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11.1.15

Así como en el terror-cámara-en-mano podemos establecer categorías por la estrategia audiovisual (falso documental, found footage, etc), también podemos hacerlo por el tema alrededor al cual gira la historia. Terror con fantasmas, con zombies, con demonios, psicológico. Y dentro de todas esas criaturas quizás hayan más películas sobre Pie Grande de las que podríamos imaginar, así que empezaremos con la que probablemente sea más antigua de todas (y que apenas entra dentro del 'falso documental'), "The legend of Boggy Creek".



"I been livin' in these bottoms fer all my life, and I ain't never seen nor heard no monster!"
"The legend of Boggy Creek" es precursora del falso documental de terror y una de tantas películas que en los 70 se colgaron el cartel de estar basada en hechos reales, aunque la mayoría de lo que se mostrara en pantalla fueran recreaciones dramáticas de situaciones que en el mejor de los casos no había modo de comprobar. Y si tras todos estos años y el evidente envejecimiento de sus estrategias hay algo que todavía pueda darle algún valor a la cinta es, sin duda, la parte más seria de la investigación detrás de lo mostrado. El deseo real de hablar de una criatura sobrenatural en tono documental.

La criatura no es exactamente Pie Grande, ya que de por sí es difícil hablar de Pie Grande como una sola especie o una sola criatura particular. El protagonista de esta leyenda es el Monstruo de Fouke, quien sin duda comparte muchas características con el Sasquatch, y que se dice ronda por el estado de Arkansas. La estrategia entre la realidad y la ficción, el documental y la dramatización, parte de entrevistas con personas que contaban haber tenido distintos acercamientos con la criatura y que participaban en las recreaciones de las mismas. Secuencias que van desde la charla local hasta la escena típica de película en que una familia dentro de una casa en medio de la nada comienza a escuchar ruidos afuera en medio de la noche. Con una voz en off que a modo casi de reportaje nos va guiando por los pormenores de la paranormal historia que nos concierne, la película parece más concentrada en asustarnos con la posibilidad de que todo ello pudiera ser real (y dado que los 70 fueron el momento en que más sonaba la leyenda, seguro que mucha gente creía que lo era) que con las escenas en sí mismas que no tienen reparo en mostrar su bajo presupuesto ya que no dejan de mostrarse como una efectiva ilustración de lo que se decía estaba ocurriendo en el condado. 

Con estas intenciones, la película no tiene que preocuparse demasiado por sus efectos especiales e incluso puede darse la oportunidad de no concentrarse del todo en el terror. Pasando por datos surreales y situaciones que incluso caen en lo cómico con una mirada actual, la película difícilmente nos asustará pero funcionará bastante bien como revisión a un fenómeno criptozoológico como que éste pariente lejano de Big Foot. Incluso esos detalles que no envejecieron del todo bien (y que quizás ni siquiera eran muy buenos para la misma época, siendo que Charles B. Pierce grabó todo con apenas un préstamo y una cámara) terminan por darle un toque apropiadamente retro a un documental con un punto serio en su planteamiento, a diferencia de otras 'películas reales' de la época como "La masacre de Texas": la posibilidad de que ahí afuera, el Monstruo de Fouke fuera real. 

La película también es predecesora de ese fenómeno al que toda cinta de terror-cámara-en-mano aspira que es el 'yo grabé esto con dos pesos y recuperé muchos millones'. Nada mal para alguien que sólo quería grabar a un disfrazado peludo corriendo por los bosques.

Y al parecer a partir de entonces el terror dedicado a Pie Grande se fue terriblemente al diablo. Pero ya tendremos tiempo para hablar de eso luego.




¿Películas sobre criaturas criptozoológicas que les gusten?

2.9.13

Acabamos de terminar hace poco con uno de los mini maratones y ya vamos con el siguiente, además de un director que me encanta y del que esperaba el momento de poder sumergirme más en su filmografía: Luis Buñuel.



"You're better suited for making love than for making war"
Tremenda pieza tenemos aquí. Desde un fantástico título, un poster de lo más sugestivo y quizá la trama surrealista mejor lograda por el director, que no es cualquier cosa. La historia puede resumirse tan sencillo como que un grupo de individuos, claramente pertenecientes a una clase social acomodada, se reúnen para cenar pero siempre alguna situación inesperada (y muchas veces absurda) se interpone entre ellos y su cena.

"El discreto encanto de la burguesía" es una sátira contra muchos elementos de la cultura, no sólo de manera exclusiva la burguesa, ya que puede pasar de los escándalos amorosos hasta ficticios grupos terroristas latinoamericanos. El grupo protagónico conforma en sí mismo un sector social propio, un snobismo que no sólo se corresponde con un nivel económico sino con una actitud ante la vida. Para hilar todos estas secuencias de latente surrealismo y onirismo, Buñuel se vale de esta eterna búsqueda de un momento para cenar que puede entenderse de algún modo como una frecuente frustración del deseo, manifestado en la comida. La búsqueda de este banquete imposible es lo que conforma el repertorio de una realidad absurda, incoherente, por la que los personajes se mueven con toda naturalidad, incorporándose ellos mismos sin resistencia a este propio absurdo, que a la vez se resiste y se ofrece a ellos.

