"The merchant of Venice", Michael Radford

15/05/12

Interrumpimos el pequeño maratón de Kim Jee-woon para incluir una película del tipo 'sólo la vería si la dieran por la tele y tuviera insomnio', acercándose a la peligrosa categoría de 'cine para ver con mi madre'. 

"If you prick us, do we not bleed? If you tickle us, do we not laugh? If you poison us, do we not die? And if you wrong us, shall we not revenge?"

Ok, exagero. De hecho cuando se estrenó tuve alguna intención de verla y todo, pero yo tengo muchos problemas con las adaptaciones teatrales, y aún más con las adaptaciones de Shakespeare. Y aún más con esta pieza en particular.

Yo sé que, claro, Shakespeare escribió unos cuantos siglos atrás y eran otros tiempos, pero el re-interpretar una pieza de este tipo me genera muchos sentimientos encontrados. Así involucre a Al Pacino y Jeremy Irons disfrazados de italianos de siglos atrás.

Como casi todos sabrán la trama va de que Bassanio se aprovecha de la buena fe de Antonio (y las tensiones homoeróticas entre ambos) para pedirle dinero. Antonio tiene negocios exitosos en altamar pero no tiene efectivo así que tiene que ir donde Shylock, un judío prestamista al que detesta. Shylock acepta prestar el dinero a cambio de que, en caso de no poder ser devuelto, Antonio tenga que pagar la deuda con su propia carne. Todo porque, ya sabemos, Bassanio necesita conquistar a una mujer y no le basta con su propio dinero. La historia de siempre.

Ahora, esto es una gran premisa, yo no voy a rechazar nunca que alguien pague nada con su propia carne. Y si lo pensamos bien esto es un antecedente claro de "Seven" y "Saw". De hecho no sé por qué nadie ha pensado en hacer juegos siniestros por el estilo pero de época, con lo bien que quedaría. 

El asunto son todas las implicaciones ideológicas de la película. Partiendo del hecho de que Shylock es el malo malísimo indiscutible. Y si ciertamente como ser humano no se ayuda mucho siendo un tacaño controlador, en realidad su única villanía explícita en la película es ser judío. Y ya, todo en la película gira alrededor de que a él se lo debe llevar el carajo por su propia naturaleza cuando en casi todas las ocasiones se mueve dentro de todo margen legal. Siendo un tacaño y siendo no particularmente agradable, pero era su dinero, era su préstamo, era un maldito contrato firmado por Antonio por ser un idiota. Luego, eso, que Antonio sea un idiota que exalta la 'verdadera amistad' cuando es claro que Bassanio se aprovecha descaradamente de él. Encima de que es noble e ingenuo, es el que tiene que pagar los platos rotos. Que también es la misma historia de siempre. Luego Bassanio, a quien se reviste con valores de la fuerza del amor, la defensa de la amistad, la sinceridad y blabla, todos sabemos que es un interesado que se iba a casar con Portia por mero interés. Y que si bien va a abogar por Antonio no es más que por remordimiento post-haber sido un pésimo 'amigo'. Ni hablemos de Portia que esto se está volviendo en chismes de telenovelas.

Es claro que las obras de Shakespeare no son como nos gustaría a veces pensarlas, pero éste me parece el caso más descarado de 'no existe un dios' en toda su obra. Y el caso de que se reproduzca cinematográficamente sin maquillar ni un poquito de las implicaciones teológicas de todo esto me hace preguntarme si será una de las pocas producciones hollywoodenses en que no estén implicados judíos o qué.

Ya, si dejamos eso de lado, en aspectos técnicos y en la labor de los actores para encarnar a sus personajes, la película es bastante destacable, aunque eso muchas veces implique que los odies a todos por igual por tomar las peores decisiones del mundo y ser horribles seres humanos. Sobre todo el aspecto visual y el vestuario era precioso. Respecto a la decisión de conservar los diálogos tal cual fueron escritos también me genera sentimientos encontrados y creo que en algunos momentos llegó a ser un poco pesado pero también creo que lo prefiero así a que hubieran tratado de actualizarlos.

Sí, es una posición completamente subjetiva, pero es que no puedo disfrutar una película donde me indigna todo lo que sucede. Así esté Al Pacino de por medio.

¿Película favorita que sea adaptación de Shakespeare?

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"Dalkomhan insaeng", Jee-woon Kim

14/05/12

Seguimos con más Kim Jee-woon. Con una de las piezas más destacadas de su filmografía y sin duda una de las mejores películas de mafias coreanas y asiáticas en general, "A bittersweet life".

"You can do a hundred things right, but it takes only one mistake to destroy everything"

Las películas del director son tan diferentes las unas de las otras pero al mismo tiempo hay un sutil lazo que las une y ello es deliberado. Alguna vez leí una entrevista con Kim Jee-woon donde decía que cada proyecto le despertaba el deseo de trabajar en otro que repitiese algún factor en concreto pero lo manejara de manera completamente distinta. No recuerdo sus palabras exactas sobre la transición entre "A tale of two sisters" y "A bittersweet life" pero voy a suponer que se trata del manejo de la oscuridad y de las búsquedas personales, pero en ese cambio del horror al cine de mafias. 

