"Guru", Mani Ratnam

Y cerramos el maratón de Aishwarya Rai con otra película de Mani Ratnam, estrenada justo una década después de la anteriormente comentada "Iruvar", con la que comparte muchos puntos temáticos: historia biográfica libremente inspirada en un personaje real, una trama que implica encuentros y desencuentros entre sus dos protagonistas, y un retrato de la sociedad india a través de un 'hombre común' que sobresalió dentro de su contexto local. Este 'gurú' es Gurukant Desai, interpretando en la ficción y en la realidad el papel de esposo de Aishwarya. 

"But there is one thing you can never snatch from me: my courage. I won't lose that. Because my courage is the common man's courage. This country's courage"

Tras el resultado de "Iruvar", la premisa de "Guru" no podía sonar menos atractiva. Si al menos en la anterior película la trama ligaba al personaje a los mundos del cine y la política, Gurukant Desai (inspirado en Dhirubhai Ambani), es un hombre cuya vida se volcó al negocio de las telas. a niveles tan técnicos como para entrar en detalles sobre la producción del poliéster en India. Su contraparte, no tan enfatizada en la historia, es el editor Manik Dasgupta, quien pasa de ser una figura paternal al principal crítico del obsesivo deseo de éxito de Gurukant. 

La historia pasa por las fases usuales en una biopic, especialmente en las que se centran en la búsqueda desesperada de un sueño a toda costa: Desai es el hijo de un maestro de pueblo que sueña con triunfar en la vida, negándose a desalentarse ante la aparente imposibilidad de sus sueños. Empezando desde abajo, su agudo sentido para los negocios y su despiadada destreza lo lleva a convertirse en el dueño de un imperio industrial. Y en esta gran épica personal, se entrecruzan las pasiones sinceras y las acciones calculadas, personajes que se ven atrapados en su torbellino y que luego buscan no ser parte de él. Una red de desencuentros que conforman una clásica historia de ambición al tiempo que retratan una faceta no demasiado explotada en cine de la sociedad india.

Y si uno puede empezar creyendo que poco puede interesar una trama sobre empresarios del poliéster, se encuentra pronto con la sorpresa de que la película consigue arrancar con una fuerza inesperada y atrapar al espectador en esa particular mezcla entre el thriller, el drama y el musical que sólo el cine indio puede conseguir. Una década después se nota el refinamiento del director con un guión mucho más perfeccionado y a través del cual se aprovechan al máximo a sus poderosos personajes. Abhishek Bachchan, hijo del legendario actor Amitabh Bachcha y quien durante el estreno anunciara su compromiso con Aishwarya Rai, consigue transformar maravillosamente a su Gurukant de un joven inexperto pero ambicioso en un magnate incontenible. Y aunque los demás personajes giran practicamente alrededor suyo, son capaces de dar fuerza y vida a un abanico de historias que complementan esa revisión de los años 50. Destacando particularmente la particular relación entre Meenu, una joven con esclerosis múltiple, y el periodista Shyam Saxena.

Una sorpresa bastante inesperada y que demuestra una vez más que Bollywood no es sólo bailes e historias de amor. Y que los números musicales no están nunca de más, aunque las películas hablen de enfrentamientos mercantiles y corrupción. 

¿Película de Aishwarya Rai favorita?

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"Iruvar", Mani Ratnam

Continuando lentamente con el maratón de más que reconocida Aishwarya Rai, nos encontramos con que una de sus más reconocidas producciones es justamente en la que debutó por primera vez en la pantalla grande, tres años después de haber obtenido el reconocimiento de Miss Mundo. Y seguimos con las películas históricas.

"When will there be a revolution in the country? Isn't it our responsibility to bring that revolution?"