¿Han notado la importancia del banquete en el cine de Buñuel? Representa no sólo el rito social que une a las personas bajo el momento del 'encanto' cinematográfico (el punto en que los personajes de "El ángel exterminador" se condenan a permanecer dentro de la casa, o cuando la inversión de roles en los personajes de "Viridiana") sino que encausa la acción como una metáfora tangible del deseo y sus posibilidades. Aquí cobra toda su dimensión precisamente en su imposibilidad: toda clase de alimentos y mesas puestas se cruzan por los caminos de los 'burgueses' quienes parecen eternamente condenados (cual Tántalos franceses) a sentarse frente a ellos y no poder probarlos. 
Una obra enorme.

Difícil tener favoritos dentro de la filmografía de Buñuel pero no es extraño en absoluto que ésta sea de sus piezas más populares y reconocidas. Es tan impecable, tan bien lograda, como divertida y llena de detalles. De lo mejor el papel de Fernando Rey como embajador de un ficticio país latinoamericano, Miranda, y todas las situaciones que la ignorancia de los otros genera a su alrededor.
Un gusto decir que seguimos con más películas suyas.




¿Alguna otra película sobre 'burguesías' que les guste?

5.8.13

Día 10 del Maratón de Cine Film Focus. Y tiempo de uno de mis mini maratones personales de directores pendientes. Gracias a "Macario" yo habría querido ver cualquier producción de Gavaldón, y entonces le llegó su momento.



"Lo sentí, no fue una separación sino un desgarramiento"
La premisa de "Doña Macabra" parecía acercar la historia a un punto parecido del que parte la misma "Macario": elementos entre una realidad inmediata y una ficción palpitante y un poco sobrenatural. Espacios de posibilidades con un trasfondo social mexicano. La Doña Macabra a la que alude el título es una mujer de clase acomodada a la que se le acusa de practicar brujería en su enorme casa, en compañía de su criada y algunos otros invitados. Difícil precisar lo que esconde esa enorme mansión, o la propia historia detrás de sus enigmáticos personajes.

O eso querríamos creer, en un principio. Quizá fue un poco ingenuo pasar por alto el hecho de que muchos directores en esos años se dedicaban de manera arbitraria a diversos géneros cinematográficos, sin un compromiso claro con todas las producciones en las que se involucraban. Además de que 12 años separaban ya a esta pieza de la fantástica obra que fue "Macario". Ya con colores, un tono más desenfadado y una estructura entre la comedia y el terror, "Doña Macabra" da inicio con una colorida escena que si bien todavía nos remite a la idea de 'brujería', no tardaría en dejar en claro sus verdaderas intenciones. Ya para cuando aparece una joven Carmen Salinas en pantalla la estrategia es clara: utilizar viejos recursos donde la premisa de 'terror' sirve para toda clase de gags cómicos donde una pareja de desafortunados se calzan en una situación más allá de sus posibilidades. Dichos desafortunados son Carmen Salinas y Héctor Suárez, menuda pareja que pretende entrar en casa de la señora Armida, Doña Macabra, aludiendo a lejanos lazos familiares, cuando en realidad están en busca del tesoro que se dice que la anciana tiene escondido en alguna parte de su propiedad. Sus intenciones no pasarán desapercibidas para Armida y Lucila quienes se esmerarán en hacerles pasar una estancia no muy agradable.

El terror queda reducido a los típicos elementos cómicos del esqueleto en el armario, o los pasajes secretos, y similares. La premisa es bastante simple y todo lo que gira alrededor de ella es una excusa para generar momentos de simplona comedia y poco más. En retrospectiva la película se salva de muchas terribles producciones que siguieron caminos parecidos gracias a una cuidada fotografía y una ambientación que ha sobrevivido a los años, aunque ello le valga la sensación de que, incluso con todos sus tópicos, era una historia que podría haberse aprovechado mucho mejor. En especial la figura de Doña Macabra, bien encarnada por Marga López.
No el mejor inicio para este pequeño maratón y que me haría temer un poco de las siguientes sorpresas del director. 



No olviden de pasarse por otros textos del Maratón de Cine Film Focus.

¿Otras películas de ancianas siniestras que les gusten?

13.6.13


Y bueno, terminamos con el pequeño maratón de Lucio Fulci con otra de sus pequeñas joyas. En español tiene un título poco interesante, "Angustia de silencio" (¿?), pero el original "No se tortura a un pequeño pato" tampoco es que esté del todo mal (aunque en relación a títulos, la lagartija con piel de mujer lleva todas las de ganar).



"Sí, hemos logrado construir carreteras. Pero eso no erradica la ignorancia y la superstición"
Si por las dos anteriores películas uno podría creer que las historias de Fulci siguen una línea demasiado definida, "Don't torture a duckling" viene a mostrar otra visión del giallo con sus propias particularidades y más que bien lograda. Con ese aire de thriller terrorífico rural que ha sacado lo mejor de películas como "¿Quién puede matar a un niño?", nos adentramos con recelo a una pequeña población del sur de Italia.