Sun-woo ha trabajado fielmente para su organización durante siete años, se encarga de cualquier trabajo sucio y de arreglar cualquier problema. Durante esos siete años sus resultados han sido impecables, tanto por su capacidad para hacerse cargo de ellos como por su personalidad inalterable. Su jefe sale de viaje durante algún tiempo y le encarga vigilar a cada momento a su nueva amante, una chica estudiante de música. El trabajo parece ser demasiado mínimo para alguien como Sun-woo pero al parecer para el jefe nada es suficiente para mantener los ojos sobre su nueva adquisición, sobre todo porque sospecha que ésta tiene un amante. Y lo que parece ser un trabajo sencillo está por desordenar todo su mundo.

El título original de la película, al que se hacen un par de guiños durante la trama, es "The sweet life", que resultaba quizá una mejor metáfora-paradoja para el desarrollo de la trama que el título que se eligió para su distribución internacional.

La película es increíblemente elegante, limpia, está hecha con un ritmo, un cuidado visual, que nos remite a esa elegancia propia del film noir, del que sin duda toma influencias sin que ellas resulten en meras obviedades. Como tal la película puede ser vista de tres maneras distintas: como una película de  mafias, como una película de amor o como una película de descubrimiento personal. El resultado es cada una de ellas y al mismo tiempo no del todo, balanceando todos esos componentes para que en ningún momento tengamos la sensación de que uno está primando por encima de los demás. Hay acción, hay brutalidad, pero también hay una redención a través de la figura tópica de la mujer, pero también hay la delimitación de una personalidad protagónica en sí misma. Todo esto encarnado de manera fantástica por Byung-hun Lee, que ya todos deben saber que lo amo, y que prácticamente lleva la película solo, porque todas las demás participaciones son bastante fugaces y entendemos todos los sucesos de la película siempre de manera directa en relación a él.

He leído muchas críticas que se centran en alabar la sutileza de la cuestión amorosa pero tratándola como si fuese eso, una película romántica. Si bien es claro que es un factor más que trascendente, yo creo que el movimiento final más que ser provocado por una cuestión amorosa gira alrededor del concepto de confianza y lealtad. Algo mucho más personal y mucho menos cerrado a una relación de género. Si bien Min-a Shin es fantásticamente elocuente con sus pocos diálogos y apariciones y manifiesta una fuerza increíble para mover la trama, para mí resulta muchísimo más poderosa la escena final entre Sun-woo y su jefe, el señor Kang, que cualquier posible implicación amorosa. 

Independientemente de lo que yo piense de Byung-hun Lee queda claro que al director también le encanta ya que desde entonces no se suelta de él y han vuelto a trabajar juntos en "El bueno, el malo y el raro" y "I saw the devil". Aunque con eso de que al parecer Kim Jee-woon va a ser un salto hacia hollywood dirigiendo una película sobre drogas en la frontera con México (uy), supongo que costará trabajo incluir a Byung-hun en su próxima película. Aunque dice imdb que éste también estará dando vueltas por Estados Unidos participando en la secuela de "G.I. Joe" (que ya había participado en la primera parte) y en la de "Red". Seguro que también será un ninja.

¿Película favorita de un individuo en busca de redención?

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"Choyonghan kajok", Jee-won Kim

13/05/12

Ahora sí, hablaremos de otro pequeño maratón en forma. Por esas fechas me decidí a verme toda la filmografía de Kim Jee-wong, un director que me encanta y que tampoco es que tenga demasiadas películas. Y qué mejor que comenzar por el principio, con "The quiet family".

"But day by day our hopes turned into shattered dreams"

Yo no sabía, hasta ponerme a revisar la filmografía del director, que su primera película llegaría a ser más conocida precisamente por su remake. Y, qué sorpresa, que dicho remake es la película de "The happiness of the Katakuris" de Miike. Si hacemos el recuento a la inversa suena ya un poco delirante que se trate de hacer una trama como la de los Katakuri pero con tono mínimamente serio. También parecería un poco extraño imaginar a Kim Jee-won haciendo una película de humor negro pero ya los que estén familiarizados con él saben que precisamente su estilo es no repetir géneros. Algo en lo que comulga un poco con Takashi Miike, además.

La familia en este caso es la familia Kang. El padre compró una propiedad, un pequeño hotel a las faldas de un monte, por un buen precio y puso a toda su familia a trabajar en él, incluyendo al tío. El negocio no tiene pinta de prosperar porque no pasa una triste alma por allá, y todos comienzan a perder las esperanzas hasta que algunos caminantes despistados pasan por ahí y parece ser que las cosas no irán tan mal después de todo. Eso hasta que se den cuenta de que todos los que se hospeden en su pequeño negocio parecen condenados a un destino funesto que, además, no les ayudará demasiado con el propio.