"Iruvar" quiere decir 'el dúo' y la película no tarda demasiado en mostrar quiénes serán los personajes que conformen ese eje capital que dé dirección a la historia. Anandan es un joven que sueña con ser actor y se encuentra con una cerrada industria (la del cine Tamil, concretamente) en la que no puede conseguir más que pequeños papeles. Justo antes de una audiencia en la que espera el favor de un familiar, conoce al guionista Tamilzhchelvan quien accede a escribir unos diálogos para él con los que termina por hacerse del papel principal. Aunque los une el cine, las búsquedas de ambos parecen ser por completo distintas: un hombre que busca la fama y otro que está más interesado en la política y en tratar de cambiar al pueblo. Sin embargo ese primer encuentro los unirá para siempre en un irregular camino donde coincidirán tanto como se pondrán el contra del otro.

La historia está fuertemente inspirada en la relación histórica entre dos importantes figuras de la zona Tamil Nadu (al extremo sudeste de la India), M. G. Ramachandran y M. Karunanidhi. Dos iconos sociales que se movieron entre el mundo del cine y el de la política, creando una particular y difícil relación durante los 80 que perduraría más allá de sus logros individuales. Aprovechando la usual estructura cinematográfica en que los amigos pueden volverse enemigos dependiendo de las circunstancias, "Iruvar" aprovechar no sólo el retrato íntimo de dos hombres, desde sus ideales hasta sus pasiones y sus luchas de egos; sino que también hace un recorrido por una faceta distinta del cine indio (para que no creamos que todo es Bollywood) y de su sociedad durante una época específica. Con sus dos horas y medias de duración, son diversos y variados los fragmentos de vida por los que podemos adentrarnos y tener distintas visiones de estos personajes.

Mani Ratnam, el director y co-guionista, demostraría en otras ocasiones su interés por las historias reales, sobre todo las que se erigen sobre personajes prominentes de la vida diaria en la India, y aunque "Iruvar" sea una de sus piezas más reconocidas e incluso considerada una película destacada a nivel nacional e internacional, lo cierto es que el prolongado retrato de una relación con tantos altibajos puede terminar por ser bastante cansado sin terminar por conseguir la fuerza buscada. Si uno desconoce por completo la historia detrás de los protagonistas, sí que se enterará de las líneas generales de lo sucedido, pero seguramente no entenderá por qué llegaron a ser tan relevantes para su sociedad. Y es que pese a tener buenos momentos, la duración y el ritmo no ayudan a una historia que quizás tras el par de décadas que han transcurrido después de su estreno, no consigue dar un golpe contundente.

Y hablando del debut de Aishwarya, su papel es más bien secundario y no demasiado destacable, interpretando tanto a la joven y provinciana esposa de Anandan y a una más dinámica actriz debutante (metaficción y papeles dobles, el cine indio los ama). Fuera de su temprano encanto en pantalla, no se puede decir que ésta sea realmente una película que represente su potencial o su carrera.
Y no sólo seguimos con ella sino también con Mani Ratnam. Descúbralo en nuestro próximo episodio.




¿Otras películas que combinen cine y política?

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"Jodhaa Akbar", Ashutosh Gowariker

Así como he estado reseñando los breves maratones de directores pendientes que he visto últimamente, ya tocaba el turno también a la revisión de algún actor imperdible. Y ya que estábamos en esas, ¿qué mejor manera de iniciar que con la Reina de Bollywood? El ícono más reconocido a nivel internacional de esta enorme industria: la preciosa Aishwarya Rai. Y si encima en la primera película compartiría pantalla con el atractivo Hrithik Roshan, yo no podía quejarme.

"You know how to wage war and conquer. But do not know how to rule"

Las tres películas con mejores críticas de Aishwarya Rai se alejan de la imagen más estereotípica y pastelosa de un Bollywood eminentemente romántico, y sin faltar tampoco en ese detalle se acercan más hacia las superproducciones con un valor histórico o social añadido. En el caso de "Jodhaa Akbar", es la épica del matrimonio real entre el Akbar, Emperador del Imperio Mongol y musulmán, y Jodhaa, Princesa Rajput e hindú. 

