simple manifestación del inconsciente, se vuelve algo mucho más complicado cuando la vecina en cuestión es encontrada muerta en condiciones bastante similares a las descritas por Carol a su terapeuta. 

A partir de este misterio casi paranormal es que Carol comienza a involucrarse en el caso. Por una parte porque su relación, aunque onírica, parece implicarla de alguna manera, al punto que ella misma parece sospechar de su cordura y debatirse entre creer que realmente tiene algo que ver o que ha sido inculpada por alguien. Entre su exaltada percepción y su necesidad de entender lo que sucede, Carol tendrá que sumergirse en el delirante mundo de la víctima en busca de la verdad.

La película no deja de ser un lineamiento general para este tipo de historias, y de hecho puede recordarnos algunas tramas típicas de personajes (muchas veces mujeres) implicados en un crimen. Pero desde el particular cuidado de la estética (ese preciosismo italiano que conseguiría proyectar al giallo por mérito propio) hasta la libre cantidad de extravagancias para complicar la historia, la sensación que transmite "A lizard in a woman skin" es tan extraña que cautiva y la distingue de otras propuestas. Eso sin demeritar en absoluto la calidad de su guión, que partiendo de una estrategia simple consigue destacarse a base de sus detalles, y sobre todo por el marcado interés del director en temas de parapsicología.

Resulta más que grato encontrarse con una película que pareciendo no tener más ambición que ser un divertimento sangriento, consigue un nivel increíble sin perder el encanto de los asesinatos extravagantes. 

Lucio Fulci, creo que tú y yo vamos a ser buenos amigos.

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"All the invisible children", varios

21/04/13

Si de por sí me gustan los ómnibuses de cortos, proyectos con un enfoque de derechos humanos me llaman todavía más la atención, y "All the invisible children" parecía prometer todo ello con la mejor calidad posible.

"Travelling there where happiness reigns"

El proyecto parte de juntar a un pequeño grupo de renombrados directores de distintas nacionalidades que retraten la problemática infantil de sus países en un cortometraje. La idea de 'niños invisibles' obviamente parte de la situación por la que muchos niños atraviesan sin que nadie se ocupe directamente de ellos, formando una especie de 'daño colateral' de los aspectos menos amables de las sociedades en que se encuentran. 

Primer corto, "Tanza", en África (no se especifica un país concreto, el director, Mehdi Charef, es argeliano). Quizá uno de los escenarios que más rápido se nos puedan venir a la mente en esta situación, aunque no deja de ser un retrato desgarrador. Tanza es un niño que ha tenido que unirse a la guerra civil de su país, luchando en una guerrilla que claramente no comprende, al tiempo que sueña tan solo con poder tener un hogar e ir a la escuela. 

Segundo, "Uros", Emir Kusturica. Con ese estilo tan particular del director, festivo y cruel, cómico pero firmemente crítico, nos acercamos a una familia gitana de la zona de Serbia-Montenegro, en que uno de los hijos menores está pasando un tiempo en el reformatorio por robo. Todo el posible proceso de re-adaptación social se desmorona ante la perspectiva de que el niño, Uros, finalmente tenga que volver al núcleo familiar que lo incitó al crimen.

Tercero, "Jesus Children of America", Spike Lee. Los padres de Blanca son drogadictos con SIDA que contagiaron la enfermedad a su hija desde la concepción, aunque ella ha tenido que descubrirlo a través del bullying escolar y la perspectiva de tener que vivir limitada por los errores de sus progenitores.

Cuarto, "Bilu and Joao", Kátia Lund. Trata sobre dos niños, que sobreviven con una actitud alegre y casi festiva, aunque su supervivencia consista pasar el día recogiendo basura para reciclarla y trabajando en mercados a cambio de un poco de dinero y comida.

Cinco, "Jonathan", Jordan y Ridley Scott. Sin ser exactamente un niño, el protagonista, un fotógrafo de guerra, ha quedado marcado de por vida por situaciones que vivió durante su infancia.

Seis, "Ciro", Stefano Veneruso. Un niño tiene que aprender a ser carterista desde muy corta edad para poder sobrevivir.