Un grupo de niños, no especialmente bien portados, van siendo asesinados de manera brutal y misteriosa en una pequeña población. Varios personajes confluyen alrededor de los hechos por diversos motivos: una joven y atractiva chica rica que pasa un tiempo alejada de la capital para evadirse de sus problemas, un reportero que llega para cubrir el singular caso, un jefe de policía desesperado por encontrar al culpable a como dé lugar, un sacerdote que se ha esmerado por ayudar a los jóvenes del pueblo, una bruja confiada en el poder de sus artes oscuras, y otras posibles víctimas que ya saben lo que les espera. 
Todos los personajes esconden algún secreto y se mueven convenientemente alrededor de los crímenes, lo que irá construyendo una atmósfera claustrofóbica y desesperante en lo que debería ser una pequeña y pacífica población y que ahora se desborda en sus vicios. 

Comenzando por el asunto de un asesino que sigue los lineamientos de lo que ahora vemos en todos lados como asesino en serie, y el guiarse a través de esta estructura de thriller, permite explorar ese juego de relaciones entre los diversos personajes y sus historias personakes. Al tiempo que detenerse en otros detalles como la superstición y la mentalidad de pueblo. Manteniendo la historia en una línea entre un cierto realismo y las connotaciones sobre-naturales propias del género de terror. 
A pesar de ser anterior a varias de sus piezas más conocidas, no me cabe duda de que "Non si sevizia un paperino" debe ser una de sus películas mejor logradas, tanto en el manejo de la historia como en la ambientación y el impacto conseguido. Pero espero poder ponerla más en contexto en algún momento, cuando continúe adentrándome en la filmografía de este destacado director de terror. Se ve que los italianos sabían lo que hacían. 




¿Película de Lucio Fulci favorita?

20.8.12


20/08/12
Ya era justo y necesario que el Santo se apareciese (de manera más digna que en su dueto con Jesucristo contra los vampiros) por este espacio. Pero van a tener que bajar más los que quieran ver imágenes de luchadores enfundados en sus vistosos atuendos porque no pretendía dejar pasar este primer plano de unas maravillosas momias de Guanajuato.



"La momificación de este cuerpo no obedeció a componentes químicos de la tierra sino a un pacto diabólico que su poseedor tuvo en vida"
Se le conoce usualmente como "El santo contra las momias de Guanajuato" principalmente porque el título de "Blue Demon y El Mil Máscaras le piden ayuda al Santo contra las momias de Guanajuato" era muy largo y nadie quiere que El Santo sea el tercero en una lista de luchadores menos populares. Pero básicamente la historia va así, por si alguien cree que se va a encontrar inmediatamente con el Enmascarado de Plata haciendo de las suyas por Guanajuato.

El caso es que Blue Demon y el Mil Máscaras andan por la ciudad en una serie de presentaciones, donde básicamente sólo demuestran porque son fantásticos juntos y se pasean en compañía de nenas y el hijo de Blue Demon. Hasta ahí todo normal, sino fuera porque un grupo de turistas que van a visitar las famosas momias de Guanajuato terminan con el cuarto de los zombies de Guanajuato (o algo así, son como momias punk contemporáneas) y la historia de que una de esas momias en realidad fue un luchador que vendió su alma al diablo para ganarle al abuelo (¿o bisabuelo?) del Santo y algún día regresará del mismísimo infierno para vengarse (porque ni con ayuda del demonio le pudo ganar a la sangre ancestral del Santo, así la cosa). Y ¿adivinan? reviven las momias y van tras cualquier cosa que parezca un luchador, pero no sólo eso sino que además tienen excelentes estrategias para desacreditar públicamente a Blue Demon (¿por qué si su venganza era contra el Santo? así de impredecibles son las momias).

Quejarse de las cosas que uno puede quejarse de productos así es absurdo: ¿que su trama tiene problemas abismales de lógica? ¿que es una excusa para que los luchadores se la pasen saltando y haciendo llaves a la mínima provocación aunque sus adversarios sean paranormales? ¿que las actuaciones no son precisamente lo más realistas del mundo? ¿que la trama se arma a pedazos y se arregla deus ex machina cuando es necesario? Esa es justa la película que estás por ver y disfrutar, ¿qué se puede esperar de una película de luchadores? Y no por ello me malinterpreten porque pasando el punto de si se está por disfrutar lo psicotrónico en sí mismo, la película dentro de su género está excelentemente bien hecha (tomando el 'excelentemente' en virtud de que es una película de momias-zombie que vuelven para vengarse usando técnicas de lucha libre, no estamos para engañar a nadie). Si acaso el principal problema podría ser la falsa publicidad de que alguien se esperara un protagonismo absoluto del Santo o en general más secuencias en que apareciesen los tres luchadores juntos, pero en realidad está pensada para que se luzcan mucho más Blue Demon y Mil Máscaras (la subtrama familiar de Blue Demon hasta es un poco entrañable). 

Uno de los datos más curiosos que a mí me llamó poderosamente la atención aunque no sé qué tanto puedo profundizar realmente en él, es el hecho de que debe ser una de las poquísimas películas que haya visto (sobre todo tomando en cuenta la época) donde aparece un personaje enano sin que esta condición tenga ninguna relevancia en la trama. Incluso es relativamente protagónico y todo. Y no debería sonar tan excepcional pero acostumbrado a que estos actores sólo aparezcan como bufones o porque sea específicamente necesario para algún asunto de guión, me pareció hasta un detalle agradable. 