Durante el Siglo XVI el emperador Akbar se vio al frente de un vasto y complejo imperio, que lo llevó hasta acordar un matrimonio de conveniencia con la princesa Jodhaa, quien fuese prácticamente sacrificada para asegurar la alianza por la zona Hindu Kush. Pese al revestimiento histórico y político que da inicio a la película, la historia de amor se maneja por caminos bastante conocidos: una mujer destacada e independiente se ve forzada a un matrimonio que no desea pero que debe aceptar por el bien de otros, en este caso de su familia y su pueblo. El primer encuentro entre ambos parece disponer un abismo que pronto Akbar se propone salvar, en un primer momento por el bien de ambos y finalmente por el firme deseo de estar con Jodhaa, quien se va rebelando como una esposa a la altura de las circunstancias de Akbar.

Si todo esto parece que nos regresa al estereotipo inicial y dramáticamente cursi, la película logra sortear bastante bien el punto esencial de la trama (la relación entre ellos, antes que la cuestión política) al adoptar un tono propio de historias clásicas: Él era un noble emperador, ella una valerosa mujer. Aunque parezca redundante lo buenos, nobles, conscientes y sacrificados que son sus personajes (y eventualmente su amor), la interpretación de los actores consigue que uno se crea esa historia de héroes y heroínas que se aman en momentos difíciles con bastante naturalidad. Aunque las tres horas y media de metraje puedan disuadirnos un poco por momentos.

A la historia de amor se le añade la cuidadísima producción en lo que refiere a vestuario, escenografías y paisajes épicos (no tanto en lo que refiere a algunos elementos de sus efectos especiales, pero supongo que es difícil tener muchos elefantes entrenados a disposición) y un contexto político y social que no desaprovecha los culebrones amorosos ni la intriga política. Todo lo cual finalmente funciona en gran medida por el carisma de sus protagonistas y lo bien que lucen como pareja. El director comentaría que fueron sus primeras opciones para el casting y es posible que la producción no hubiese resultado tan bien con otros actores. 

Aishwarya, como pueden ver, luce además excepcionalmente hermosa con esos elaboradísimos tocados. Y apenas vamos empezando con el maratón.

¿Otras épicas románticas históricas que les gusten?

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"The legend of Boggy Creek", Charles B. Pierce

Así como en el terror-cámara-en-mano podemos establecer categorías por la estrategia audiovisual (falso documental, found footage, etc), también podemos hacerlo por el tema alrededor al cual gira la historia. Terror con fantasmas, con zombies, con demonios, psicológico. Y dentro de todas esas criaturas quizás hayan más películas sobre Pie Grande de las que podríamos imaginar, así que empezaremos con la que probablemente sea más antigua de todas (y que apenas entra dentro del 'falso documental'), "The legend of Boggy Creek".

"I been livin' in these bottoms fer all my life, and I ain't never seen nor heard no monster!"

"The legend of Boggy Creek" es precursora del falso documental de terror y una de tantas películas que en los 70 se colgaron el cartel de estar basada en hechos reales, aunque la mayoría de lo que se mostrara en pantalla fueran recreaciones dramáticas de situaciones que en el mejor de los casos no había modo de comprobar. Y si tras todos estos años y el evidente envejecimiento de sus estrategias hay algo que todavía pueda darle algún valor a la cinta es, sin duda, la parte más seria de la investigación detrás de lo mostrado. El deseo real de hablar de una criatura sobrenatural en tono documental.

La criatura no es exactamente Pie Grande, ya que de por sí es difícil hablar de Pie Grande como una sola especie o una sola criatura particular. El protagonista de esta leyenda es el Monstruo de Fouke, quien sin duda comparte muchas características con el Sasquatch, y que se dice ronda por el estado de Arkansas. La estrategia entre la realidad y la ficción, el documental y la dramatización, parte de entrevistas con personas que contaban haber tenido distintos acercamientos con la criatura y que participaban en las recreaciones de las mismas. Secuencias que van desde la charla local hasta la escena típica de película en que una familia dentro de una casa en medio de la nada comienza a escuchar ruidos afuera en medio de la noche. Con una voz en off que a modo casi de reportaje nos va guiando por los pormenores de la paranormal historia que nos concierne, la película parece más concentrada en asustarnos con la posibilidad de que todo ello pudiera ser real (y dado que los 70 fueron el momento en que más sonaba la leyenda, seguro que mucha gente creía que lo era) que con las escenas en sí mismas que no tienen reparo en mostrar su bajo presupuesto ya que no dejan de mostrarse como una efectiva ilustración de lo que se decía estaba ocurriendo en el condado. 