El primer problema a librar es que, habiendo visto primero el remake de Miike, uno tiene que quitarse la idea de que la película va a ser psicotrónicamente extraña. Nada de animaciones de ángeles de plastilina, nada de zombies cantando, nada de personajes totalmente trastornados. Algo hay de ello, pero en tono realista y de fondo, apenas la posibilidad. El humor es sobrio, oscuro y el ritmo de la trama se ajusta a la cotidianidad y nadie va a ponerse a bailar de un momento a otro. Y la verdad es que por momentos es difícil, seguro que sin dicho antecedente la película se podría disfrutar mucho mejor porque, ajá, encima ya sabes lo que va a ocurrir en cada momento y entonces pierdes hasta la posibilidad de sorpresa. 

Para lo cual lo que voy a rescatar es la trama, que funciona bien en ambas versiones y que siendo relativamente sencilla es bien trata, tiene su toque mórbido y genera situaciones delirantes si bien no tendiendo a la carcajada fácil (que la hacen mucho más digeribles que algunas otras producciones del género por parte de países asiáticos donde corremos el riesgo de no entender lo que resulta tan curioso). A mí en general toda la idea de la familia frustrada que quiere lograr algo en conjunto a pesar de sus problemas y que se encuentra con todavía más problemas pero por completo ajenos a ellos, me gusta y me parece que se aprovecha en toda su dimensión.

Y de ahí también destacamos el casting, comenzando por los ahora tan famosos Kang-ho Song (el padre en "The host") haciendo del hijo y Min-sik Choi ("Oldboy", por excelencia) como el tío agregado. Además a In-hwan Park, el padre, volveríamos a verlo en "Thirts" de Park Chan-Wook, y una de las hijas, Ho-kyung Go, repetiría con este mismo director en su siguiente cinta (al igual que Kang-ho Song), "The foul king". De la que hablaremos pronto.

De modo que si alguien tiene pendiente todavía ver "The happiness of the Katakuris" puede que quisiera intentar primero con esta pieza tan olvidada y luego continuar con el delirante mundo de Miike, estoy segura que la ecuación en ese orden cobraría un significado por completo diferente. 

¿Película favorita de una familia enfrentándose a problemas?

Décimo y Últimooo Día del Maratón de Cine Bloggers. ¿Lo disfrutaron?

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"13B: Fear has a new address", Vikram K. Kumar

11/05/12

Puestos a catalogar el terror por su nacionalidad de producción, del mismo modo en que comentaba que el de Tailandia es probablemente el que menos me gusta, tengo que añadir que el de la India es el que menos entiendo. Tampoco es que haya visto tanto pero a cada muestra sólo queda claro que hay algo que no estoy entendiendo del todo.

"Casa nueva, serie nueva"

Es claro que ahí hay un abismo cultural que todavía no sé por dónde sortear, pero es que uno creería que más o menos las mismas cosas deberían provocarnos miedo a todos sin depender demasiado de nuestras culturas. Pues error. 

Mahonar y toda su familia se han mudado a un nuevo departamento en un edificio recién construido. Han ahorrado mucho para poder darse ese pequeño lujo y están contentos con el nuevo giro de sus vidas. Él trabaja a su vez en la construcción y, como buena familia patriarcal, las mujeres se quedan en la casa. Los primeros días hay una serie de pequeños sucesos de mal augurio que todos pasan por alto porque no van a dejar que pequeñas señales arruinen su gran cambio. Y entonces comienza un nuevo programa de televisión del que rápidamente se enganchan las mujeres pero poco a poco también lo harán el resto de la familia. Es una suerte de telenovela india de una familia que se acaba de mudar a un nuevo departamento y que pese a una serie de pequeños sucesos de mal augurio no dejarán que ello les arruine su gran cambio.

Pueden ver hacia donde vamos, ¿no?

La idea, no lo voy a negar, es interesante. El problema es que si bien tiene una clara connotación medio paranormal, tampoco parece ser un tema que se pueda asociar fácilmente con el género del terror. O soy yo que no puedo ver nada terrorífico en una telenovela, por más que esté reproduciendo los hechos del día a día de una familia muy poco atenta que no se da cuenta de esos pequeños y siniestros detalles. Por otra parte mucho de los 'sucesos de mal augurio' son bastante inentendibles sin contexto, uno se imagina que son funestos porque el momento dramático parece señalarlo pero no es que se esté completamente seguro de la razón. Además que una serie de circunstancias 'tenebrosas' parecen reproducirse con un tono más bien cómico que les resta un poco de la ceremoniosidad del género. Y sabemos que no es que sea cómico, es que así es el tono de bollywood, pero es difícil conciliarlo dentro del género de terror.

De hecho creo que el mejor modo de definir la película es si se imaginan una buena trama de película de terror pero representada con todos los valores de producción de una telenovela mexicana. Esto es, actuaciones exageradas, música demasiado evidente para las circunstancias, enfoques de cámara explícitamente ominosos, explicaciones sobre-dramatizadas, y un giro final que aunque podría ser bueno dentro de su historia queda extraño dentro del conjunto.

Y me deja la sensación de que hay elementos impropios del género cuando en realidad no es que sean impropios sino que es el modo en que son presentados. Como la televisión, que aquí es un elemento clave de la trama pero que luce como un recurso pastiche posmoderno sacado de la manga. Cuando sí que hay películas de terror donde la televisión juegue un papel importante y resulte realmente siniestra dentro de su contexto. 