Además de todo ello es divertidísima dentro de su maravilloso absurdo. Que resultó bastante curioso porque la vi en uno de estos mini ciclos de cine marginal y parecía que gran parte de la audiencia fue con este sentimiento 'culto' de que el Santo es muy apreciado en Francia por su surrealismo o quéséyo y miraban la película con una seriedad ejemplar, mientras que Adriana y yo nos reíamos descaradamente por todo lo alto. Que si el Santo no está para alegrarle el día a uno no sé a qué más hazañas épicas pueda aspirar ahora.

Yo me propongo muchas cosas que no siempre cumplo, pero espero en algún momento hacerme un mini maratón con películas de luchadores, que también es justo y necesario.




¿Película de lucha libre favorita? 

26.5.12


26/05/12
Ya hemos hablado mucho del cine japonés de los 60 (y lo seguiremos haciendo, y más, no se preocupen), pero ahora nos toca hacer un pequeño salto hacia los 70. De los cuales también hemos hablado pero quizá no de manera tan detallada. ¿Y qué mejor modo de retomarlos que con "Female Prisoner #701: Scorpion"?



"El ser engañada es el crimen de una mujer"
Si en los años 60 la idea de la pornografía en Japón era arriesgarse lo más posible en temática ya que no se podía burlar la censura sobre la imagen, hacia los 70 esas transgresiones se fueron moderando un poco al ser retomado el género por los grandes estudios. Lo cual le dio un toque un poco más festivamente exploitation del que se había manejado antes.
Por esos años la actriz Meiko Kaji se había vuelto la reina de la venganza, y a algunos les podrá sonar vagamente porque también fue protagonista de "Lady Snowblood". 

"Scorpion" parecería una película mucho más convencional al inscribirse en el subgénero sexploitation de 'women in prison". No tienen que esforzarse demasiado para imaginarse qué es lo que se podía explotar con esa temática. Con todo hay que decir que si bien muchas películas de la época aprovechaban el componente sexual de maneras absurdas y superfluas (que muchas veces es justo lo que puede esperarse del género), hay algunas piezas más que notables a destacar en la década y sin duda "Scorpion" sería una de ellas.
Nami Matsushima es una mujer que termina en la cárcel por asistir a su amante, un corrupto policía, en uno de sus tratos, el cual le tiende una trampa y termina ella por ser acusada. A pesar de todo se niega a testificar contra él y termina en la cárcel, pero toda la información que tiene respecto a la corrupción policíaca y sus relaciones con la mafia hacen que sea un inconveniente que siga viva. De modo que tendrá no sólo que enfrentarse a la crueldad de los guardias, a la furia de algunas otras prisioneras, sino también a los intentos de que 'muera accidentalmente' orquestados por su ex amante. Todo esto mientras planea su venganza, claro está.

Si bien la trama podría parecer no especialmente original, su realización y sobre todo la conformación de Nami como protagónico, establecen una distancia notable de lo que uno podría esperar de un sexploitation, especialmente si tiene como base la modalidad occidental del género. 
Hay una connotación teatral maravillosa, que sin duda en muchos momentos debe servir para camuflajear la falta de recursos (aun cuando tiene un presupuesto mucho mayor del que se empleaba en los 60), y darle un toque bastante personal a la narración. Esta teatralidad se nota a veces por el montaje, por la sucesión de escenarios que pueden convertirse en otro sitio sin ningún cambio, y por una notable presencia de elementos kabuki en algunas escenas más que afortunadas. 
Meiko Kaji tiene además el extraño plus de resultar magnética sin ser realmente el tipo de belleza exuberante más típica del momento. Ella misma no aspira a ser el centro de atracción de la trama en una manera tópica, siendo la sexual mujer indefensa que se vuelve una fiera, ni mucho menos. Incluso su temple agresivo y sobrio muchas veces la hace parecer una persona distinta que la que aparece en los flashbacks cuando su vida era maravillosa y luego se fue al diablo, donde parece mucho más inocente y dulce. Pero sin duda esos contrastes, donde la 'crueldad' de la vida en prisión parece mucho más directa que las típicas fantasías del subgénero, y la misma sexualidad se presenta entre lo teatral y lo doloroso, lo que marca sin duda uno de sus puntos fuertes.
Además, la prisionera villana que tratará de hacerle la vida imposible a Nami es interpretada por Rie Yokoyama, de quien ya he hablado al respecto en alguna reseña de Wakamatsu, y que me encanta. Una pena que no luzca tanto como debería. 

Como en Japón les encanta la serialidad, se hicieron 5 continuaciones de la película (una pensaría que nadie puede permanecer tanto tiempo en prisión), aunque Meiko Kaji sólo apareció en dos de ellas. También se hicieron 3 adaptaciones libres y un remake (no, imdb no me especifica en qué se diferencian ambos términos).
Oh, y para todos los que han visto "Love Exposure", recordarán que el protagonista en algún momento se viste de ella, ¿no?




¿Película favorita que tenga lugar dentro de una cárcel?

2.4.12


02/04/12
Ahora que estamos comenzando con la manía de los mini maratones, me parece que con esta pieza comencé oficialmente el de Wakamatsu. Pero podría ser que no y que aún nos falten algunas reseñas para que suceda. De todos modos no es sorpresa a estas alturas que el director se haya vuelto uno de mis consentidos de los últimos años.