Siete, "Song Song and Little Cat", John Woo. Las vidas de dos niñas, que parecieran radicalmente distintas en un primer momento (una sin familia, discapacitada y viviendo en las calles, y otra hija única de un matrimonio de la clase alta), se ven unidas momentáneamente por una muñeca. 

Ningún episodio es conclusivo, exhaustivo. Se alterna la felicidad y el drama, la esperanza y la resignación, una serie de sentimientos que no siempre pueden precisarse del todo y que nos habla de que en las vidas, finalmente, nada es absoluto, y esos niños viven situaciones miserables pero también tienen momentos de luz. Vemos cómo la sociedad los orilla a la condición en que se encuentran pero cómo también hay personas para los que no son completamente invisibles. 

Con distintas duraciones, cada corto se toma el tiempo y la estrategia que necesite para contar su historia. Aunque algunos puedan resultar menos potentes que otros, ninguno termina por resultar indiferente y consiguen transmitir perfectamente el mensaje propuesto: que hay millones de niños olvidados, viviendo historias terribles, aunque la sociedad haya decidido no verlos. Darles voz y visibilidad a todos estos niños invisibles.

Quizá ya lo haya comentado pero a mí todo este tema crítico-social que involucre niños me pega especialmente y varios de estos cortos me resultaron desgarradores, aunque excelentemente bien retratados. Sin duda un proyecto interesante para considerar un visionado.

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"Amarcord", Federico Fellini

21/02/13

¿Hace cuánto que no hablábamos de Federico Fellini? Imperdonable. Y aunque “Amarcord” no era de las que más inmediatamente tenía en mi lista de espera, llegó a mí y no pude negarme.

“I want a woman!”

La sinopsis de la película la resume puntualmente como ‘una serie de viñetas nostálgicas de un pueblo en la costa de Italia en los años 30’, y creo que no hay mejor modo de referir a “Amarcord” que precisamente como una serie de viñetas. Un concepto, además, no fácil de materializar cinematográficamente.

“Amarcord” tiene algo de pieza teatral infantil. De esas puestas en escena con marionetas que se componen de una serie de números cómicos que también tienen algo de crueles, y donde el aspecto nostálgico viene de su recuerdo. Aunque no es una película autobiográfica en regla, Fellini recuerda su niñez y la plasma a través de secuencias aisladas dentro de una población muy particular, personajes caricaturescos que se encuentran y desencuentran, de un tiempo enrarecido que lo mismo se detiene y da vueltas sobre sí mismo o avanza rápidamente. Y aunque todo podría parecer un arbitrario y caótico conjunto de secuencias aisladas, es a través de ellos que conseguimos componer un retrato de vida. La extraña vida en un pueblo en la costa de Italia en los años 30.

La estructura de escenas aisladas es engañosa, y si uno podría creer que es conveniente tan solo hilar un momento cómico tras otro, también tendrá que admitir que el primer reto es conseguir que esa secuencia no resulte cansada para el público y que pueda mantener la atención y construir una imagen. Porque además Fellini no escatima en el metraje y se toma sus dos horas para contarnos todo lo que tiene que contarnos.

Yo he visto más de la etapa decadente-existencialista de Fellini que su etapa cómica, y me inclino a pensar que es más de mi agrado (ya he comentado que la comedia y yo no somos los mejores amigos). Y sin embargo el humor de Fellini tiene algo extraño que me atrapa, y que con “Amarcord” consiguió mantenerme sorprendida y confundida durante todo el tiempo, que creo es uno de los efectos más propicios para ver la película. Y precisamente sentí esa sensación de estar presenciando una obra de marioneta, de complejas y excelentemente orquestadas marionetas. Algo así como la emoción que me produce la obra de Mr. Punch después de que Neil Gaiman me la explicara para siempre.

Y siempre que veo a Fellini me quedo con la sensación de que quiero ver más y más, quiero verlo todo. Y supongo que está bien que vaya poco a poco disfrutándolo, que tampoco hay prisa. Me encanta.