Y para los que se lo estén preguntando: ¡claro que bailan! Como no pueden bailar dentro de la película porque, claro, le restaría *seriedad* a la trama. Pues cierran con un bailecito final así:

De hecho creo que con este video les digo todo. Que, puedo decirles, si ese baile estuviera dentro de la historia, la película hubiera sido como 40% mejor. 

Que no es que sea esencialmente mala, es que es muy rara, de modo que vale más verla por un interés sociológico antes que esperando que asuste.

¿Película favorita alrededor del concepto de la televisión?

Octavo día del Maratón de Cine Bloggers.

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"The rite", Mikael Håfström

10/05/12

Yo no tenía muchas ganas de ver "El rito". Ni siquiera recuerdo muy bien cómo es que se cruzó por mi camino. De hecho el subgénero de exorcismos es de lo que menos me gusta en el cine de terror. Pero ya que estaba ahí.

"Be careful Michael, choosing not to believe in the devil doesn't protect you from him"

El problema con el género de exorcismos es que hay poco con qué trabajar además de la fórmula pre-establecida. Es claro que hay grandes ejemplos del género, no voy a negarlo, pero me parecen bastante excepcionales y en general las películas decentes al respecto se salvan por particularidades muy concretas. Porque es claro que tienes necesariamente a un sacerdote (o emisario religioso embestido de poder) y a un poseso. Se va a poner en duda la naturaleza de la posesión, van a suceder una serie de pruebas incómodamente irrefutables, sucederá una batalla campal entre ambos que pondrá en juicio todo lo que se creía saber sobre la religión, y va a terminar de forma ambigua o abrupta. Es difícil salirse de eso, entonces con lo que se puede trabajar son los agregados a estos puntos.

"El rito" tiene, de inicio, el nombre rimbombante, Anthony Hopkins, que me parece más o menos claro que está puesto ahí para que la gente piense que la cosa va en serio y se decida a verla. No es que sea de mis actores favoritos pero sí suele parecerme que tiene bien elegidos sus papeles, lo cual no siempre implica que esté yo de acuerdo con dichas elecciones. Puedo entender que dado que todo en la película gira alrededor de su personaje no termina por ser una mala elección. Yo el jovencito hubiera jurado que salía de alguna serie de televisión pero parece ser que no ha tenido una carrera demasiado destacada hasta el momento.

El joven, seminarista, tiene una crisis de fe y está por decidir abandonar el camino de Dios cuando lo mandan a hacer un curso de exorcismos en Italia. Porque eso es lo que hace el Vaticano cuando tienes una crisis de fe: te pone cara a cara con el demonio a ver qué te parece. El curso parecen pláticas muy bonitas pero él deja en claro que ya no cree en nada. Así que su profesor decide mandarlo con Anthony Hopkins a que le enseñe lo que es la vida. Siguiendo la misma lógica de que mientras más te quejes de la institución para la que trabajas, mejores cargos te darán. Hopkins es un sacerdote poco usual, lo que no ayuda a la crisis de fe de Michael (ah, sí, se llama Michael el joven seminarista), pero de pronto se encuentran con un caso más complicado de lo que parecía. Y todos sabemos qué sigue.

La película tiene muy pocos pros para tantos contras. Hay un intento genuino de hacer personajes menos tópicos para sus respectivos papeles: el desenfado de Anthony Hopkins y su modo de tratar la religión de manera tan libre, un asistente que es demasiado riguroso y científico y que deja en claro que no cree en nada, una reportera que nadie está muy segura qué hace ahí. Quieren sacar la historia de las típicas estructuras del género pero hay poca movilidad, fuera de un buen uso de símbolos por momento y el no querer rendirse a los sustos fáciles, no queda más. Al menos otras películas recientes del rubro nos daban jóvenes posesas que podían contorsionarse hasta lo imposible.

Luego, lo primero, es que en un afán de no caer en sustos baratos, la película se vuelve aburridísima. Aburridísima. Se supone que ahí lo que intentan es adentrarse más en el complejo debate de los problemas de la fe pero tampoco es que lo consigan demasiado, en primer lugar porque no parece una reflexión que parta de individuos que han pasado toda su vida estudiando teología. Michael es necio e infantil con argumentos que uno podría escuchar en cualquier conversación con un amigo ateo no particularmente listo, y encima todos lo toman demasiado en serio cuando lo que debieron haber hecho es dejarlo renunciar desde el principio. Hasta el demonio, por diox, más que sesiones de exorcismo parece un psicoanálisis con un paciente aburrido. Yo no es que haya estado poseída nunca pero me imagino que cuando uno lleva al diablo por dentro no es que quiera ponerse a convencer a lo demás: vas y prendes todo en llamas a ver si vuelven a dudar de ti. 

Antes de la mitad de la película ya sabía que no me importaba en absoluto lo que pasara con ninguno de los personajes, me hubieran hecho un favor con un final en que murieran todos. Alguna crítica define la película como "'The rite' comete el supremo pecado de hacer que el diablo sea aburrido". Y es justamente eso.

¿Película favorita de Anthony Hopkins?