"There is no revolution. Blood washed away a soldier's heroism"
Técnicamente Koji Wakamatsu está clasificado como uno de los máximos representantes del pinku eiga, el género soft-porno japonés que comenzó en los años 60. Pero todos sabemos que nadie se vuelve un máximo exponente de nada sino es precisamente trasgrediendo el propio género que se cultiva, y probablemente "Ecstasy of the angels" es la pieza más representativa del modo en que Wakamatsu rompió con todos los preceptos que suponía una producción de pinku eiga.

Una serie de fracciones de la resistencia, tanto estudiantil como de otros tipos, se organizan a través de una red de pequeñas células identificadas a partir de nombres de día de la semana, de meses o estaciones. Nadie posee un nombre, nadie pertenece del todo a un solo grupo y nadie está del todo seguro del valor real de lo que están haciendo ni quién está a punto de traicionarlo.
Si tomamos en cuenta los problemas sucedidos durante la resistencia estudiantil en Japón por esos años, no es difícil ver estos pequeños complots como analogías de un suceso nacional a gran escala, sin embargo el afán claro de desposeer todo de nombres y referencias directas puede resultar tan apropiado como confuso. Por una parte porque consigue trasladar un contexto específico hasta volverlo un concepto universal: el de los valores traicionados, el del idealismo banal, el de la sexualidad desbordada como respuesta a preguntas inentendibles; pero también corre el riesgo de que el espectador pase gran parte del inicio de la película sin entender absolutamente lo que está pasando y que tenga que hacer un gran ejercicio de reflexión retórica para asignarle a cada cosa su valor por referencia, porque en ningún momento hay una intención de aclararnos las cosas.

Estéticamente es de lo más conseguida, pero eso no es de extrañar viendo lo que otras piezas de Wakamatsu han conseguido visualmente a pesar de contar con un mínimo presupuesto. Y para mí tuvo además un acierto maravilloso y es el protagonismo de Rie Yokoyama que es bellísima y que resulta además todo un ícono para el cine de esos años. Ya nos tocará volver a hablar de ella en sus colaboraciones con Oshima o con el roman porno. 

Si bien puede resultar de las películas más difíciles de seguir del director y con una presentación un poco caótica y quizá incongruente por momentos, resulta también una de las piezas clave en su filmografía al revelar de manera desbordada lo que eran los pensamientos y sentimientos del autor nipon respecto a la situación del país durante esos años. Si bien ese flujo de consciencia arrebatado es algo que siempre lo ha caracterizado, está visto que cuando consigue encausarlo de manera apropiada es capaz de producir magníficas joyas como ésta. Consiguiendo, además, acercarse mucho más a la realidad del idealismo de la época, sin caer en el sentimentalismo ni en la victimización, algo que por momentos se le complicaba un poco a sus contemporáneos. 




¿Película favorita sobre grupos terroristas?

28.11.10


28/11/10
Porque uno necesita ver de vez en cuando películas sobre un montón de animales, o animales gigantes, o un montón de animales gigantes, fastidiando a la población humana. Y como uno suele enfocarse en los sospechosos comunes (esos animales que se ve a kilómetros que se aprovecharían de la población humana en caso de tener oportunidad), es de agradecer cuando nos encontramos con animales atípicos dentro de esas tramas. Como conejos, cientos de conejos gigantes.



"Attention! Attention! Ladies and gentlemen, attention! There is a herd of killer rabbits headed this way and we desperately need your help!"
Los productores y distribuidores de la película trataron de ocultar la trama esencial el mayor tiempo posible. Quizá con justa razón, porque seguro que el público que se arriesga a ver una película sabiendo de antemano lo de los conejos gigantes, se reduce drásticamente incluso entre los que verían serie B sin problemas. De modo que el título es casi eufemístico, los posters no mostraban ningún conejo y luego cruzaron los dedos, o algo así.

Creo que lo mejor de la película, que fue también la razón por la que me enteré de su existencia y por la que pensé en buscarla, es que al inicio hacen una introducción seudo-científica en que se habla de las posibilidades terroríficas de los conejos aunque todos los vemos muy bonitos. Y entonces pasan pietaje real de invasiones de conejos (no gigantes y no asesinos, claro) en Australia u otras regiones. Haciendo un énfasis muy claro en que como mascotas seguro que son de lo más tiernos, pero cuando tienes sembradíos y llegan un montón de conejos salvajes a meterse contigo, con tu sustento, con tu casa y etcétera, te lo piensas dos veces. Y en parte de esos hechos es que nace la descaballeda idea de agregarles también los rasgos de gigantes y asesinos. Y volverlos serie B.

En el desierto de Arizona tienen problemas con las invasiones de conejos. Casual. Y todo sería molesto pero regular hasta que unos científicos comienzan a experimentar con ellos a ver si pueden conseguir algún tratamiento hormonal que interrumpa su reproducción desenfrenada y ayude a que en un futuro no hayan tantos. Pero, claro, los científicos nunca saben lo que hacen y entre una cosa y otra resulta que los conejos comienzan a crecer y quedar sedientos de sangre. Que tampoco iría mucho más allá si el laboratorio tuviese mejor seguridad y no regalasen conejos creyendo que no han sido utilizados en experimentos a cuanto niño se aparece queriendo adoptar una bella criaturita. Claro, todo lo que puede salir mal sale mal y pronto la población se verá desplazada cuando cientos de conejos gigantes comiencen a destruir todo a su paso.