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"Ladri di biciclette", Vittorio De Sica

31/10/12

Vamos con cine un poco más clásico. De lo más clásico que Italia nos ha dado: "El ladrón de bicicletas".

"You live and you suffer"

No sólo es un gran clásico de su época y del cine en general, también es uno de los mejores ejemplos de lo que buscaba el neorrealismo italiano en su momento: reflejar del modo más visceral y verosímil posible las dificultades por las que estaba atravesando el país en su periodo de post-guerra.

Entre el montón de hombres que se reúnen diariamente en espera de poder conseguir aun el trabajo más temporal, Antonio Ricci cree que es su día de suerte cuando es contratado por poseer una bicicleta. Aunque su trabajo de pegar posters por la ciudad puede parecer humilde, para él es todo un orgullo tener un modo de llevar dinero a su casa. Pero durante su primer día de trabajo le roban la bicicleta y él tendrá que recorrer toda la ciudad, junto con su hijo, tratando de recuperarla.

Precisamente por ser una historia que podría parecer tan sencilla, con un objeto que en principio nos podría parecer tan poco trascendente, es que la historia nos arrastra hasta los extremos más desoladores de la época. En un momento en que la sociedad italiana atravesaba por una miseria sistemática, el rutinario robo de una bicicleta se vuelve el martirio de una familia que apenas creía atisbar una fugaz esperanza en sus vidas. La desesperación con la que Antonio y su hijo Bruno nos guían por la capital italiana configura un mapa exacto de la época. 

Con muchas menos pretensiones de las que luego tendría el propio director y otros representantes del neorrealismo, "Ladrón de bicicletas" no sólo es un ejemplo perfecto del movimiento y un clásico consagrado, sino una película que pese a las condiciones del momento fue realizada a la perfección. Trabajando en su totalidad con actores no profesionales, rodando de la manera más cotidiana y con condiciones de producción bastante limitadas, resulta una película que más de 50 años después sigue atrapando y conmoviendo al espectador. 

Siempre que hablo del neorrealismo italiano me dan ganas de ver más y más. Me encanta y aun así es un movimiento al que no regreso tan frecuentemente como debería. Una pena porque tiene una cantidad de joyas admirable. 

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"Cosmopolis", David Cronenberg

11/10/12

Mi traicionera conexión a internet complotea contra el seguimiento de mi irregular Festival de Sitges, pero no vamos a dejarla vencer. No, no. Y sobre todo cuando nos faltan películas de lo más interesantes por hablar.

"Talent is more erotic when it's wasted"

Después de "Una método peligroso", no puedo culpar a nadie que desconfiara de la próxima  producción de Cronenberg. Especialmente si involucra a Robert Pattinson, se ve menos cronenbergiana que nunca y tiene 5 estrellitas en imdb. Pero sigue siendo de esas cosas a las que te tienes que tirar de cabeza a ver qué tal resulta.

La sinopsis no ayuda mucho más: Un multimillonario de 28 años atraviesa Manhattan en su limusina para ir a que le corten el cabello, mientras varias personajes van convergiendo en su camino. 

Diversión asegurada, ¿he?

El inicio es igualmente desconcertante: tenemos a Robert Pattinson con sus ausentes expresiones faciales y su tono de voz ausente, insistiendo en un corte de cabello aunque todo parece indicar que es la mejor opción, mientras personajes no menos inusuales y enajenados van subiéndose a la limusina como si Manhattan consistiera en un par de calles llenas de tráfico por donde todos caminan. Encima de que al principio ni siquiera entendemos muy bien qué rol juega nadie en esa serie de conversaciones aisladas sin una finalidad clara: Personaje uno habla de un sistema de seguridad virtual y sus posibles amenazas, se va, personaje dos habla de la irregularidad del yuan dentro de las operaciones de divisas al momento, se va, personaje tres habla de una capilla con pintura de Rothko, se va, y así. El mundo dentro de la limusina parece artificial, frívolo, incongruente, inentendible, mientras que el mundo exterior, por lo que podemos suponer, evidencia la crisis financiera y social que atraviesa el Estados Unidos contemporáneo: amenazas de seguridad a distintos funcionarios, funerales mediáticos de famosos, manifestaciones constantes denunciando la amenaza del capitalismo. Casi todas las situaciones manejadas en la película son meramente conceptuales: divisas, capital, matrimonio, crisis, propiedad, peligro, clases sociales, salud. Aunque todo eso parece construir el mundo del protagonista, nada repercute de manera real en su vida. Es, por lo que sabemos, un genio con los conceptos, y se mueve a través de ellos con una indiferencia inquietante.