Con estas intenciones, la película no tiene que preocuparse demasiado por sus efectos especiales e incluso puede darse la oportunidad de no concentrarse del todo en el terror. Pasando por datos surreales y situaciones que incluso caen en lo cómico con una mirada actual, la película difícilmente nos asustará pero funcionará bastante bien como revisión a un fenómeno criptozoológico como que éste pariente lejano de Big Foot. Incluso esos detalles que no envejecieron del todo bien (y que quizás ni siquiera eran muy buenos para la misma época, siendo que Charles B. Pierce grabó todo con apenas un préstamo y una cámara) terminan por darle un toque apropiadamente retro a un documental con un punto serio en su planteamiento, a diferencia de otras 'películas reales' de la época como "La masacre de Texas": la posibilidad de que ahí afuera, el Monstruo de Fouke fuera real. 

La película también es predecesora de ese fenómeno al que toda cinta de terror-cámara-en-mano aspira que es el 'yo grabé esto con dos pesos y recuperé muchos millones'. Nada mal para alguien que sólo quería grabar a un disfrazado peludo corriendo por los bosques.

Y al parecer a partir de entonces el terror dedicado a Pie Grande se fue terriblemente al diablo. Pero ya tendremos tiempo para hablar de eso luego.

¿Películas sobre criaturas criptozoológicas que les gusten?

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"Grave Encounters 2", John Poliquin

¿Terror malo para cerrar e iniciar el año? Eso hablo mucho de mí y de este espacio, y aunque mis reseñas van muy pero muy atrasadas, también habla de la maravillosa tradición que tengo de enfocarme especialmente en este género durante fechas navideñas. Porque nada une más a una familia que asustarse junta. 

Con todo, aprovecharé que nos toca hablar de "Grave Encounters 2" para robarme el texto que sobre ella escribí ya hace algún tiempo para la página de 3GB. Casi no cuenta como hacer trampa.

"He opened a gateway, you know? He took the real world and the spirit world and he mashed them together"

Un fenómeno recurrente en los últimos años con el cine de terror son esas pequeñas producciones, bastante caseras, que suelen colgarse de estrategias previas y que fundamentan su ‘éxito’ en lo poco que necesitan para llamar la atención por encima de las otras mil que están tratando de hacer lo mismo (puede parecer poca cosa, pero sumérjanse en el mundo de las producciones de terror barato y encontrarán un micro-universo de dolor y pésimas decisiones). Si el asunto pega, la secuela está garantizada y encima tiene más posibilidades de llegar a los cines.

El primer “Grave Encounters”, estrenado hace tres años, nos prometía un programa paranormal canadiense metiéndose *a donde nunca debieron haber entrado*. Ya conocemos ese esquema: grupo de personajes más o menos escépticos, aprovechando un furor paranormal, se topan con un fenómeno real y se los lleva el carajo.

Con esa premisa tienes una excusa fácil para que el grupo haya ido al sitio, para que estén grabando todo el tiempo, y para constituir una cierta psicología e interacción de personajes que se distinga un poco de lo que usualmente vemos en estas tramas. No voy a defender demasiado al primer ‘fenómeno siniestro' pero cumplía con lo que prometía e incluso sus fantasmitas distorsionados daban un par de sustos decentes. Decentes, eso es lo que espero de un grupo de idiotas entrando en un asilo psiquiátrico maldito, ¿es mucho pedir?

Aparentemente sí. ¿Qué se puede hacer con la secuela de un programa paranormal que ya se fue al carajo? ¿Tratar de repetir la fórmula? ¿Tratar de dar un giro inesperado y verlo bajo un nuevo enfoque? ¿Todas las anteriores?