Fuera de que la idea es de lo más delirante y sería casi la única razón por la que alguien podría buscarla, la película en sí resulta considerablemente divertida. Sí que tiene algunos problemillas bastante lógicos, como los primeros ataques-conejo que están un poco piratas (tampoco es que podamos pedirle mucho más a una película del estilo), y que en algún punto es difícil darle un seguimiento con mejor ritmo y tenemos que detenernos largo rato en conejos corriendo, gente corriendo, gente muerta, conejos manchados de sangre. Y, bueno, que no está para asustar a nadie a menos de que le tenga fobia a los conejos, cosa que debe ser poco frecuente. Aún en estos puntos tiene algunos grandes aciertos, como no hacer de los conejos sencillas botargas ridículas y asesinas, sino que incluso gran parte de las escenas se graban con conejos de verdad en maquetas al caso. Se notan pero le da un aire mucho mejor logrado que si hubieran tratado de hacerlo más dinámico, creo yo.

Sigue siendo, claro, anecdótica, y supongo que pronto tendré que complementarla con "Black sheep" como películas de especies que fácilmente podrían invadir Australia y/o Nueva Zelanda. Con el tiempo que llevo queriendo ver a esas ovejas mutantes asesinas.

9.1.10



06/01/10
Continuando, muy lentamente, con mi lista de 100 películas que hay que ver antes de morir, me topé con Herzog de nuevo. Había tratado de evitarlo a toda costa pero no me quedó más remedio. Y es curioso, porque aunque lo poco que he visto de él me ha gustado, realmente cuando veo la sinopsis de sus películas no me llaman la atención para nada. Y un tema como descubridores en América no podía sonarme menos apetecible.



"I am the great traitor. There must be no other. Anyone who even thinks about deserting this mission will be cut up into 198 pieces"

Pero todo es culpa de hollywood que nos ha acostumbrado a terribles adaptaciones de hechos históricos dramáticos. En general. O que la historia del descubrimiento de América la vemos hasta en la sopa y luego resulta aburrida encontrarla repetida en las películas. Pero Herzog está aquí para callarme la boca, claro. Y él escoge a Aguirre, parte de una expedición española (que, tan paradójica como maravillosamente, se expresa en un perfecto alemán, jo) en busca de El Dorado. Pero no hay nada de heroico en este grupo de personajes perdidos en una búsqueda enferma de una ciudad tan fantástica como inexistente (a menos que algún arqueólogo la descubra pronto y venga también a callarme la boca. a mí y a Herzog, claro).
Aunque la película dice que se encuentra basada en las anotaciones del diario del monje que viaja con ellos, imdb me dice que esto es falso, que Werner lo escribió todo y eso lo hace aún más genial. Aguirre, autonombrado "la ira de Dios", está dispuesto a hacer lo que sea necesario para alzarse como el Hernán Cortés del hemisferio sur, pero se encontrará con condiciones mucho menos favorables que las del buen Cortés. Comenzando porque su ciudad maravillosa no se encuentra en ningún mapa y no hay modo de convencer pacíficamente al resto de la expedición de que lo siga, sino es a través del miedo y la violencia.

Klaus Kinski es sencillamente fantástico como Aguirre. Realmente nos llega a convencer de que se trata de la ira de Dios, de un desequilibrado obsesionado por una gloria ilusoria, cegado por el amor a sí mismo. Si cualquier otra cosa en la película pudiera fallar, la fuerza histriónica del protagónico la salvaría sin duda. Aunque tampoco es necesario porque el guión de Herzog está impecablemente cuidado de seguir la tradición de películas históricas sobre expediciones salvajes y trascender aún más. Y he de decir que incluso todo lo que rodeó a la grabación no hace sino mejorarla.
Claro de todo esto me enteré después, a través de otra película con Herzog que reseñaré en algunos días. Datos sobre la investigación detrás de la historia, sobre la tormentosa relación entre el director y Kinski (que incluye la conocida historia de que era tal el caracter explosivo de Kinski que Herzog tuvo que amenazarlo con una pistola para que terminara la grabación) (claro que esto fue negado por Herzog posteriormente, aunque creo que habría sido aún mejor aceptarlo aunque fuera falso, jo).

En realidad va más allá de ser sencillamente una película sobre una expedición, o de la búsqueda de El Dorado, o de una incursión en la naturaleza salvaje de América. Es un retrato bello, fuerte y magnífico de las ansias de poder del ser humano, y, sobre todo, de la fuerza obsesiva que se esconde detrás de ellas.



Debo decir que ahora soy fan incondicional del buen Herzog y no puedo esperar por "Fitzcarraldo", que me parece que me la toparé también en la mencionada lista.

¿Cuál es tu película favorita de Werner Herzog?

14.12.09



13/12/09
Andrés y yo, de vez en cuando, solemos intercambiar algunas películas que tenemos. O más bien yo me apropio de películas que él consigue y le recomiendo algunas que jamás le paso. De cualquier modo creo que cada uno sigue poco los consejos del otro. Pero, por alguna extraña razón, "Fritz the cat" me llamaba la atención. Quizá por mi gusto por la animación en general o porque se supone que es la primera animación (no sé si mundialmente o sólo norteamericana) que tuvo clasificación X.