A través de su filmografía, especialmente en los últimos años, Cronenberg se ha encontrado con la estrofa común de 'su última película no es nada Cronenberg'. Pasó del salto del horror corporal a los protagonismos de Viggo Mortensen iniciados con "Una historia violenta". Pasó cuando Mortensen dejó de ser un personaje de dos caras y se convirtió en un analista en "Un método peligroso". Y seguro pasará ahora cuando parece que "Cosmopolis" no tiene nada que ver con su cine anterior.

En realidad me parece que la línea que ha marcado en sus últimos trabajos sigue un rumbo fijo aunque no siempre muy comprensible: los ángulos en la compleja conformación del individuo. Si pasó de las metamorfosis físicas a las metamorfosis psicológicas, luego se adentró en la interpretación de dicha psicología, ahora pasa a su encarnación inmediata en un individuo que ha asumido todo el potencial de su perfil psicológico. 

La película es frívola, es inconexa, tiene un final abrupto, nadie sabe qué está haciendo Pattinson ni por qué. Y es exactamente eso lo que busca, conformar un individuo cuya patología consiste en haberla asumido por completo, que no siente la necesidad de justificar su forma de ser, tener tacto, respetos la dinámica social inmediata. Y si bien se percibe de manera especial en el protagonista, lo que va quedando en claro conforme interactua con una amplia gama de personajes, incluyendo aquellos con los que no interactua directamente y se constituyen casi como fondo, es que la problemática social es un mal extendido. Que ninguno de los personajes retratados es capaz de acceder al mundo del otro, aunque a veces puedan dar dicha impresión, y que en esa ilusoria balanza capitalista que parece haberse erigido como nosotros los ricos vs ustedes los pobres, no hay roles reales y que en realidad todos caen en las mismas condiciones aunque las interpreten de maneras distintas.

Lo que se consigue es focalizar todos estos problemas en un solo individuo, que puede resultar difícil de apreciar porque es difícil aceptar personajes que sencillamente no sienten empatía y no se ajustan a las convenciones sociales, pero que no lo manifiestan de las usuales y dramáticas maneras que el cine suele emplear (asesinos despiadados, perversos con ambiciones ilimitadas). Es, sencillamente, un personaje al que parece no importarle nada realmente. ¿Pero no es así el resto del mundo?

Debo decir que a mí me pareció una película fascinante y perfectamente realizada. Hasta entendí por qué elegirían a un actor como Pattinson como protagónico. Y aunque hacia el final se vuelve un poco delirante y vertiginosa, es un recurso apropiado para mostrar las situaciones extremas a las que pueden llegarse. Hasta el abuso de actores reconocidos para apariciones más que breves está puesto en su lugar adecuado (aunque debo decir que a mí Juliette Binoche siempre me caerá mal). Me atrapó, me golpeó y me pareció una suerte de reinterpretación moderna de "El guardián entre el centeno" en el mundo actual. De hecho estoy convencida de que tiene por ahí un guiño al "¿a dónde van los patos en invierno?". 

Es otro de esos casos en que me cuesta creer que una película reciba tan malos comentarios cuando en el mejor de los casos es técnicamente impecable. Además de la mencionada teoría de que algunos fans hardcore la encontrarán muy diferente a lo que el director 'solía hacer', también es probable que muchas de las críticas vengan de personas que fueron al cine con la promesa de ver a Pattinson y poco más. No pienso sólo en esas adolescentes cegadas por su amor a "Twilight" sino también por espectadores más cercanos del promedio que lo asocien con sus usuales blockbusters light y pretendieran entrar a ver una película con trama definida y sobre la que no tuvieran que reflexionar mucho. Y con esa premisa, el espectáculo que estaban por ver podía ser tan poco emocionante como desconcertante. Pero al menos a mí me ha devuelto la fe en Cronenberg. 