Y vamos por el Séptimo Día del Maratón de Cine Bloggers.

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"Hasta el viento tiene miedo", Carlos Enrique Taboada

09/05/12

Y no está mal continuar ahora con más terror mexicano clásico, de manos del casi infalible Carlos Enrique Taboada. Años antes de que los internados femeninos europeos se volvieran mansiones del terror, en México ya teníamos jovencitas enclaustradas y acosadas por el terror. Justo lo que uno querría ver.

"Quién sabe qué pueda haber después de la muerte que lo obligue a uno a volver y vagar aquí abajo"

Claudia, una joven que vive y estudia en un colegio sólo para señoritas, ha pasado los últimos días siendo atormentada por una pesadilla donde al ir subiendo unas escaleras se encuentra con el cadáver de una chica colgando de una cuerda. Los sueños son a veces tan vívidos que tiene la sensación de que terminan por ocurrir en su cuarto y cuando despierta ya no puede conciliar el sueño de nuevo, ni calmarse. Durante uno de esos días en que se encuentra perturbada por esa sensación, junto con sus amigas descubre que la torre que hay en el patio del colegio perpetuamente cerrada tiene el candado abierto, deciden entrar a ver qué hay dentro (porque siempre es una excelente idea entrar a conocer los rincones siniestros de donde se vive) sólo para descubrir que es el escenario de sus pesadillas. Pero son descubiertas por la directora del colegio quien decide castigarlas al no permitirles tomarse las próximas vacaciones, por lo que tendrán que quedarse solas en el colegio durante las próximas semanas.

Y está claro que una no ve mujeres ahorcadas en sueños sólo para pasar unas semanas maravillosas en el preciso sitio donde sucesos funestos ocurrieron años atrás, ¿no?

En un ambiente por completo femenino, Taboada funde la sensibilidad adolescente con la sobrenatural partiendo de una historia clásica de fantasmas: algo sucedió cuya energía permanece. Las chicas no sólo se ven acosadas por fenómenos extraños a su alrededor, sino que la psique de Claudia va sufriendo irregularidades conforme tiene la sensación de 'entender' al fantasma que las ronda. 

Aunque la idea de tener jovencitas corriendo por todos los sitios del colegio parecería ser exclusiva del género slasher (de hecho las películas a las que hacía referencia al inicio que son "Suspiria" de Argento y "La residencia" de Ibáñez Serrador, lo son de manera emblemática), parecería que Taboada plantea una estructura similar pero para completarla con una entidad no sólo sobrenatural (en contraposición con la figura humana del asesino) sino también femenina. Sí tiene la película un aire de '¿quién es la próxima víctima?' pero al  mismo tiempo no se limita a una serie de persecuciones individuales sobre las cuales tenga que alzarse una ganadora-superviviente. 

Si bien puede pensarse que de manera estricta es una película más bien simple con una trama que tampoco es que no se haya visto nunca, es claro que uno de los puntos fuertes de Taboada es la ambientación (una maravillosa ambientación que queda más que adecuada para el título) y la conformación de los personajes (aunque en este caso algunos se muestren con mayor profundidad de otros). Si acaso es cierto que el aire festivo sesentero de la estética y de las actitudes de las protagonistas cuando no están siendo acosadas por espíritus del más allá puede parecer un poco extravagante con una mirada actual y restarle por momentos un poco de seriedad, creo que difícilmente uno espera los típicos sustos actuales en una película de tantas décadas atrás. "Hasta el viento tiene miedo" probablemente no va a sacarle un susto a nadie pero sí que resultará una excelente representación de una historia de fantasmas con aires clásicos. 

Como México también cae en esa moda de remakear lo poco remakeable que tenemos, hace algunos años salió una nueva versión de esta película, protagonizada por Martha Higareda y cambiando la locación a un psiquiátrico para adolescentes burguesas (porque ya nadie se iba a creer lo del colegio para señoritas, supongo). Por una parte sí creo que una actualización en aspectos formales no le vendría mal y algunos efectos especiales tampoco, pero no tengo que decirles que dicho intento fue un fracaso más que absoluto. Comenzando por Martha Higareda, se imaginarán.

¿Película de terror favorita en que las protagonistas sean un grupo de puras mujeres?

Sexto día del Maratón de Cine Bloggers. Pásenle, pásenle. 

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"Ha phraeng", varios

08/05/12

Con la imagen de un monje budista todo parece cosa seria, pero esto es un engaño, aquí estamos hablando de terror tailandés barato, nada más ni nada menos.

"¿Has oído sobre el ritual de los Fantasmas Hambrientos?"

Bueno, de hecho no es tan barata como su predecesora, "4bia", incluso quitaron el jueguito del título y se llama sencillamente "Phobia 2". Es un ómnibus de varias historias de terror dirigidas por diferentes directores. Ya he mencionado en algún momento que el terror tailandés es probablemente el que menos me gusta de los que he podido ver de Asia pero la primera parte me sorprendió de manera grata, aunque también en virtud de no tomarse demasiado en serio como conjunto. La idea aquí es la misma pero me parece que hay un ligero mayor cuidado en cuestiones de producción e incluso en el mismo desarrollo de las historias, que son:

Novice: Un joven está escapando de un crimen y su madre decide esconderlo en un monasterio budista a mitad de la nada. El joven claramente no quiere estar ahí y tiende a romper todos los preceptos budistas que puede, no sin sus correspondientes consecuencias.