Alex es un estudiante fácilmente impresionable que ve “Grave Encounters” (la película, no el programa de televisión) y sabe que es real, ¡no una película de bajo presupuesto como todos creen! Sus amigos, más familiarizados con el género de falso documental, tratan de hacerle ver que todo eso son efectos especiales pero él está convencido, así que se pone a investigar y descubre que ¡todos los involucrados en la primera película han desaparecido! ¿Cuál es entonces el siguiente el paso lógico? Claro, juntar tu propio equipo de grabación e ir al sitio donde todos fueron vistos por última vez, el hospital psiquiátrico maldito, y descubrir la verdad.

Lo que se había presentado en la producción anterior como una estructura bastante sencilla para justificar una película de terror, aquí siente la necesidad de complicarse con estrategias más ‘modernas’ y meta-textuales. Que si en el universo de esta segunda película la primera existe pero fue un engaño para hacerse pasar por producción, que si Alex consigue algunas de sus pistas a través de un enigmático usuario virtual que le pasa datos que nadie más tiene, que se convence que no sólo tiene que descubrir la verdad sino documentarla en su propia película (para que en la tercera alguien vea “Grave Encounters 2″ y ¡sepa es verdad! ¡que todo eso pasó!). Al tiempo que vuelve a aprovechar el hospital maldito, los fantasmas desfigurados, y algunos otros guiños muy poco afortunados de la primera.

Yo sé que a estas alturas no queda nada demasiado original en el género de terror (ni en casi ningún otro género), pero creo que parte del encanto es poder aprovechar todo lo que se ha hecho sin que parezca un remedo de ideas ajenas (hola, Tarantino). Y en el momento en que cada cosa que sucede me lleva a pensar en otra película que haya utilizado esa estrategia con mejores resultados, es que la cosa no está funcionando. ¿Alguien tomándose una primera parte como si fuera real y tratando de reproducirla? Ya teníamos un perturbado mucho más convincente en “El ciempiés humano 2″. ¿Usuarios virtuales enigmáticos que nos dan información que nadie debería tener? Es difícil competir con ToTheArk de “Marble Hornets”. Ya no digamos que si nos vamos a hospitales malditos, grupos de grabación idiotas y fantasmas desfigurados, podemos hacer buffet con tanta producción de bajo presupuesto.

Con todo, me inclino a pensar que habría podido pasar por alto todos esos detalles (o al menos no hubieran parecido tan terribles) sino tuviera un protagónico tan insoportable.

También es algo bastante recurrente en el género, configurar al protagónico como un ser humano detestable e hiper-controlador para tener una excusa por la cual un obseso se preocuparía tanto por tener las cámaras rodando toda la película y que podamos presenciarlo todo sin comenzar a preguntarnos ‘¿quién se preocupa por grabar algo cuando una serie de fantasmas te persiguen para asesinarte?’.

Para lo poco rescatable que podía tener la premisa de la película, añadirle personajes insoportables no parece la mejor decisión. Y bueno, si a uno le gustan los sustos baratos y no le preocupa la historia quizás (quizás) podría no estar tan mal. Pero habiendo tanto  terror barato bastante decente, seguro pueden optar por otras opciones.

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"Diary of the Dead", George A. Romero

Y el año no puede terminarse sin un poco más de terror. Que es justamente lo que abunda en mis fechas navideñas aunque ya no tantísimo cámara-en-mano, después de esta sobredosis. Y para mostrar que todos se subieron a este tren, George A. Romero decide añadir una pieza más a su saga de zombies con un poco de falso documental. 

"There's always an audience for horror; believable horror"

Y sí, esa eterna audiencia para el terror que nunca aprende su lección sin duda soy yo. Por qué Romero decidió que 20 años después había que sumarle dos producciones a su reconocida trilogía de muertos vivientes es un misterio, pero nada en "Diary of the dead" parecía apuntar a que fuera a ser una buena película, por más que quisiera colgarse de cualquier relación con sus predecesoras. 