"Hey, yeah. The 1960s? Happy times, heavy times"

Yo muchas he criticado aquello de que las animaciones son tomadas como si se dirigieran únicamente a niños, por lo cual terminan por resultar demasiado tontas e infantiles. Que no debería ser, claro. Pues, en el caso en cuestión, supongo que inspirado ya desde el comic (el cual no he leído así que tampoco podría conjeturar demasiado), se tiene la intención de que la caricatura de ese inocente gato azul (ajá) sea lo menos infantil posible. De entrada por la cantidad de escenas explícitamente sexuales y luego por la alusión a las drogas, violencia y distintos conflictos sociales. La propia trama, aunque gusta de tener un toque algo ingenuo, en realidad retrata una confrontación social muy poco infantil. El juego entonces que se establece entre lo presentado y las imágenes casi tiernas de los animales antropomorfos, consigue crear un estilo bastante interesante.

Todo en Fritz parece apuntar de un modo u otro a una crítica social, aunque a veces esta crítica es tan abrumadora e indiscriminada que nos cuesta entender exactamente en qué se detiene. De entrada, nuestro protagonista, es un seudo-intelectual hedonista que gusta de sentirse alternativo al abanderar cualquier posición filosófica que cree entender (y cree aún más encarnar) de manera absurda y casi siempre con una perspectiva plana que esconde su continua necesidad de divertirse, agarrarse a cualquier chica en el camino y drogarse hasta lo imposible. Y de ese mismo modo todos los demás personajes son estereotipos extremos de conductas decadentes: están las intelectuales-groopies con las que se acuesta Fritz al principio y que intentan dárselas de defensoras sociales y amigas de minorías, porque las vean como algo cool. Están luego los policías, que son cerdos, y que cumplen con sus obligaciones de manera irreflexiva, absurda y que en general son tanto o más obsenos que los personajes que planean detener. Los amigos seudo-intelectuales de Fritz que únicamente se mantienen drogados y esperando a las chicas. Los cuervos, que representan de alguna manera a los conflictos que hubo con la raza negra y que son representados como personajes violentos, reprimidos y con gran resentimiento social. Supersticiosos e incapaces de levantarse por sí mismos (para lo cuál necesitan a un idiota idealista como Fritz). Y otros extremistas que son cuasi-zombis, actuando sin contexto ni sentido.

Supongo que el punto esencial de Fritz es que tras pasar por distintas aventuras y tener un panorama más o menos amplio (aunque probablemente mal interpretado) de 'el mundo real', no cambia en absoluto. Fritz es incapaz de realmente adentrarse en ese mundo que dice comprender y analizar constantemente. Me imagino que representaba a lo peor de la sociedad de la época y la verdad es que tampoco tendríamos que ir tan lejos para encontrar representantes similares en nuestro momento actual. De hecho diría que me vinieron algunos conocidos a la mente mientras veía las acciones del gato.

La película es incómoda, como supongo que pretendía ser, e indignante de algún modo. No en su calidad de película sino en el modo de hacer tan explícita la crítica que no podamos sencillamente pasarla por alto. No sé si esa era la intención original del personaje de Fritz en los comics ni qué tanta diferencia habría entre ambas visiones (porque leí, además, que hubo una disputa algo importante entre el creador del personaje y el director de la película). Tampoco sé qué tanto justifica la propia trama las escenas tan explícitas y qué tanto fue también el morbo de llegar a ser X. Sin duda que fue una experiencia interesante pero no sé si me interesaría verla de nuevo.



Cuando apenas Andrés me pasó la película descubrí que (sí, no tiene demasiado qué ver) Rob Zombie tiene una película de animación que era considerada como "el 'Fritz the cat' actual". Supongo que por lo irreverente y explícito. Y es que Rob Zombie me gusta, debo aceptarlo, así que estoy en miras de conseguirla también.








4.7.09



04/07/09
En este breve periodo vacacional no podía fallar aquella maldición de que apenas uno se encuentra libre de las clases y disfrutando su libertad, se enferma de algo. Gripa, concretamente, que es el gran mal de mi sistema inmunológico. Así que probablemente estos días sean unas reseñas algo breves entre periodo de inactividad y más periodo de inactividad. Jo.
Para la parte del marxismo en mi clase de cine vimos varias películas y documentales sobre momentos político-históricos. Y debo decir que para conciencia social, Costa-Gavras es de mis favoritos.



"Está bien pero sólo quiero decirles que, de manera práctica, no apoyo lo que están haciendo"