Ward: Un joven está internado en un hospital compartiendo cuarto con un anciano en coma. Aunque a él no le queda tan claro que el hombre esté en coma y en general todo en el hospital parece no ser del todo normal.

Backpackers: Una pareja de japoneses tienen la pésima idea de ir de mochilazo por las partes menos bonitas de Tailandia. En una de esas se encuentran con un camionero de carga que decide llevarlos a su siguiente destino pero algo entonces comienza a sonar desde la parte de atrás del camión.

Salvage: Una vendedora de autos usados lleva a su hijo al trabajo y éste parece haberse perdido jugando entre los numerosos autos aparcados. Se va haciendo de noche y parece que hay muchas más cosas escondiéndose entre esos autos.

In the end: Durante la grabación de una película de terror, la actriz que representa al fantasma vengativo se enferma, pero al mismo tiempo ciertas irregularidades comienzan a suceder en el set. 

Las ideas, como pueden notar, son bastante sencillas y en general manejan bien estos grandes temas del terror a los que se les da un toque tailandés en el camino. A excepción del primer fragmento donde el folklore propio hace su aparición, en la mayoría han dejado de lado los aspectos más autóctonos de su cine de terror (en algunos aspectos para bien, se podría pensar). 

Siendo fragmentos cortos el ritmo avanza de manera fluida y si bien no recurre en casi ningún momento a los sustos de golpe o a una atmósfera demasiado conseguida, diría que en su totalidad son disfrutables y consiguen al menos ser entretenidos. De manera personal a mí el de "Novice" me gustó mucho (en parte por la incorporación del folklore y también porque me parece que es donde más se nota una preocupación visual), "Ward" me pareció quizá muy sencillo, "Backpackers" peca de delirante pero el toque exploitation le da un pequeño plus (y los japoneses que da ternura que habiendo sobrevivido a la cantidad de maldiciones en su país tengan que ir a encontrárselas a Tailandia), "Salvage" está igual bastante conseguido y el tema es interesante y "In the end" es el broche de oro. Del mismo modo que en "4bia" cierran, irónicamente, con un corto de terror cómico, con muchos guiños al género y con sorpresa sobre sorpresa hasta volverse casi surreal. Siendo una mezcla extraña tras la 'seriedad' de los anteriores, es curioso que funcione tan bien, debido en parte a que no sólo es cómico de manera fortuita sino que está muy bien planteado es relación a los tópicos del género. 

Para mí estas dos partes de "Phobia" representan un caso casi aislado en cuestión de producciones asiáticas de este tipo. Las antologías de cortos de terror japonesas (que son las que más he visto) casi siempre me dejan la sensación de que son reunidas de manera arbitraria sin que exista una cohesión real entre ellas. Las películas de "Three extremes" tienen ese punto 'cine de autor' que hace que no sean propiamente 'historias de terror' sino 'historias de terror por Miike, Park Chan Wook, etc'. Y sobre todo sin que sea una joya en el género ni mucho menos, creo que "Phobia" como proyecto consigue exactamente lo que busca de manera bastante precisa. Que es muchísimo más de lo que usualmente pienso del terror en Tailandia.

¿Conjunto de cortos de terror favorito?

Quinto día del Maratón de Cine Bloggers.

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"Antichrist", Lars von Trier

07/05/12

Siempre siento mucho recelo por las producciones de Lars von Trier. No soy personalmente fan del director y ya sabemos que aún siéndolo eso no es garantía de nada porque tiende a polarizar una y otra vez con cada una de sus cintas y uno nunca está seguro de si terminará inclinándose hacia el amor u el odio en cada ocasión. Pero "Anticristo" llevaba demasiado tiempo en la lista de espera. Y con un gran poster.

"Nature is Satan's church"

"Anticristo" es una película que no habla claro desde el primer momento. Si resumimos la trama como una pareja que pierde a su hijo en un desafortunado accidente y decide irse al bosque a tratar de superar el duelo, es claro que hay algo que nos estamos perdiendo. De todo lo que no se dice, probablemente, del bosque mismo. Lars von Trier dijo en algún punto que lo que él trataba de hacer era una película de terror pero también es claro que no consiguió una película de terror. Consiguió algo más.

La primera secuencia, que supongo que muchos habrán visto aún sin haber visto la película completa, es maravillosa y refleja mucho de lo que continuará con la trama. En cámara lenta, con música clásica, se orquestan las escenas de la pareja teniendo relaciones por toda la casa con las escenas en que su hijo sale del cuarto y termina cayendo por la ventana. Ese es sólo el inicio del horror.