Un grupo de estudiantes están por filmar una película de terror cuando el mundo entero se vuelve una trama de terror repleta de zombies. Lo que habría sido una cinematográfica aventura en grupo es ahora una lucha por la supervivencia y la búsqueda de sus familias, todo estratégicamente grabado a cada momento. Por si sobreviven, quizás con esas grabaciones puedan finalmente graduarse, ¿no?

La película empieza el mismo día que "La noche de los muertos vivientes" y es bastante claro que busca actualizar el contexto que Romero creó para el nacimiento del zombie actual, lo que en este caso representa un montón de protagonistas adolescentes, cámaras en mano y efectos digitales. Nada de lo cual parece acercarse remotamente a aquello que consiguió hacer del director una figura de culto en su momento. La premisa es bastante tópica y parecida a cuanta película cámara-en-mano se les ocurra, los personajes son mayormente planos e idiotas (como casi todos los de este sub-género) y tras tantos años de producciones zombies hay poco que pueda lucirse de estos muertos vivientes en una historia de lo más simple. En lo que parece un intento por economizar y/o aprovechar las herramientas más a la mano (después de todo la producción en esta ocasión corre a cargo del mismo director), la cinta termina cayendo en el mayor problema de esta estrategia: que lo práctico se vea barato. Sin buenas actuaciones o elementos sorpresivos, "Diary of the dead" va directo al montón de películas cámara-en-mano que aparecen cada año y se olvidan fácilmente. 

Que, tomando en cuenta los terribles ejemplos que hay en esta categoría, es cierto que tampoco resulta ésta resulta particularmente mala, pero tras esa concesión no queda nada que rescatar de ella. 

O quizás sí, el dato curioso de que hay cameos de voz de medio mundo: Quentin Tarantino, Stephen King, Simon Pegg, Guillermo del Toro y Wes Craven. Mucha suerte reconociendo voces. 

Yo sé que tampoco el género de zombies está pasando por su momento, pero me cuesta creer que alguien haya dicho de esta película que Romero seguía siendo *el* director de cine de zombies. 

¿Última película de zombies que hayan visto y les haya gustado?

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"100 Ghost Street: The return of Richard Speck", Martin Wichmann

Porque nada mejor para celebrar la navidad que recordar mis terribles maratones de terror-cámara-en-mano, justo en el momento en que se aproximan a sus peores exponentes. Así que, llegamos a los asesinos seriales paranormales.

"Ocho muertes en una sola noche por un solo hombre: Richard Speck"

Las tramas usuales de reporteros/documentalistas/investigadores de lo paranormal/idiotas que se adentran en casas embrujadas para grabar y morir horriblemente, se encuentran con otro elemento tan propio de la cultura estadounidense como son los asesinos en masa. En 1966 Richard Speck irrumpió en una casa que servía como dormitorio para un grupo de enfermeras en lo que supuestamente planeó como un robo común y que terminó siendo una masacre que involucró la tortura, violación y muerte de casi todas las jóvenes que se encontraban esa noche, con una única superviviente.

¿Por qué estos 'investigadores de lo paranormal' creían que en dicha residencia (que, por cierto, sí que estaba en una calle '100 street') se encontrarían con el espíritu del famoso asesino siendo que él murió mientras cumplía su condena en prisión (y no los espíritus de ocho pobres enfermeras asesinas, por ejemplo)? No es la única pregunta lógica que se escapara a la premisa tanto de la película en sí misma como del supuesto video que están grabando sus protagonistas, entre los que obviamente no pueden faltar todos los clichés del género. Presentadora, espiritista, chicas guapas, un montón de técnicos, todos actuando como unos idiotas en un enorme edificio que parece más un hospital psiquiátrico abandonado que una casa-dormitorio normal. Porque si fuera una casa normal uno tendría que ahorrarse los laberínticos pasillos y los mil cuartos y la gente dispersa y asustada y los rincones secretos y tenebrosos. Mezcle todos estos elementos y no necesariamente tendrá una película decente. 

No me atrevería a decir que es de las peores que he visto en este tortuoso maratón de falsos documentales porque seguro hay muchas que compiten por este título. Y por algo la recuerdo, aunque sea por su premisa absurda, su [spoiler] fantasma violador (recurso que no será la última película en que aparezca) [fin del spoiler], o por mi conocimiento sobre asesinos famosos y lo poco que se parecen a sus adaptaciones cinematográficas. 