Y yo me moría también por ver a su hijo como director, pero al parecer eso tendrá que esperar.

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"La mujer sin cabeza", Lucrecia Martel

08/06/12

No sé cómo llegué a esta película, la verdad, ni un poquito de idea. Y de hecho cuando la escogí de manera azarosa entre mi lista de espera sin tener en cuenta más que el título, esperaba algo completamente diferente.

"Tan hermosa estabas. Para qué arruinarte"

De hecho supongo que esperaba alguna contextualización más extensa del tipo 'El hijo de Blue Demon vs La mujer sin cabeza' o algo así, de modo que cuando empezó una película argentina a toda luces realista y algo lenta, estaba todavía más confundida que si hubiesen aparecido luchadores de por medio.

Verónica, tras participar de la inauguración de algún centro social o algo, decide irse a casa, para lo cual tendrá que manejar un poco por la carretera que divide la ciudad en que vive del pueblo en que se encuentra. Unos niños juegan en la carretera y elipsis. Verónica llega a la ciudad pero no quiere regresar a cada, decide pasar la primera noche en un hotel. Los días siguientes está distraída, nerviosa, un poco tensa. Conforme avanza el tiempo va quedando claro que algo sucedió en esa carretera pero Verónica no está segura de si mató a alguien por accidente o no.

Esta clase de premisas pueden dar mucho de sí pero también son engañosas. Esos 'momentos traumáticos' que dan giros inesperados o que cambian de manera sutil pero poderosa una vida pueden generar toda clase de historias interesantes. Aquí se suma además el detalle de 'no saber', que hace a toda la situación todavía más agobiante y confusa. Ese punto en que tu mente puede re-escribir constantemente los hechos y por una parte tratarte convencer de una cosa y luego volver a re-escribirlos para convencerte de lo contrario. Toda esa inestabilidad es la que configura la psique de Verónica a lo largo de una serie de días que si debieran ser cotidianos se han vuelto para ella un infierno, y cualquier cosa que suceda en su entorno ella la percibe como una posible señal de cualquiera de sus dos posibles versiones de la historia.

¿Pero luego qué? Para mí esencialmente la problemática de la puesta en escena viene después de la primera parte en que ha quedado claro lo que sucedió y las razones por las que la protagonista actúa así. ¿Luego qué pasa? Que es una exigencia engañosa porque si nos atenemos a esa idea de la verosimilitud uno debería responderse que no tiene que pasar algo más, necesariamente, que a veces la vida sólo sigue y las cosas se quedan dentro. Pero uno como espectador quiere algo más, porque entonces por qué miramos más de una hora una película en la que no va a pasar nada. 

No que no pase nada en cuestión de acciones porque es claro que se siguen hilando secuencias y Verónica tampoco es un personaje estático y otros pequeños factores van apareciendo por el camino. Pero en cuestión de desarrollo, de hechos reales, de estructura narrativa más amplia, yo me quedé con la sensación de que la película presenta una premisa y luego no hace nada con ella. Se dedica a configurar un retrato concreto y le basta únicamente con haberlo conseguido. Tiene momentos muy bien logrados, la conformación de la situación de Verónica realmente llega a tener toda la dimensión que uno puede imaginarse de ese tipo de circunstancias, pero cuando la película va acercándose hacia el final o cuando termina, yo me seguía quedando con la sensación de que no entendía para qué me habían contado todo eso. 

De la directora tengo por ahí también otra de sus películas anteriores, "La ciénaga", que supongo que en algún momento la veré (y tiene mejores comentarios), pero creo que me costará decidirme. Y eso que luego, tras el visionado de ésta, buscando sobre la autora me enteré que también dirigió un cortometraje llamado "Pescados" que me encanta. Aunque tampoco tiene mucho sentido. No sé si saberlo de antemano me hubiera predispuesto para bien o para mal.