Personalmente lo primero que me atrapó de la película fue la representación del duelo como un proceso distorsionado. Creo que estamos muy acostumbrados a una cierta imagen de la mujer o la pareja en duelo, con una ceremoniosidad exacta y repetida sin importar los casos. Que es también algo así como lo políticamente correcto porque no nos planteamos que hay psiques que probablemente respondan de manera distinta. Y hay psiques dañadas, de entrada, y Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe al parecer sacan cada uno lo peor del otro. Ella es incapaz de lidiar con la culpa y un dolor que se han vuelto físicos: físicos en su encarnación en crisis y ataques de pánico, pero también en los intentos de evasión que se manifiestan a través de una sexualidad sin control. El único consuelo es sólo la carne, el impulso, la tensión sexual. Él es un psicoanalista que, contra toda ética profesional, está convencido de que es el único que puede tratar la situación para ella y ambos y va decidiendo los tratamientos a seguir de manera subjetiva y arbitraria. Y así es como terminan en los bosques.

El siguiente elemento es, claramente, el bosque. Todo en el bosque: el bosque y su ambientación, sus metáforas, sus criaturas, el bosque como concepto ancestral y como entidad metafísica. El horror de fuera en contraposición con el horror interno. Ahí es donde la película además se vuelve medieval. La lógica con que se desenvuelven los elementos en dicha locación pareciera que sigue lineamientos sacados del imaginario del medievo. Cosa que es bastante oportuna si tomamos en cuenta que es el campo de especialización del personaje de Charlotte. Más allá de los reiterados comentarios sobre si la película es increíblemente misógina, cosa de lo que se ha acusado frecuentemente a Lars von Trier, a mí me queda esta regresión a la imagen de la mujer como una entidad profunda, inentendible y siniestra: la representación más clara del otro. Es por ello que todo lo perverso en la película tiene connotaciones femeninas y es el hecho de que Charlotte asuma precisamente esta posición lo que define los sucesos posteriores.

A lo cual sólo tengo que agregar que es una pieza fantástica. Sí, es como tantas otras películas de Lars von Trier una martirología sin tregua, pero más allá de las convenciones usuales con las que suele tratarla es mucho más violenta y con menos concesiones hacia sí misma y hacia los espectadores. También, personalmente, me parece mucho mejor estructurada en todos los aspectos, consiguiendo una red de símbolos internos maravillosamente construida que sirve de sostén a un par de actuaciones perfectas. Y sin duda puedo imaginarme que es una película que se puede odiar, pero al igual que varias del director, y yo diría que de manera especial, difícilmente dejará independiente. O al menos un par de golpes bien asestados conseguirá.

Y aquí es cuando yo no entiendo, la verdad, y voy a suponer que a todos les pasa lo mismo cuando tienen que comparar dos películas de von Trier donde amaron una y odiaron otra. No entiendo que se hable, por ejemplo, tanto de la labor de Kirsten Dunst en "Melancolía" cuando aquí Charlotte Gainsbourg es inmensa, inconmensurablemente arrebatadora. Por no decir que en comparación entre ambas la última me parece un pan sin sal mientras ésta me genera exaltación sólo de recordarla.

Pero así es él, probablemente jamás se llegará a un consenso. 

¿Película favorita sobre el proceso de duelo?

Y éste es el cuarto día del Maratón de Cine Bloggers.

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"Urireul haengbokhagye haneun myeotgaji jilmun", Sung Joon Ki & Kim Yong Soo & Hong Suk Goo

06/05/12

Con ese título larguísimo e impronunciable nos referimos a una mini serie coreana conocida mejor como "Several questions that makes us happy". Hacía rato que no nos tocaba reseñar series y ésta entra por poco porque siendo tres capítulos cuesta un poco verla como tal.

"Pero ¿puede una sirena convertirse en dragón? ¿Significa que quien atraviese este túnel no volverá a ser el mismo?"

Sabemos que en Asia las propuestas televisivas son muy distintas y no tienen reparo en que las series ocupen los capítulos que necesiten y no exactamente un estándar para todas. Aunque por momentos puedan acercarse más a una especie de película para televisión fragmentada. 

Esta serie consta de tres episodios casi completamente independientes (algunos personajes cruzan de una historia a otra pero lo mismo pueden entenderse de manera aislada) que fueron dirigidos por tres distintos directores en torno a una temática general. Que es donde viene el primer problema porque pese a lo que podría hacernos creer el título, no es precisamente sencillo dilucidar de qué temática se trata.

De manera muy general se podría decir que es una serie con toques dramáticos pero con una perspectiva esperanzadora sobre distintas situaciones problemáticas personales. Ninguna es realmente un problema grande en sí de modo que resultan más cotidianas o como experiencias propias de la vida. 

El primer episodio, "Why are we lonely?" gira más bien alrededor de una oficina y las circunstancias de las personas que trabajan en ella: una mujer soltera que se esmera por dar una imagen de independencia para luego parecer desesperada por encontrar pareja, un jefe y su empleada que llevan una especie de relación platónica que no deja de ser poco apropiada, un joven muy necio que está acostumbrado a hacer siempre las cosas a su manera. El segundo es "Tunnel", con una historia única donde un hombre regresa años después a una ciudad cercana donde conoció a una mujer que cambió su vida en espera de encontrarla de nuevo. El tercero es "Family" donde se ven los problemas propios a cada miembros de una familia, desde la adolescente que no puede confesarle sus sentimientos a un chico con el que trabaja, hasta los altibajos de la relación de los padres y sus condiciones por separado.