En definitiva, si tienen un mínimo aprecio por el terror y/o el recurso cámara-en-mano, ésta es de las películas a las que uno debe huirle como la peste.

¿Y qué mejor modo de desear una feliz navidad?

¿Películas sobre asesinos reales que les gusten?

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"Nuit et brouillard", Alain Resnais

Y si estamos hablando de Resnais teníamos que cerrar este ciclo necesariamente con la fantástica "Noche y niebla". Muy navideña opción, sin duda.

"War nods off to sleep, but keeps one eye always open"

A diez años del final de la Segunda Guerra Mundial, "Noche y niebla" regresa a los más oscuros y devastadores rincones del genocidio perpetrado para hablar de historia y para repetir las mismas preguntas que seguro no dejaron de hacerse desde aquel momento. ¿Cómo se llegó a eso? ¿Quién es responsable?

Las atrocidades sufridas durante aquel periodo fueron denunciadas casi en seguida. Jean Cayrol, guionista del documental y superviviente de un campo de concentración empezó a escribir al respecto al año de ser liberado. Pero incluso ahora, casi 70 años después de dar fin a ese episodio, y con tanta información y perspectivas con las que actualmente contamos, resulta imposible mirar con indiferencia un testimonio tan directo pero a la vez tan poético del holocausto. Es el propio Cayrol quien definió sus composiciones sobre aquel periodo de su vida como "Poemas de la noche y la niebla". Y con esa distancia y esas poderosas imágenes en blanco y negro es que nos sumergimos en una noche de la humanidad. 

La dupla Resnais-Cayrol consigue abordar un tema tan difícil y complejo con una dimensión exacta. Sin sacrificar la tragedia pero sin volverla una queja fácil. Las fantásticas imágenes oníricas que consigue el director en sus otras películas, aquí cobran una fuerza única al retratar una realidad sin maquillaje pero cuya dolorosa certeza la hace lucir también como un sueño. Como una brumosa pesadilla. Mientras que el texto, desde su poesía, es un reclamo en primera persona de alguien que atravesó por ese infierno y ahora puede verlo a la lejanía. Regresar a ella, pero ya lejano, visto desde la niebla. 

No se necesitan más de 30 minutos para crear una pieza devastadora. Que no ha perdido vigencia ni con los años ni con las numerosas y nuevas tragedias que se han atravesado desde entonces. Si ya antes comentábamos qué tan imprescindibles podían ser las otras obras de Resnais, ésta sin duda es un visionado obligatorio. 

Y ahora sí: ¿Película de Alain Resnais favorita?

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"L'année dernière à Marienbad", Alain Resnais

Y continuando con Alain Resnais, otro de sus grandes clásicos imprescindibles: "El año pasado en Marienbad".

"I met you again. You never seemed to be waiting for me but we kept meeting each other at each turn, each bush, beneath each statue, beside each lake. It was as if no one had been in that garden but and I"

Resulta curioso en pensar en la Nouvelle Vague y en la fantasía latinoamericana encontrándose de modos inesperados. El guión de "El año pasado en Marienbad" está inspirado en la novela "La invención de Morel", la más reconocida del escritor argentino Adolfo Bioy Casares y uno de los puntos más altos del género fantástico en América Latina. Aunque las historias puedan parecer distintas ambas comparten el extrañamiento. Un desconcierto que va más allá de la atmósfera enrarecida y que dota a los personajes de un cierto aire irreal, como si ellos mismos se volvieran parte de ese sentimiento onírico que los va guiando.

Un hombre y una mujer coinciden en una reunión en un château francés. Él insiste en que se han encontrado el año pasado, en Marienbad, y que ella dijo que lo esperaría ahí. Ella insiste en que nunca se han conocido. La historia es también la imposibilidad de una historia, y de ese modo una serie de secuencias, como entre sueños, los irán encontrando y desencontrando (al igual que al que parece ser esposo de la mujer). Al tiempo que se irán construyendo un espacio fantástico, tanto por sus increíbles espacios como su marco en una historia ambigua, descontextualizada y en la que muchas veces no sabemos cuánto de lo que vemos es realidad o es una ilusión.