Sigo sosteniendo aquello de que la mayoría de las películas nos hablan siempre de lo mismos sucesos históricos cuando estamos llenos de posibilidades sobre qué comentar. La historia de cada país seguro que encontrará suficiente material para comentar sin necesidad de caer en tópicos.
Costa-Gavras de alguna manera ha buscado hablarnos de situaciones sociales reales y no tan conocidas, a modo, quizá, de enfatizar que cualquier problema es problema de todos. Y que mucho de lo que sucede actualmente ha sucedido siempre, por más que nos escandalicemos.
"Estado de sitio" habla concretamente de la situación de Uruguay a principio de los 70's y del movimiento de los Tupamaros. Que eran lo que tantos grupos juveniles en momentos críticos: una organización que trataba de hacer presión en el gobierno como fuera.
Al igual que otras películas de Costa-Gavras, a pesar de tratarse de un momento delicado, no basan la fuerza de sus argumentos en la acción. Vemos muchos hombres armados, algunas semblanzas hacia la tortura, pero la esencia de la trama transcurre en el diálogo.
Philip Michael Santore es secuestrado en las puertas de su casa y puesto a disposición de un grupo de jóvenes burdamente enmascarados que lo someten a largas entrevistas cargadas de denuncias. No hay nada de violencia en ello, incluso todo se desenvuelve con la mayor educación posible mostrando tanto la sangre fría del norteamericano como la filosofía del grupo. Todo esto alternándose con la situación que se desenvuelve fuera a raíz de las declaraciones y peticiones del grupo, y también con algunas escenas aisladas que enfatizan las acusaciones que se le hacen al norteamericano por apoyar, en representación de su país, la violencia y abuso por parte de las autoridades de Uruguay, Brasil y otros países latinoamericanos.
La película no es tan thriller como otras que he visto del director porque parece menos interesada en el modo en que se desenvuelven las circunstancias que en exponer del modo más claro una denuncia social con todas sus letras. Y en cuanto a ello parece casi intrascendente si los rehenes son liberados, si el grupo es aprehendido, cuanto que casi todo lo sabemos de antemano desde el principio.

23.6.09



23/06/09
Tenía las mejores intenciones de actualizar esto ayer para dedicarlo de algún modo a Patri, que no sólo fue quien me dijo que buscara la película, recomendándola entre sus favoritas de terror, si no que también cumplía años.
Como no pude, trataré de enmendarlo al reseñarla hoy y aprovechando que ya anda por ahí circulando en los cines el remake de esta película de Wes Craven, quien tiene al menos la precaución de producir los remakes de sus clásicos.



"We don't wanna off someone first night out. I mean, it'd be a shame to get this floor all messed up with blood"

Uno de los problemas de los trailers actuales es que te cuentan prácticamente de qué va toda la película. Así que con la anacrónica referencia del remake (aunque fuera musicalizado con un hermoso cover de 'sweet child of mine' por taken by trees) ya tenía una idea de qué iba la película. Ahora lo que había que descubrir es cómo llevaron a cabo la trama en los 70.
Yo admito que por momentos suelo tener un problema con películas viejas, y es que a veces no puedo evitar establecer una distancia que hace que no me involucre demasiado en lo que veo. Es algo en la ambientación que a veces me parece muy artificiosa, con ese estilo tan peculiar de las dramatizaciones antiguas.

Algo así me pasó con "The last house on the left" (que, por cierto, el título me parece hermoso, ¿por qué arruinan las traducciones con "La venganza de la casa del lago"?). Sí había algo que me cautivaba en la simplicidad casi utópica de la trama pero a la vez no podía dejar de pensar que la puesta en escena era algo ingenua. Me gusta Craven y creo que la idea en que se fundamenta su película es muy buena, y que ahondar en ciertas nociones más complejas de los asesinos y de las reacciones de las personas más nobles ante circunstancias extremas es de lo más interesante. Pero creo que no puede escaparse por completo a ciertas convenciones de la época: personajes que por momentos quedan acartonados, situaciones que uno no puede creerse porque rallan en lo inverosímil. Y podríamos creer que la violencia era distinta en aquel entonces pero me cuesta creerlo, al menos de ese modo tan falto de matices: éste es el asesino que es un maldito porque sí, ese es el asesino misógino, esa es la mujer del asesino que está algo loquita pero sigue respondiendo a su papel de fémina, ese es el chico buena onda cuyas circunstancias adversas lo han vuelto asesino. Suena muy fácil, y también las circunstancias en que se cruzan con las chicas que harán sus víctimas son muy fáciles como para que uno se las trague por completo.

Y creo que, principalmente, no hay justificación en el conjunto porque conforma escenas que por sí mismas son muy buenas. Una de ellas son las torturas a las que son sometidas las jóvenes, que van más allá del simple 'mato porque es mi rol en la película'. Creo que hay un interés por mostrar la morbosidad por la violencia, la búsqueda de la degradación humana. Y si la vemos así, independientemente, lo consiguen de cierta manera, aunque en otros momentos no nos podamos explicar cómo llegan hasta ese punto los personajes.
El otro momento, que me pareció simplemente glorioso, es el sueño que tiene Podowski, uno de los asesinos, mientras está en la casa (la que está en el lago y busca venganza, ¿no?). En su sueño siente la amenaza de los padres a través de imágenes oníricas en que es sometido a un inusual procedimiento dental. La escena me parece magnífica porque de un modo sencillo alcanza significados increíbles.
El problema es que estas circunstancias parecen aisladas, mientras que otros momentos que podrían haber tenido la misma fuerza parecen resolverse de modos casi lúdicos. El encuentro entre la madre y el mismo Podolwski me parece una de las representaciones menos afortunadas de la película.

Es de esas películas en que terminas con la sensación de que te gustó la idea, la película no te pareció mala pero crees que pudo mejorarse en muchas cosas. Y ya lo comenté con Patri, quien es fan acérrima, y es que yo tengo la sensación de que el remake llenará muchos de esos huecos. Es decir, probablemente no habrá tanta sangre al más puro estilo serie B, pero creo que de la violencia actual es de lo menos que podemos quejarnos.




¿Cuál es tu película favorita de Wes Craven?