Si bien esta situación de lo cotidiano y el acercamiento a cuestiones personales que no sean necesariamente muy dramáticas o inverosímiles es un punto a favor de la serie, también termina por jugarle un poco en contra por momentos. En especial porque hacia el final no nos queda muy claro qué es lo que busca la serie ya después de establecer estos retratos ni el tono que quiere darles, por momentos podemos tener la sensación de que es una mirada optimista pero luego hay algo que termina por no cuadrar del todo, lo mismo sucede en otros momentos con otras sensaciones, sobre si debemos ver una enseñanza moral, sobre si es una crítica, sobre si habla de algo en concreto de los personajes. El hecho de que sean distintos directores quienes se encarguen de cada fragmento no ayuda demasiado con esto porque es claro que cada uno maneja una perspectiva diferente y luego al repetirse un personaje en otro episodio puede que una vez más nos quede la sensación de que lo que nos pareció en un principio no termina por aplicarse completamente.

Por ello supongo que la historia que mejor funciona es la segunda, ya que es por completo auto-conclusiva, involucra nada más a dos personajes y parece quedar mucho más claro cuál es el mensaje que se perseguía con ella (además de que el uso del túnel como metáfora me encantó).

Por otra parte es una serie bastante corta y algunas historias pueden conseguir un interés propio aunque no terminen por concretar un mensaje final. Para quien tiene interés en situaciones cotidianas de la vida en Corea del Sur probablemente resulte bastante interesante como problemáticas universales se aterrizan con sus particulares culturales. Eso sí, sin esperar que quede claro cuáles eran esas varias preguntas ni cómo es que eso tenía que hacernos felices. 

¿Serie favorita sobre historias cotidianas?

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"Okasareta hakui", Koji Wakamatsu

05/05/12

Quizá ahora sí que demos inicio al pequeño mini ciclo de Wakamatsu. O tal vez sea otro de esos casos en que azarosamente decidí ver alguna de sus películas más destacadas dentro de su basta filmografía: "Violated angels".

"This is your blood. This is the only blood you need to decorate me"

Éste es uno de esos extraños casos de relaciones entre Oriente y Occidente que dieron resultados bastante particulares. 

En 1966 en Chicago, Estados Unidos, Richard Speck había entrado a un dormitorio de estudiantes a enfermeras donde torturó, violó y asesinó a ocho de ellas. Siendo atrapado gracias al testimonio de una que logró sobrevivir escondiéndose. En algún momento posterior del mismo año Wakamatsu lee la noticia en un periódico japonés, donde podemos deducir que sólo se comentaban los datos a grandes rasgos, y se pregunta qué es lo que sucedía dentro de la cabeza de ese joven como para cometer dichos actos y qué clase de relación estableció con la enfermera a la que permitió vivir (sí, ahí es donde suponemos que el periódico no explicaba debido a qué es que sobrevivió). De esa reflexión es que nace "Violated angels".

Wakamatsu lleva la situación al contexto que vivía Japón en aquellos años y a su propia disección social. En el dormitorio de enfermeras todas se encuentran despiertas espiando a dos de ellas entregadas a actos lésbicos en una habitación. Cuando descubren que un joven merodea por los alrededores deciden que es buena idea invitarlo a ver el espectáculo pero entonces el mismo reacciona violentamente y sacando un arma asesina a una de las lesbianas. A partir de ahí todo sucederá dentro de ese espacio cerrado, entre el intento de las enfermeras de convencerlo de que las deje vivir como las fantasías perversas del joven que pasan de la exaltación sexual a los traumas de humillación en que siente que esas mujeres, como tantas otras más, también se burlan de él. Elementos fundamentales del género y del imaginario del director se van mezclando en esa distopía confusa: los complejos edípicos, la relación arma-falo, los desnudos fortuitos, la impotencia, el deseo de volver al vientre materno. Uno de los ejemplos más claros de por qué algunos autores definen al cine de Wakamatsu como "Cinema Psychotica".

Es, por otra parte, quizá una de las obras del director que más encaja dentro del estereotipo de su género, el pinku eiga (la pornografía de bajo presupuesto y mucha censura (pero mucha depravación) japonesa). No se necesitan mucho contexto para entender la trama, continuamente se buscan situaciones que inciten a la desnudez o cualquier conato de encuentro sexual y es claro que está pensada para conmocionar al espectador. Además de que el contenido político es muy limitado y sutil y uno puede pasarlo por alto sin perder nada. Si bien esto podría verse en demérito de la obra ya que no es particularmente arriesgada, cosa que suele caracterizar a las otras piezas más  conocidas de su filmografía, no deja de estar excelentemente bien realizadas y conseguir muy bien su propósito que es la reconstrucción de una psique dañada. Los méritos usuales del director en el aspecto técnico de puesta en escena, fotografía y narrativa visual está perfectamente en su lugar. De hecho quizá sea uno de los mejores puntos para entrar a su filmografía. 

¿Película favorita que involucre enfermeras?

Hoy también, esta entrada forma parte del Maratón de Cine Bloggers.

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