Sin duda esta estrategia en la que el tiempo se mueve en ambos sentidos a placer y todo está plagado por un componente onírico, puede hacer que la película resulta difícil de seguir. Pero de este modo se consigue también darle una énfasis particular y poderoso a un tema que ya hemos visto que interesa de manera especial a Resnais: las relaciones humanas. Manifestadas en esta ocasión desde una perspectiva podría decirse que más pura y conceptual que en otras de sus producciones, al despojarlas de las ataduras de la realidad y la continuidad para dejar únicamente los lazos profundos que pueden llegar a unir a las personas.

Con una fotografía fantástica y ese Marienbad maravillosamente irreal, no sorprende que ésta sea una de las grandes piezas de Resnais.




¿Otras películas con espacios geográficos entre la realidad y la fantasía?

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"Mon oncle d'Amérique", Alain Resnais

Y regresando a los mini maratones dedicados a algún director que injustamente no haya sido lo suficientemente tratado en este espacio (o que imperdonablemente no haya sido muy visionado por mí), nos toca ahora hablar del fantástico Alain Resnais.

"I turned militant very young. I was sure we'd change the world. But I wanted it to happen faster. Tomorrow. Today"

A nadie sorprende saber que nuestro comportamiento es una serie de factores biológicos y psicológicos a los que estamos condicionados desde siempre. Que hay algo de ilusión en nuestras decisiones pero que también esa 'combinación de factores' puede escribir una vida. Y así, partiendo de una muy científica explicación del propio naturalista Henri Laborit, Resnais se acerca a la vida de tres personajes que muy bien podrían ser sus propias ratas de laboratorio, o su estrategia para diseccionar la narrativa audiovisual y las teorías psicológicas en una película en la que ficción, teoría y pasiones humanas verdaderas se entrelazan como si no hubiera ninguna distinción entre ellas.

René Ragueneau (un muy joven Gérard Depardieu) es hijo de unos campesinos. Crece sabiendo que por todo hay que luchar, trabajando desde joven y manteniendo tempranamente a una familia. Janine Garnier proviene de una familia proletaria,  pero negándose a seguir el estilo de vida que se le ha impuesto se suma a las juventudes comunistas y se vuelve actriz. Jean Le Gall siempre ha sido burgués y ocupa un importante cargo en el gobierno. Hombre casado, con hijos y católico, no duda en poner todo en juego para irse a vivir con su amante, la joven actriz Janine. 

Las decisiones y rebeliones que cada uno experimenta en sus vidas oscilan entre la idea del libre albedrío y de las inamovibles predisposiciones psicológicas. Humanos tomando decisiones, cediendo a sus pasiones. Ratas peleando dentro de una jaula de laboratorio. 

Resnais consigue no sólo encajar las piezas de su rompecabezas audiovisual de una manera fantástica, sino que logra que las distintas perspectivas de su película sean poderosas e interesantes en sí mismas. Laborit y su académica presentación de la vida resulta fácil de seguir al tiempo que presenta un tema eternamente atractivo: qué nos dicen de nosotros mismos los experimentos sobre conductas. Por otro lado los retratos ficticios de personajes están llenos de matices y conflictos que podrían haber sostenido sin problemas todo el largometraje. Particularmente, pese a que puede parecer un personaje tópico el de la actriz-amante, me resultó cautivante la perspectiva sobre la vida de Janine y el modo en que termina por entrelazarse con la del político. Resnais consigue con estos aparentemente estereotípicos personajes, construir universos sin tener que decir demasiado. 

Aunque no puedo decir que la Nouvelle Vague sea un movimiento del que haya visto demasiado, es fascinante ver cómo cada director y cada proyecto retoma y transforma por completo este episodio de la historia del cine francés. 

Seguiremos hablando de Resnais pronto.

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