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"The merchant of Venice", Michael Radford

15/05/12

Interrumpimos el pequeño maratón de Kim Jee-woon para incluir una película del tipo 'sólo la vería si la dieran por la tele y tuviera insomnio', acercándose a la peligrosa categoría de 'cine para ver con mi madre'. 

"If you prick us, do we not bleed? If you tickle us, do we not laugh? If you poison us, do we not die? And if you wrong us, shall we not revenge?"

Ok, exagero. De hecho cuando se estrenó tuve alguna intención de verla y todo, pero yo tengo muchos problemas con las adaptaciones teatrales, y aún más con las adaptaciones de Shakespeare. Y aún más con esta pieza en particular.

Yo sé que, claro, Shakespeare escribió unos cuantos siglos atrás y eran otros tiempos, pero el re-interpretar una pieza de este tipo me genera muchos sentimientos encontrados. Así involucre a Al Pacino y Jeremy Irons disfrazados de italianos de siglos atrás.

Como casi todos sabrán la trama va de que Bassanio se aprovecha de la buena fe de Antonio (y las tensiones homoeróticas entre ambos) para pedirle dinero. Antonio tiene negocios exitosos en altamar pero no tiene efectivo así que tiene que ir donde Shylock, un judío prestamista al que detesta. Shylock acepta prestar el dinero a cambio de que, en caso de no poder ser devuelto, Antonio tenga que pagar la deuda con su propia carne. Todo porque, ya sabemos, Bassanio necesita conquistar a una mujer y no le basta con su propio dinero. La historia de siempre.

Ahora, esto es una gran premisa, yo no voy a rechazar nunca que alguien pague nada con su propia carne. Y si lo pensamos bien esto es un antecedente claro de "Seven" y "Saw". De hecho no sé por qué nadie ha pensado en hacer juegos siniestros por el estilo pero de época, con lo bien que quedaría. 

El asunto son todas las implicaciones ideológicas de la película. Partiendo del hecho de que Shylock es el malo malísimo indiscutible. Y si ciertamente como ser humano no se ayuda mucho siendo un tacaño controlador, en realidad su única villanía explícita en la película es ser judío. Y ya, todo en la película gira alrededor de que a él se lo debe llevar el carajo por su propia naturaleza cuando en casi todas las ocasiones se mueve dentro de todo margen legal. Siendo un tacaño y siendo no particularmente agradable, pero era su dinero, era su préstamo, era un maldito contrato firmado por Antonio por ser un idiota. Luego, eso, que Antonio sea un idiota que exalta la 'verdadera amistad' cuando es claro que Bassanio se aprovecha descaradamente de él. Encima de que es noble e ingenuo, es el que tiene que pagar los platos rotos. Que también es la misma historia de siempre. Luego Bassanio, a quien se reviste con valores de la fuerza del amor, la defensa de la amistad, la sinceridad y blabla, todos sabemos que es un interesado que se iba a casar con Portia por mero interés. Y que si bien va a abogar por Antonio no es más que por remordimiento post-haber sido un pésimo 'amigo'. Ni hablemos de Portia que esto se está volviendo en chismes de telenovelas.

Es claro que las obras de Shakespeare no son como nos gustaría a veces pensarlas, pero éste me parece el caso más descarado de 'no existe un dios' en toda su obra. Y el caso de que se reproduzca cinematográficamente sin maquillar ni un poquito de las implicaciones teológicas de todo esto me hace preguntarme si será una de las pocas producciones hollywoodenses en que no estén implicados judíos o qué.

Ya, si dejamos eso de lado, en aspectos técnicos y en la labor de los actores para encarnar a sus personajes, la película es bastante destacable, aunque eso muchas veces implique que los odies a todos por igual por tomar las peores decisiones del mundo y ser horribles seres humanos. Sobre todo el aspecto visual y el vestuario era precioso. Respecto a la decisión de conservar los diálogos tal cual fueron escritos también me genera sentimientos encontrados y creo que en algunos momentos llegó a ser un poco pesado pero también creo que lo prefiero así a que hubieran tratado de actualizarlos.

Sí, es una posición completamente subjetiva, pero es que no puedo disfrutar una película donde me indigna todo lo que sucede. Así esté Al Pacino de por medio.

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